Rembrandt Harmenszoon van Rijn, sanat tarihinde bir dev olarak kabul edilmekte. Hollandalı sanatçı, Hollanda’nın en çok yönlü ve yetenekli ressamlarından biriydi. Rembrandt, portreleri Hollanda Altın Çağı’na katkıda bulunduğu İncil ve tarihi anlatıları tasvir etmesiyle tanınan olağanüstü bir ressamdı. Bu olağanüstü sanatçı hakkında daha fazlasını keşfetmekle ilgileniyorsanız okumaya devam edin!
Rembrandt Kimdir?
Adını duymuş olabilirsiniz ama tam olarak Rembrandt kimdir? Rembrandt van Rijn, çeşitlilik ve trajedilerle dolu bir hayat yaşadı. Üstel bir başarıya sahip parlak bir gençliğin ardından Rembrandt’ın hayatı düşüşe geçti.
Ezici başarısına rağmen, mali sıkıntı hayatının büyük bir kısmına damgasını vurdu. Belki de mücadele etmek tüm büyük sanatçıların lanetidir ve van Rijn kesinlikle büyük bir sanatçıydı. Kabaca beş Rembrandt dönemi vardır. Ve her biri kendi tarzı ve konusu bakımından belirgin bir şekilde farklılık gösterir.
Rembrandt’ın Erken Yaşamı: Rembrandt Nerede Doğdu?
Zamanının diğer birçok sanatçısının aksine, Rembrandt sanatçı bir aileden gelmiyordu. Peki, nerede doğdu? 1606 Leiden’de, Hollanda Cumhuriyeti’nde değirmenci babası ve fırıncı annesinin çocuğu olarak dünyaya geldi. Ebeveynlerinin toplam on çocuğu vardı, ancak bunlardan sadece altısı hayatta kaldı.
Her iki ebeveyni de dindardı, babası Hollanda Reform Kilisesi’ne ve annesi Roma Katolikine mensuptu. Rembrandt’ın çalışmalarının çoğu derin dini ikonografiye sahip olsa da, kendi dini inançlarına dair hiçbir kanıt yoktur.
O zamanlar alışılmış olduğu gibi, Rembrandt bir ilkokula gitti. Ardından Leiden Latin Okulu’nda okumaya devam etti. Latin Okulu öncelikle klasiklere ve İncil çalışmalarına odaklandı. Ve bu okuldaki zamanı muhtemelen gelecekteki resimlerinin ve gravürlerinin yolunu açtı. Birçok sanat tarihçisi, resimlerinde figürleri sahneleme konusundaki eşsiz yeteneğinin, Latin Okulu’nun hitabet becerilerine verdiği vurgudan kaynaklandığına inanmakta. Ayrıca Latin Okulu’ndaki zamanını bitirip bitirmediğini bilmiyoruz. Ancak birçoğu resim eğitimi almak için okulu erken bıraktığına inanıyor.
Sanatsal Eğitim
1620 ve 1625 yılları arasında bir sanatçı olarak eğitim gördü. O zamanlar gelenek olduğu gibi, iki usta tarafından eğitildi. Rembrandt’ın eğitim aldığı ilk usta Jacob van Swanenburgh’du. Jacob can Swanenburg da Leiden’liydi ve van Rijn’a yaklaşık üç yıl boyunca temel resim bilgi ve becerilerini öğretti.
İlk ustası, mimari parçaların yanı sıra yeraltı dünyası ve cehennem sahnelerinde uzmanlaşmıştır. Ateşi resmetme ihtiyacı ve onun yansımaları, muhtemelen ışığa olan kalıcı büyüsünün altında yatmaktadır.
Van Swaneburgh ile geçirdiği zamanın ardından, Rembrandt altı ayını ikinci bir yüksek lisans eğitimi alarak geçirdi. Pieter Lastman bir tarih ressamıydı ve Rembrandt’ın bu özel resim türünde ustalaşması onunla birlikte oldu. Tarih resmi türü, karmaşık ortamlarda tarihi, İncil, alegorik ve mitolojik figürler etrafında toplandı. Tarih resmi, zamanın resim hiyerarşisinde en üst sırada yer aldı. Bu pozisyonun arkasındaki neden, manzaralar, natürmort sahneleri, kostümler, hayvanlar, mimari, insan figürü, kostümler, perdelik ve çeşitli ifadeler dahil hemen hemen her konuya hakim olmayı gerektirmesiydi.
