Naturmort Nedir Unlu Sanatcilar ve Tablolar

Natürmort Nedir? Ünlü Tablolar ve Sanatçılar

Google News Papgift

Natürmort eserler büyüsü ile bize etrafımızdaki sıradan nesnelere bakmanın yeni bir yolunu göstermektedir. Belirli bir düzenlemeye yerleştirildiklerinde ve daha sonra boya, mürekkep, pastel veya başka herhangi bir ortamda yakalandıktan sonra nesneler yepyeni bir anlam kazanır. Bu yazımızda natürmort nedir ve natürmort sanatının ünlü ressamlarını ve ünlü tablolarını keşfedeceğiz.

Natürmort Nedir?

Naturmort Nedir

Natürmort, cansız, genellikle sıradan nesnelerin bir gruplaşmasını betimleyen bir sanat eserini ifade eder. Geleneksel olarak, natürmort tablolar, daha derin bir anlam iletmek için sıradan bir nesneyi kullanan resimsel bir dil olan kılık değiştirmiş sembolizmle dolu olma eğilimindedir. Meyveler, yüzyıllar boyunca natürmort resimlerinde en yaygın konulardan bazılarıdır. Bir meyve sepeti, sanatçıya kullanabileceği çeşitli renk ve dokular sunmakla kalmaz, aynı zamanda çeşitli dini ve efsanevi semboller de sunar.

Örneğin, Hıristiyanlıkta elmalar, Havva’nın Aden Bahçesi’nde yasak meyveyi yemesiyle ilgili Eski Ahit hesabına atıfta bulunarak ayartma ve bilgi anlamına gelir. Natürmort, sanat tarihine yayılan bir türdür. Günlük yaşamdan nesnelerin resimleriyle süslenmiş eski Mısır mezarlarından yeni teknikler, biçimler ve stiller deneme fırsatı sunduğu modern sanat eserlerine kadar her yerde bulunur. Bu tür, kentleşmenin ev, kişisel eşyalar ve ticarete daha fazla vurgu yapmasına neden olduğu 17. yüzyılda Hollanda’da özellikle popüler hale geldi.

Ünlü Natürmort Ressamları ve Tabloları

Unlu Naturmort Ressamlari ve Tablolari

Natürmort tablolar, belirli bir düzende yerleştirilmiş birkaç nesne içerebilir. Popüler bir tür olması nedeniyle, sanatçılar gerçekçi natürmort meyve resimlerinden soyut natürmortlara kadar her şeyi resmektedir. Ressamların her biri çeşitli nesnelerin nesnel düzenlemesine kendi benzersiz yorumlarını veriyor.

Bugün, en ünlü natürmort ressamları ve en iyi çalışmaları olarak kabul edilen tablolar hakkında daha fazlasını keşfedeceğiz.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 – 1610)

caravaggio

Sanatçının Uyruğuİtalyan
Doğduğu ülkeİtalya
Doğum tarihi29 Eylül 1571
StilBarok

Caravaggio, önemli bir İtalyan ressamdı. 11 yaşındayken terk edildi ve Milano’da bir sanatçıdan eğitim aldı. Sanatının, daha parlak bölgeleri vurgulamak için gölge kullanan, kullandığı tenebrism yöntemiyle tanındığı Roma’ya taşındı. Başarısı ne yazık ki kısa sürdü. Caravaggio, bir arbedede bir kişiyi öldürdükten sonra Roma’dan ayrıldı.

Skandal ise Caravaggio’nun popülaritesini artırdı. Ressamın ünü arttıkça duygusal ıstırabı da arttı. Aşırı duygusal iniş çıkışları olan, kumar ve içkiye meyilli olan şiddet yanlısı bir birey olma potansiyeline sahipti. Alışılmış bir kavgacıydı ve sonunda başka bir sanatçının Caravaggio’nun kendisine saldırdığı suçlamasına yanıt olarak 1603’te kısa bir hapis cezasına çarptırıldı.

Caravaggio’nun öfkesi takip eden yıllarda daha da güçlendi.

Meyve Sepeti (c. 1595)

Meyve Sepeti c. 1595

Tamamlanma yılıc. 1595
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar31cmx47cm
NeredeAmbrosiana Kütüphanesi, Milano

Sanat eseri basit bir natürmort sahnesini canlandırıyor. Caravaggio, meyvedeki solucan deliğinin kanıtladığı gibi, canlı, cesur üslubunda solmuş yapraklar, sarkan üzümler ve hatta enfeksiyon kanıtlarını tasvir etti. Belki de bu, hayatın kusurları için bir metafordur. Ya da belki Caravaggio gözlemlediğini basitçe tasvir etmiştir.