Ayrıca Rembrandt’ın Jan Lievens ile üslup eğitimi almış olabileceğine dair tartışmalar da var. Lievens bir tür dahi çocuktu ve van Rijn’tan bir yaş küçük olmasına rağmen, Rembrandt eğitim aldığı sırada zaten tamamen gelişmiş bir sanatçıydı. Bilim insanları, Rembrandt’ın 1625 civarında Leiden’e döndükten sonra, o ve Lievens’in birkaç yıl boyunca birlikte çalıştıklarını biliyorlar.
Leiden Dönemi: 1625 – 1631
Bu, beş Rembrandt döneminin ilkidir. 1625’te Leiden’e döndükten sonra, Van Rijn bağımsız bir usta olarak yerleşti. Takip eden altı yıl boyunca, takip eden çalışmalara zemin hazırladı. Bu erken Rembrandt tablolarında Lastman’ın tarzının etkisini açıkça görebiliriz.
Bu erken dönem resimlerinin çoğu, Lastman’ın bazı kompozisyonlarının yeniden yapılmış hali gibi görünüyor. Ustanızın kompozisyonunu parçalara ayırma ve öğeleri yeniden birleştirme yöntemi o zamanlar için tipikti ve Rembrandt’ın öğrencilerinin çoğu da aynısını yapardı.
Leiden dönemindeki Rembrandt van Rijn resimlerinin çoğu daha küçük tarihi resimlerdi.
Rembrandt ayrıca Orta Doğu ve diğer Asya ülkelerinden kostümlerin resimleri olan birkaç troni de boyadı. Bu kostümler cesaret ve dindarlığı temsil eder. Bu troniler portre değildi, ama onlar için poz veren insanlar olmalı.
Leiden döneminde birçok kişi Rembrandt’ın stüdyosunu Lievens ile paylaşmış olabileceğine inanmakta. Genç sanatçılar birlikte boya tutarlılığını denediler. Çift, farklı yüzeyleri uygulamak için boya yüzeyindeki varyasyonları kullandı. Aslında, ikisinin de birkaç kez aynı konunun resimlerini ürettikleri için rekabet ediyor olabileceğine dair bazı öneriler var.
Leiden Döneminden Tablolar: Aydınlatma Gelişmeleri
1627 ve 1629 yılları arasında Rembrandt van Rijn, tarzında hızlı bir dönüşüm geçirdi. Leiden’e döndükten kısa bir süre sonra yaptığı resimler, balmumuna benzer bir niteliğe sahiptir. Figürler, aktörler gibi organize bir mekanda net bir şekilde düzenlenmiştir ve eşit ışıkla aydınlatılmıştır.
Bu dönemde eserlerinde gelişen aydınlatmaydı. Kompozisyon ışık kaynağından uzaklaştıkça Rembrandt diminuendoyu abartmaya başladı. Ayrıca ışığın gücünü merkezde yoğunlaştırdı ve ışığın bir spot ışığı gibi görünmesini sağladı.
Rembrandt van Rijn, tablolarında ışık kaynağını daha gerçekçi hale getirmek için tuvalin önemli alanlarını gölgede bırakması gerektiğini fark etti.
Two Old Men Disputing (1628) adlı eserinde, resimdeki tüm aydınlatılmış öğeleri tek bir alanda toplayarak yeni bir aydınlatma yöntemi sergilemekte. Sonuç olarak, bu formları ayırmak için çok fazla gölgeye ihtiyaç duymadı. Arka planda ve ön planda tutarlı koyu ton kümeleri bu ışık alanını çevreler.
Rembrandt van Rijn sadece neredeyse fırına benzer yoğun bir ışık merkezi yaratmakla kalmadı. Aynı zamanda kompozisyon içinde güçlü bir birlik duygusu da yarattı. Bu bütünlük sayesinde izleyicinin tek bir bakışta tüm resmi hızlıca kavraması mümkündür.
Bu etkiyi yaratmak için bazı fedakarlıklar yapması gerekiyordu. İlk olarak, ton birliğini korumak için çok fazla ayrıntıyı feda etmesi gerekiyordu. Feda etmesi gereken bir diğer şey de parlak, doygun renklerin kullanılmasıydı. Güçlü renkler, Rembrandt’ın arzu ettiği etkiyi azaltacaktır.
Leiden Döneminde Gravürler
Rembrandt gravürlerini ilk Leiden döneminde, 1628 civarında yaptı. Dağlama ile denemelere başlama kararı, kariyerinde önemli bir andı. Çizim, resmin doğal bir karşılığı olsa da, dağlama değildir. Görünen o ki, gravürler yaratmaya başlaması onu uluslararası üne doğru itti. Kariyeri boyunca, yaklaşık 300 gravürünün baskılarını geniş çapta yaydı.