Meyve Sepeti, desenleme ve tekrarların güzel bir örneğidir. Yuvarlak meyve, organik yaprak tasarımları, yaprak gruplamaları ve dokuma kaba dikkat edin. Bu görsel olarak çekici çünkü tablo boyunca bir düzen duygusu sağlıyor.

Natürmortlar genellikle daha düşük bir açıdan tasvir edilir. Bu, birçok natürmort kompozisyonunun, genellikle göz seviyesinin altında olmak üzere, evdeki masa üstlerinde veya raflarda bulunduğu düşünülürse mantıklıdır.

Sanatçı Meyve Sepeti ile, gözleri kutunun tabanıyla eşleşen düz bir bakış açısıyla çalışan yeni bir teknik kullandı. Bu noktadan bir derinlik ve yapı duygusu elde etmek zordur. Hasırın basit bir silindir şeklinden başka bir şey olmadığını düşünün. Bu açıdan alt veya üst düzlemleri göremeyiz ve eğri kenarlar daha çok düz çizgiler gibi görünür. Silindir, üç boyutlu bir şekilden ziyade düz dikdörtgen bir şekle benziyor.

Clara Peeters (1594 – 1657)

Clara Peeters 1594 – 1657

Sanatçının UyruğuFlaman
Doğduğu ülkeBelçika
Doğum tarihi15 Mayıs 1594
StilFlaman Natürmort

Kadınların yaratıcı eğitime erişimi ve sendikaya kabulü üzerindeki kısıtlamaları göz önünde bulunduran Clara Peeters, döneminin en büyük Flaman kadın sanatçı. Ve 17. yüzyıl Avrupa’sında aktif olarak çalışan çok az kadın ressamdan biri olarak tanınmaktadır. Peeters, yemekli natürmort tablolar konusunda mükemmeldi ve Hollandalı “breakfast works”, temel yemeklerin görüntüleri ve nadir metallerden cömert bardaklar ve kaplarla “banquet works” geleneklerini şekillendirmede önemli bir figürdü.

1621’den sonra Peeters tarafından görünür bir eser olmadığı için, Judith Leyster’ın yaptığı gibi, evlendikten sonra yaratmayı bıraktığını öne sürdü. Bazıları Peeters’in, yapıtlarının birden fazla el tarafından reprodüksiyonlarının sözde sayısına dayanarak mütevazı bir ressam stüdyosuna öncülük etmiş olabileceğini düşünüyor.

Peeters’in ölüm tarihine dair bir kayıt yok. Yine de, akademisyenler çeşitli olasılıklar üzerine hipotezler kuruyorlar.

Peynirli, Bademli ve Simitli Natürmort (1615)

Peynirli Bademli ve Simitli Naturmort 1615

Tamamlanma yılı1615
TürAhşap Üzerine Yağ
Boyutlar34 cm x 49 cm
NeredeMauritshuis

Bu sanat eserinin anlamı tam olarak anlaşılamamıştır. Bu, ılımlılığın bir göstergesi veya Son Akşam Yemeği‘ne bir gönderme olabilir. Ya da sadece bir lüks ve zenginlik gösterisi olabilir. Başlıkta belirtilenlere ek olarak, bu resimde krema, incir ve baget girdapları var. Uzaktan altın kaplama bir Venedik camı görülebilir. İncir ve fındık Wanli Çin’den yapılmış bir tabakta.

Bu sanat eserindeki öğeler, Peeters’in natürmortlarında sıklıkla kullanılmıştır.

Gümüş evlilik bıçağının kabzasında adı yazılı. Peeters’in görüntüsü, peynirlerin arkasında bulunan sürahinin koluna yansır. Ünlü tablolar denilince akla gelen Arnolfini Portresi’ndeki yansımasında kendini tasvir eden Jan van Eyck’in ayak izlerini takip etti. Peeters toplamda yedi otoportre yarattı. Sanat eserinin tarihsel arka planı bilinmemektedir. 1920’den Paris’teki Drouot-Richelieu’de satıldığı 1998’e kadar Fransa’da kişisel mülkiyetteydi.

Richard Green Gallery tarafından satın alındı ​​ve 2000 yılında Amerika Birleşik Devletleri’ndeki özel bir alıcıya devredildi. Haziran 2012’de Lahey’deki Mauritshuis Müzesi eseri satın aldı.