Tarihçiler, Leiden dönemine ait erken gravürlerini analiz ederek, Rembrandt’ın muhtemelen kendi kendini yetiştirdiğini belirlediler. Düzenli ve son derece stilize tarama tekniklerini kullanan çağdaşlarının çoğunun aksine, Rembrandt van Rijn çok daha gevşek ve serbest bir dağlama tekniği kullandı. Bu nedenle ilk izlenimde biraz gergin gibi görünüyordu.
Ancak bu yeni teknik Rembrandt’ın lehine çalıştı. Çizgi oluşturmasıyla daha çok eskiz benzeri ve ressam gibi görünen gravürler oluşturabildi.
Işıktaki ustalığını ressamca gravürlerinde bir kez daha görebiliriz. İnandırıcı bir atmosferik alan yaratmak için farklı tarama yöntemlerini kullanarak inanılmaz derecede düşündürücü bir gölge ve ışık oyunu elde etmeyi başarır. Kariyeri boyunca, gravür uygulamasında birçok aşamadan geçti. Yeni teknolojik gelişmeler, tarihçilerin çalışmalarını daha ayrıntılı incelemesine izin verdi. Ve muhtemelen kendi gravürlerini bastığını belirlediler.
Birinci Amsterdam Dönemi: 1631 – 1635/36
Zamanının tüm Avrupa’yı dolaşan birçok sanatçısının aksine, Rembrandt van Rijn Hollanda Cumhuriyeti’nden hiç ayrılmadı. Ülkesinde dolaştı ve Leiden’de on yıldan kısa bir süre sonra Amsterdam’a taşındı. Leiden düşüşteyken, Amsterdam gelişen ve büyüyen bir sanat merkeziydi. 1631, Rembrandt’ın Amsterdamlı bir resim girişimcisi olan Hendrick Uylenburgh ile bir iş ilişkisine girdiğini gördü. Uylenburgh, diğer şeylerin yanı sıra restorasyonlar gerçekleştiren, portreler çizen ve kopyalar üreten kapsamlı bir atölyeye sahipti.
Yeni bir şehre taşınırken, bir sanatçının lonca ustası olması şarttı. Bu statü ve tek başına sanatçının eserlerini o kasabada satmasına izin verecekti. Ancak Rembrandt van Rijn için bu süreç olması gerektiği kadar basit değildi. Bir sanatçı bir kasabada lonca ustası olmadan önce, bir ya da iki yıl yerel bir ustanın atölyesinde hizmet etmek zorundaydı. Bu süreç muhtemelen Rembrandt’ın Uylenburgh’un atölyesine taşınmasının nedenidir. Uylenburgh’un atölyesinde dört yıl boyunca çalıştıktan sonra, Uylenburgh’un yeğeni Saskia van Uylenburgh ile evlendi.
Birinci Amsterdam Döneminde Rembrandt Portreleri
1631-1635 yılları arasında Uylenburgh’un atölyesinde çalışırken, önemli sayıda portre üretti. Bu portreler genellikle bir çift kolye ve bazen de Rembrandt’ın 1632’de çizdiği Dr. Nicolaes Tulp’un Anatomi Dersi gibi grup portreleriydi.
Çok hızlı bir şekilde Rembrandt, tarih boyama konusundaki deneyimine dayanarak portre pazarını devraldı. Rembrandt’ın başarısı, portrelerine Amsterdam sahnesine hakim olan portre ressamlarından çok daha fazla hayat verme yeteneğinden kaynaklanıyordu.
Rembrandt portreleri dinamik ancak basit konturlara ve sınırlı miktarda ayrıntıya sahiptir.
Sonuç olarak, izleyicinin bakışını doğrudan yüze ve figürün canlılığına yönlendirerek, herhangi bir dikkat dağıtmadan kaçındı. Leiden’de farklı boya kıvamlarıyla yaptığı deneyler de onu insan derisini olağanüstü ayrıntılarla işleme konusunda iyi bir konuma getirdi. Rembrandt van Rijn, portre boyunca ışıkla oynamaya devam ediyor. Neredeyse her zaman, Rembrandt bakıcıyı yüzleri açılı olacak şekilde konumlandırır. Bu açı, burun boyunca aydınlatma ve gölge alanları arasında bir sınır çizgisi oluşturur. Rembrandt’ın yüzlerinin konumu, yüzün önünü aydınlatan ışık seli ile arka planda gölgeli girintiler arasında dramatik bir ayrım yaratır.