Jacob Foppens van Es (1596 – 1666)

Jacob Foppens van Es 1596 – 1666

Sanatçının UyruğuFlaman
Doğduğu ülkeBelçika
Doğum tarihic. 1596
StilBarok

Jacob van Es, genellikle yiyecek ve bazen de çiçeklerden oluşan natürmort resimler ile tanınırdı. Diğer ressamlarla birlikte çelenk resimleri üzerinde çalıştı. Clara Peeters ve Osias Beert ile birlikte Flaman natürmort sanatında arkaikleştirme stilinin önemli bir figürüydü. Jacob Foppens van Es’in hayatı hakkında fazla bilgi yok. Bir tablodaki metne göre, büyük olasılıkla Anvers’te doğdu. 1617’de St. Luke’un Anvers Loncası’nın başına atandı.

Antwerp’te usta olarak kaydolduğunda zaten Joanna Claessens ile nişanlıydı ve Nicolaas adında bir oğulları vardı. 1648’de loncanın ustalarından biri olarak seçildi. Van Es’in üç erkek ve üç kız olmak üzere dört çocuğu daha oldu. Bir ressam olarak başarısı, resimlerinin 17. yüzyıldan kalma birkaç Antwerp koleksiyonunda belgelenmiş olmasıyla kanıtlanmıştır.

Tablolarından ikisi ünlü Flaman Barok sanatçısı Peter Paul Rubens’in kataloğunda yer aldı.

Porselen Meyveli Natürmort (1630)

Porselen Meyveli Naturmort 1630

Tamamlanma yılı1630
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar60 cm x 45 cm
NeredeGetty Merkezi Müzesi

Porselen Meyveli Natürmort, sahneyi aydınlatan ve resmin her bir öğesinin şeklini vurgulayan hafif bir ışıkla bir masa üzerinde düzenlenmiş çok sayıda meyveyi tasvir ediyor. Van Es eseri 1630’da tamamladı ve tarihin en ikonik natürmort eserlerinden biri olarak kaldı.

Yarı saydam meyvelerdeki ışık oluşumunun yanı sıra, gölgelerin uygulanmasıyla oluşturulan arka plan ve ön plan arasındaki bariz kontrastı not edin. Sanat eleştirmenleri, A Table of Desserts’ta olduğu gibi, masanın üzerindeki nesnelere çok sayıda yorum atfettiler. Bir açıklamaya göre, çerçevenin sağ alt köşesindeki minik tabaktaki kırmızı meyve, tutkuyu ve cinsel aşkı temsil ediyor. Bununla birlikte, erik ve sarımsı renkler aptallık veya sadakati gösterebilir.

Pieter Claesz (1597 – 1661)

Pieter Claesz 1597 – 1661

Sanatçının UyruğuFlaman
Doğduğu ülkeBelçika
Doğum tarihic. 1597
StilHollanda Altın Çağı

Claesz’in eğitmeni belirsiz, ancak en eski tarihli parçaları Antwerp sanatçıları Osias Beert ve Clara Peeters’in titizlikle düzenlenmiş masa sahnelerini hatırlatıyor. Claesz’in masa resimleri çok çeşitli yiyecek ve içecekler, tütün aletleri ve müzik aletleriyle doluydu. Anlamlı bir hassasiyetle resim yaptı ve ışık efektlerini dikkatle inceledi ve masadaki nesneleri uzayda kayboluyormuş gibi görünecek şekilde düzenleyerek optik yanılsamayı artırmaya çalıştı.

Claesz, 1630 ve 1640 arasında daha sessiz, tek renkli bir palet kullandı.

Claesz, yaratıcı düzenlemeleri ve aynı öğeleri çok sayıda yeni ve büyüleyici kombinasyonlarda yeniden düzenleme konusundaki benzersiz yeteneğiyle Haarlem ve ötesindeki sanatçıları etkiledi. Constantijn Huygens, Claesz’i Huis ten Bosch’un Oranjezaal’ının, özellikle de gümüş ve altın eşyaların gösterildiği kısımların dekorasyonuna yardımcı olacak kadar yetenekli 1647 sanatçılar listesine koydu, ancak Claesz’in komisyonda yer aldığı doğrulanmadı.

Kemanlı ve Cam Toplu Vanitalar (1628)

Kemanli ve Cam Toplu Vanitalar 1628

Tamamlanma yılı1628
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar36 cm x 59 cm
NeredeGermanisches Ulusal Müzesi, Nürnberg

Pieter Claesz bu sanat eserinde sanatının bir kavramını sunar. Aydınlatma, gözlemcinin gözünü çok sayıda özelliğe çeker. Son damlasına kadar dökülen bardak, dünyevi zevklerin geçici doğasını temsil ediyor gibi görünüyor. Cep saati izleyiciden uzağa çevrilmiş ve sanki biri zamanın esrarengiz özünü anlamaya çalışmış gibi arkası açık. Keman, yayı perdeleri arasında çapraz olarak duracak şekilde çapraz olarak zemine doğru yönlendirilir.

Enstrümantasyon büyük olasılıkla iki sanat ve müzik sanatı arasındaki karşıtlığı ve çatışmayı temsil eder.

Tüy ve taşıyıcı, ciltle birlikte yazılara, okuryazarlığa ve vanitaların doktriner doğasına atıfta bulunur. Cam top ilgi çekici ve nadir bir temadır. Sanatçının iş istasyonundaki bir otoportresi, küresel yüzeyine yansır. Ressam, kukla olarak temsil edildiğinden, panoyu imzalamak zorunda değildir. Bu da gerçek bir otobiyografik kayıt haline gelir. Sanatçı görüntünün içindedir. Natürmort resmindeki otoportresinin izdüşümü, her sanat eserinin gösterdiğinden fazlasını gizlediğinin bir ipucu olarak da görülebilir.

Rachel Ruysch (1664 – 1750)

Rachel Ruysch 1664 – 1750

Sanatçının UyruğuFlemenkçe
Doğduğu ülkeHollanda
Doğum tarihi3 Haziran 1664
StilBarok, Hollanda Altın Çağı

Rachel Ruysch’un annesinin babası Pieter Post tanınmış bir tasarımcıydı ve babası Frederik Ruysch ünlü bir fizikçiydi. Vahşi yaşamı doğru bir şekilde nasıl izleyeceğini ve belgeleyeceğini babasından öğrendi. 15 yaşındayken Ruysch, önde gelen çiçek ressamı Willem van Aelst’in asistanı oldu. O andan itibaren, başta çiçek kompozisyonları ve orman ortamları olmak üzere çeşitli natürmortlar yarattı. 1701’de Lahey’deki sanatçılar derneğine katıldı.

O zamanlar dünya çapındaki bir müşteri için büyük çiçek parçaları yaratmaya başladı. Ruysch, yıllar sonra Bavyera Seçmeni Johann Wilhelm’in kraliyet ressamı olarak çalışmak üzere Düsseldorf’a çağrıldı. Prens öldüğünde 1708’den 1716’ya kadar orada kaldı. Ruysch, Hollanda’ya taşındıktan sonra zengin bir müşteri için meyve ve çiçek resimleri çizmeye devam etti. Ressam olmaya devam etti, 1747’de 83 yaşında bitirdiği bir tabloya kendinden emin bir şekilde yaşını karaladı.

Ruysch’un ünü, vefatını takip eden yıllarda çiçek işlerinin cazibesindeki dalgalanmalar arasında hiç azalmadı.

Cam Vazoda Çiçekler (1704)

Cam Vazoda Cicekler 1704

Tamamlanma yılı1704
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar83 cm x 66 cm
NeredeToledo Sanat Müzesi

Bu şaheser, mesleğinin zirvesindeki yeteneklerini sergileyen Ruysch’un eserinin ünlü bir parçasıdır. İzleyicinin burun delikleri, çiçek açan çiçeklerin hoş, baştan çıkarıcı kokusuyla doludur. Böcekler, kelebekler ve diğer böcekler bir çiçekten diğerine ve bir tomurcuktan diğerine vızıldar ve çırpınır. Bazıları en lezzetli polen arayışında gibi görünürken, diğerleri sakince aranjmanın tomurcukları ve yaprakları üzerinde oturur, antenleri çevrelerini hissetmek için aralıklı olarak farklı yönlerde hareket eder.

Karmaşık, üst üste binen seviyeleri de dahil olmak üzere buketin dinamik kıvrımları, gözlemcinin Ruysch’un yoğun aranjmanına tek bir giriş noktası belirlemesini zorlaştırıyor.

Çok sayıda çiçek çeşidi, boyut ve form çeşitliliği ve canlı tonları izleyicinin gözünü kamaştırıyor ve yüksek derecede biyolojik uzmanlık anlamına geliyor. Çiçeklerin tonları, sanat eserinin karanlık, kasvetli fonunda yoğunlaşır ve artar. Ortadaki canlı beyaz ve turuncu çiçekler anında izleyicinin dikkatini çekiyor. Seyirci bu noktadan, buketin tabanına doğru hafif bir kavis çizen üç narin pembe lahana gülünü gözlemler.

Paul Cézanne (1839 – 1906)

paul cezanne

Sanatçının UyruğuFransızca
Doğduğu ülkeFransa
Doğum tarihi19 Ocak 1839
StilPost-Empresyonizm

Paul Cézanne’ın çalışması, 19. yüzyıldan kalma bir sanatsal yaratım fikrinden 20. yüzyılda taze ve temelden değiştirilmiş bir sanat dünyasına geçişin temelini oluşturdu. Cézanne, 19. yüzyılın sonlarındaki İzlenimcilik ile 20. yüzyılın başlarındaki yeni yaratıcı keşif yolu olan Kübizm arasındaki boşluğu kapatıyor olarak görülebilir.

Hem Picasso‘ya hem de Matisse’e atfedilen Cezanne’nin “hepimizin ebeveynidir” sözünü görmezden gelmek zor.

Cézanne’ın çalışmaları, kompozisyon, renkler, aranjman ve modelleme konusundaki uzmanlığının bir örneğidir. Tipik olarak yinelenen, narin ve meraklı olan fırçası, ayırt edici ve kolayca tanımlanabilir. Hem gören gözün algılarının doğrudan yansıması hem de doğada görülebilenlerden soyut olan karmaşık alanlar yaratmak için renk düzlemlerini ve küçük fırça darbelerini kullandı.

Onun nesnelerini kapsamlı bir şekilde değerlendirmesi, araştıran bir bakış ve insanın görsel işlemesinin karmaşıklığıyla başa çıkmak için inatçı girişimi resimlerde aktarılıyor.

Testi, Perde ve Meyve Tabağı (1894)

Testi Perde ve Meyve Tabagi 1894

Tamamlanma yılı1894
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar59 cm x 72 cm
NeredeÖzel koleksiyon

Cezanne’in şaşırtıcı bir doğrulukla natürmort nesneler yaratma yeteneği, Testi, Perde ve Meyve Tabağı adlı parçasında tam olarak sergileniyor. Bu parçayı 1894’te yarattı ve sanatçının aranjmanı nüanslı bir görünümle doldurmasının kendine özgü yolu nedeniyle övüldü. Bu parça, 1999’da 60 milyon doları aşan bir müzayede sırasında satın alınan en değerli natürmort meyve tabloları arasında yer alıyor.

Resmin daha yakından incelenmesi, izleyiciye, olgunlaşan elma veya armutlardan birini uzatıp tutabilecekleri hissini verir.

Cézanne’ın portakal tonlarından koyu yeşile kadar her meyvenin tonlarını uyumlu hale getirme becerisi birçok sanat uzmanı tarafından övgüyle karşılandı. Mekân sorununu etkili bir şekilde ele aldı. Resmin yüzeyinin iki boyutlu olmasına rağmen üç boyutlu görünüyor. Resim, masadan kaldırılmış gibi görünen meyvenin kokusunu hatırlatıyor ve hoş, tanıdık bir ortam yaratıyor.

Paul Gauguin (1848 – 1903)

Paul Gauguin Kimdir Hayati ve Eserleri

Sanatçının UyruğuFransızca
Doğduğu ülkeFransa
Doğum tarihi7 Haziran 1848
StilSembolist, Post-Empresyonizm

Paul Gauguin önemli bir Post-Empresyonist sanatçıydı. Cesur renklendirme deneyleri, çağdaş sanatın Sentetik tarzının yolunu açarken, tuvallerindeki temaların içsel önemini, emaye işi tarzından etkilenen sunumu, Primitivizm ve pastorale yeniden girişin yolunu açtı. Ayrıca gravür sanatının önde gelen savunucularından biriydi.

Gauguin, 1900’lerin başlarında Sembolist resim hareketinin önemli bir oyuncusuydu.

Tuvallerinde canlı renkler, vurgulu vücut oranları ve çarpıcı zıt unsurlar kullanması onu benzerlerinden ayırarak Primitivizm sanat tarzının önünü açtı. Gauguin, 1891’de Avrupa toplumunun kısıtlamalarından kaçmayı arzuladı ve Tahiti’nin ona biraz duygusal ve sanatsal bağımsızlık sağlayabileceğine inanıyordu.

Gauguin Tahiti’ye vardığında, Fransız sömürge yetkililerinin ülkenin çoğunu batılılaştırdığını keşfetmekten mutsuzdu, bu yüzden şehirde yaşayan Avrupalılar yerine yerli halklar arasında yaşamayı seçti.

Ahşap Tankard ve Metal Sürahi (1880)

Ahsap Tankard ve Metal Surahi 1880

Tamamlanma yılı1880
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar40 cm x 33 cm
NeredeChicago Sanat Enstitüsü

Ressam Paul Gaugin, ünlü natürmort sanatçısı Vincent Van Gogh‘a, boyama teknikleri oldukça benzer olduğu ölçüde çok benziyordu. Gauguin’in Metal Sürahili Ahşap Tankard, Van Gogh’un birçok resmiyle aynı tonlara sahiptir.

Bununla birlikte, onu var olan en ünlü natürmort tablolarından biri yapan benzersiz özelliklere de sahiptir.

1880’de üretilen bu eser, karşıt unsurları kullanması nedeniyle eleştirmenler ve sanat meraklıları tarafından uzun zamandır övülüyor. Sanatçı, ahşap matara ve metal sürahiyi, her bir parçanın kendine özgü ışık yansıtma yöntemini öne çıkaracak ve izleyicinin tüm dikkatini her bir nesneye çekecek şekilde tasvir ediyor. Resim şimdi Chicago Sanat Enstitüsü’nde bulunuyor.

Vincent van Gogh (1853 – 1890)

Vincent van Gogh

Sanatçının UyruğuFlemenkçe
Doğduğu ülkeHollanda
Doğum tarihi30 Mart 1853
StilPost-Empresyonist

Bir vaizin oğlu olan ve geleneksel ve sofistike bir çevrede yetişen Vincent van Gogh, kendine fazla inanmayan, kişiliği ve mesleği ile boğuşan, son derece duygusal bir insandı. Van Gogh’un en iyi eserleri, fırça darbesi, mecazi ve canlı renkler, yüzey gerilimi ve kontur ve formun hareketi ve rezonansı konusunda giderek daha tutkulu hale gelen bir stil kullanılarak üç yıldan kısa bir sürede yaratıldı.

Van Gogh’un özgün içerik ve biçim kombinasyonu güçlüdür. Tutkulu, şiirsel olarak uyumlu ve yaratıcı, çünkü ressam ya çılgınlıkla savaşını ya da doğanın ve tanrının ilahi özüne ilişkin anlayışını aktarma çabasına tamamen dahil oldu.

Ayçiçekleri (1889)

Aycicekleri 1889

Tamamlanma yılı1889
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar95 cm x 73 cm
NeredeVan Gogh Müzesi, Amsterdam

Vincent van Gogh’un ayçiçeği resimleri en bilinenleri arasındadır. Bunları Fransa’nın en güneydeki şehri Arles’de üretti. Van Gogh, bir kapta ayçiçekleriyle üç farklı sarı tonunda “başka hiçbir şey” olmayan beş büyük resim yaptı. Bu yaklaşımda, zarafeti korurken belirli bir renkte birçok değişiklikle natürmort yağlı boya üretmenin mümkün olduğunu kanıtladı.

Ayçiçeği resimlerinin Van Gogh için benzersiz bir anlamı vardı: “takdiri” ifade ettiklerini belirtti.

İlk ikisi, bir süre van Gogh’la birlikte yaşamaya giden tanıdığı ressam Paul Gauguin’in yatak odasına asıldı. Arkadaşının ziyareti sırasında, Van Gogh zaten yeni bir versiyon yaratmıştı ve Gauguin daha sonra hediye olarak bir tane istedi ve van Gogh ona teklif etmekte tereddüt etti. Ancak daha sonra biri şu anda Van Gogh Müzesi’nde bulunan iki ayrı versiyon yarattı.

Henri Matisse (1869 – 1954)

henri matisse

Sanatçının UyruğuFransızca
Doğduğu ülkeFransa
Doğum tarihi31 Aralık 1869
StilFovizm

Renk kullanımı, akıcı ve yenilikçi teknik ressamlığı ile dikkat çeken Fransız ressam Henri Matisse, 20. yüzyıl resminin tartışılmaz liderlerinden biriydi. Tasarımcı, ressam ve heykeltıraştı, ancak en çok ressam olarak bilinir.

Matisse, Marcel Duchamp ve Picasso ile birlikte, 20. yüzyılın başlarında sanat formlarındaki devrim niteliğindeki gelişmeleri karakterize etmeye katkıda bulunan ve heykel ve resimdeki heyecan verici değişiklikler için kredilendirilen üç sanatçıdan biri olarak tanınmaktadır.

İlk olarak bir Fauvist olarak adlandırılmasına rağmen, 1920’lerde Fransız resminin klasik mirasının savunucusu olarak kabul edildi. Yarım yüzyıldan fazla bir zamana yayılan bir yapıtın kanıtladığı gibi, dinamik renk ve eskiz dillerine hakimiyeti, ona çağdaş sanatta önde gelen bir lider olarak ün kazandırdı.

1952’de, kendi memleketinde, şu anda Fransa’daki en büyük üçüncü Matisse resimleri arşivine ev sahipliği yapan bir müze kurdu.

Pink Statuette and Jug on a Red Chest of Drawers (1910)

Pink Statuette and Jug on a Red Chest of Drawers 1910

Tamamlanma yılı1910
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar90 cm x 117 cm
NeredeErmitaj Müzesi, Rusya

Pink Statuette and Jug on a Red Chest of Drawers Natürmort, tüm zamanların en ünlü tablolarından biridir. Resim 1910’da boyanmış ve bir çeşit dolap üzerindeki eşyaları canlı renklerle betimliyor. Bu parça, Matisse’in son derece parlak tonları lineer bir boyama stiliyle birleştirmesiyle tanınan Fauvist evresinden.

Resimde, Matisse’in Paris yakınlarındaki evinin genel görünümünü temsil ettiği için birçok resminde yaygın olan tanınmış mavi duvarlar var. Fovizm, Matisse’in bu resimde başardığı gibi, her benzersiz öğenin içindeki canlı renkleri ortaya çıkarmayı vurgulayan bir boyama tekniğiydi.

Bu yaklaşım daha sonra onu 20. yüzyıl Modernizminde çalışan ressamlar arasında önemli bir konuma getirecekti.

George Braque (1882 – 1963)

Georges Braque

Sanatçının UyruğuFransızca
Doğduğu ülkeFransa
Doğum tarihi13 Mayıs 1882
StilFovizm, Kübizm

Georges Braque, yenilikçi bir sanatsal tarz olan Kübizm’in öncüsüydü. Kariyeri boyunca Braque’nin çalışmaları, natürmortlar ve ton, form ve dokuları kullanarak öğeleri birden fazla bakış açısından görüntüleme yöntemlerine odaklandı. Pablo Picasso ve onların Kübist eserleriyle yaptığı işbirliği en çok hatırlanırken, Braque o zaman çerçevesinin çok ötesinde şanlı bir sanat kariyerine sahipti.

Fauves’in bir takipçisi olarak başlasa da, Braque, Picasso ile tanışana kadar Kübist bir teknik oluşturmaya başlamadı.

Her iki tuval de renk, teknik ve kaynak malzeme açısından birçok paralelliğe sahipken, Braque, Picasso’nunkinin aksine, yapıtının “ikonolojik yorumdan yoksun” olduğunu ve yalnızca görüntü ve düzenleme ile meşgul olduğunu söyledi. Braque, çalışmalarında, özellikle 1912’de Braque ve Picasso tarafından oluşturulan yapıştırılmış bir kağıt kompozit yöntemi olan paper colés’i kullanarak, uyum ve dengeyi takip etti. Braque ise, kolaj sanatını bir sonraki seviyeye taşıdı.

Bu, Pop art gibi medya eleştirisine odaklanan çağdaş sanat eğilimlerini öngördü.

Keman ve Mum (1910)

Keman ve Mum 1910

Tamamlanma yılı1910
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar61 cm x 50 cm
NeredeModern Sanat Müzesi, San Francisco

Georges Braque’nin eseri Keman ve Şamdan’dır ve 1910’da Paris’te yaratılmıştır. Tek renkli bir tarzda üretilmiştir, yani sadece bir ton kullanır, ancak o tonun birçok farklı tonuyla kullanılır. Ayrıca resimdeki öğelerin titizlikle yerleştirildiğini ima eden bir natürmort motif içerir. Keman ve mum gibi bazı şeyler açıkça görülebilir, ancak diğer öğelerin ne olduğunu belirlemek zordur.

Bu, onun sağlamlığa ve şekle olan tutkusu ve Analitik Kübizm ile keşfetme tutkusunun bir sonucu olarak, tanıdık şeyleri kıran, sıkıştıran ve çeşitli nokta-perspektiflerinde küçücük bir ölçekte yeniden birleştiren bir sanat eseridir.

Giorgio Morandi (1890 – 1964)

Giorgio Morandi 1890 1964

Sanatçının Uyruğuİtalyan
Doğduğu ülkeİtalya
Doğum tarihi20 Temmuz 1890
StilFütürizm

Ünlü bir İtalyan sanatçı olan Giorgio Morandi, hem temel hem de sofistike eserler yarattı. En sevdiği iletişim yöntemi, bazılarının sıkıcı, bazılarının ise sonsuz derecede çekici bulduğu, nötr bir zemine yerleştirilmiş şişelerin natürmortlarıdır. Sakinliğine dalmış saatlerce bakabileceğiniz türden bir sanat eseri. Ve onlara bakmayı sanatın kendisine bakıyormuşsunuz gibi gösteren tuval türleridir.

1964’te ölmeden önce, zamanın ötesinde, kendi evreninde çalışıyor gibiydi. Hayatı, yarattığı imgeler kadar gizemli ve dalgın görünebilecek bir sanatçıydı.

Natürmort (1951)

Naturmort 1951

Tamamlanma yılı1951
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar24 cm x 32 cm
NeredeModern Sanat Müzesi, San Francisco

Morandi’nin alametifarikası dinginlik ve inzivaydı 1920’de di Chirico’dan kendi marka estetiğine geçiyordu. Bu sanat eserinde yoğun gölgelemeyi ve keskin, koyu çizgileri daha yumuşak, ortam aydınlatması lehine terk etti. Resimdeki somun, meyve ve boş kap, Morandi’nin etrafında gelişen anlatıya uygun olarak mütevazı bir akşam yemeğini ima ediyor.

Meslek yaşamının büyük bir bölümünü kız kardeşleriyle birlikte küçük bir apartman dairesinde geçiren, odası da atölye olarak hizmet veren kalıcı bir bekardı. Bu parçanın sadeliği, izleyicinin dikkatini normalde her nesneye eşlik edecek renk tonlarından ziyade her bir nesnenin biçimine çekiyor. Pek çok eleştirmen Morandi’nin sanat eserine dikkat çekti çünkü herhangi bir tür natürmort resmine uymadı ve kendine özgü bir janr içinde göründü.

Salvador Dali (1904 – 1988)

Salvador Dali Hakkinda Ilginc Bilgiler

Sanatçının Uyruğuİspanyol
Doğduğu ülkeİspanya
Doğum tarihi11 Mayıs 1904
StilSürrealizm

Dalí çocukken, ona sık sık, vefat eden erkek kardeşinin reenkarnasyonu olduğu söylendi ve bu, hassas çocuğa kesinlikle çeşitli inançlar yerleştirdi. Yaşamdan daha büyük olan karakteri, küçük yaşlardan itibaren resim tutkusu ile birlikte büyüdü. Akrabalarına ve arkadaşlarına karşı düzensiz, çılgın, öfke nöbetleri geçirdiği söyleniyor.

Avukat babası ve annesi, resme olan ilgisini artırdı. Salvador Dali 1930’ların ortalarındaki resimlerini, özellikle paranoyanın psikolojik durumu ve konu olarak önemi ile ilgili görüşlerinin göstergesiydi. Baba figürleri ve kısırlığın cinselleştirilmiş kaygılarını temsil eden cesetleri, kemikleri ve mecazi öğelerin yanı sıra zamanın geçmesiyle ilgili endişeleri ima eden motifleri tasvir etti. Dalí’nin en ünlü eserlerinin çoğu bu üretken zamandan kalmadır.

Natürmort Yaşam (1956)

Naturmort Yasam 1956

Tamamlanma yılı1956
TürTuval üzerine yağlıboya
Boyutlar125cmx160cm
NeredeSalvador Dalí Müzesi

Salvador Dalí, “Nükleer Mistisizm” olarak adlandırdığı bir aşamada Living Still Life’ı yarattı. Genellikle bilinçli farkındalık ve kuantum teorisi arasındaki bağlantıları açıklamaya çalışan birçok fikirden oluşur. Sanat eseri 1956’da tamamlandı ve şu anda Florida, St. Petersburg’daki Salvador Dalí Müzesi’nde bulunuyor.

Benzer Gönderiler