Rembrandt’ın portresinin bir diğer önemli özelliği, bakıcılarının akıcı bir şekilde konumlandırılmasıdır. Portre tabloları, kendisinden önceki birçok portre sanatçısının katı formalitesinden farklıdır. Bunun yerine, Rembrandt’ın tasvirleri, yaşı, serveti veya statüsü ne olursa olsun, tüm insanlık için kendi derin şefkatini ifade eder.
İzleyicinin gözünü yakalama konusunda yetenekli olsa da, bakıcılarının benzerliğini yakalama yeteneği üstün değildi. Aralarındaki önemli fizyognomik farklılıkları görmek için sadece otantik otoportrelerini karşılaştırmamız gerekiyor. Diğer sanatçılarla karşılaştırıldığında, Rembrandt van Rijn en az doğru portreler üretti.
Meşhur yasaklı Remonstrant vaiz Johannes Wtenbogaert’in portresi bu tutarsızlığın en iyi örneğidir. Rembrandt’ın tablosunu Jacob Adriaenszoon ve Michiel Janszoon van Mierevelt’in tablolarıyla karşılaştırdığımızda, hangisinin benzerlik bölümünde eksik olduğu açıktır. Üslup analizlerine göre, Rembrandt’ın portre yaparken ara sıra başkalarından yardım almış olabileceği anlaşılıyor. Bu yardım, yeteneği olmadığı için değil, portre atölyelerinde gelenekti. Örneğin, Rembrandt’ın Johannes Wtenbogaert’in Portresi‘nde (1633), eller stilistik olarak farklıdır ve bir stüdyo asistanı tarafından açıkça boyanmıştır.
Birinci Amsterdam Döneminde Din
Tarihçiler arasında Rembrandt’ın kendi dini inançlarının kapsamı hakkında bir fikir birliği yoktur. Ancak din, kariyeri boyunca eserlerinde öne çıkan bir tema olmuştur. İlk Amsterdam döneminde, birçok tarih resmi yarattı ve bunlar genellikle İncil sahneleriydi. Bu İncil resimlerinin çoğu grisailles veya gri tonlamalı eserler biçimindeydi. Tarihçiler, Rembrandt’ın bu eserleri iddialı bir dizi baskının habercisi olarak çizdiğine inanmakta. Bu baskıların, ne yazık ki bitmemiş bir Tutku serisi oluşturması amaçlandı.
Rembrandt’ın kendisini, arkadaşlarını ve ailesini İncil’deki sahnelerine yansıtması alışılmadık bir durum değildi. Bazıları, açık bir dini bağlantı olmamasına rağmen, Rembrandt’ın İncil’i kişisel bir günlük olarak gördüğünü öne sürüyor. 1661’de St. Paul’u kendisi gibi çizdi. Belki de bu otoportre, kendi kişisel inançları üzerine bir yorumdu. Aziz Paul, ilk Hıristiyanların kendilerini mezheplere ayırma eğilimlerine karşı uyarıda bulunmuştu.
İkinci Amsterdam Dönemi: 1635 – 1642
İkinci Amsterdam dönemi, 1635’te Uylenburgh’un atölyesinden ayrılmasından sonra başladı. Kendi başına bir sanatçı olarak kendini kurmaya başladı ve sonunda bir ev satın aldı. Ancak Rembrandt bunun bedelini tam olarak ödemedi. Sonuç olarak sonraki yıllarda önemli finansal sorunlar yaşadı. 1640’ı çevreleyen yıllar, kesinlikle Rembrandt’ın kariyerindeki en yüksek noktaydı. Bu yıllarda Rembrandt’ın ünü katlanarak arttı, öyle ki “yüzyılın en saygın ressamlarından biri” olarak anılmakta. Bu süre zarfında Avrupa’da artan bir sanatsever nüfusu vardı. Sanat aşığının amacı, diğer aşıklar ve hatta sanatçılarla tartışabilmek için tabloları anlamaktı.
Sanatseverler, Büyük İskender ve saray ressamı Apelles gibi sanatçılar ve eski patronlar arasındaki olağanüstü ilişkilerden ilham aldı.
1630’ların sonlarında Rembrandt van Rijn, Leonardo da Vinci ile giderek daha fazla meşgul oldu. Özellikle, Son Akşam Yemeği Rembrandt’ın bir reprodüksiyon baskısından bildiği ve büyüleyici bulduğu tablosuydu. Bu kompozisyonun birkaç taslak varyantını üretti. Ayrıca bu eskizlerden Rembrandt’ın figürlerin gruplandırılmasında simetri sorunuyla ilgilendiğini görebiliriz.
Rembrandt Samson’un Düğün Ziyafeti (1638), adlı kompozisyonunda da Vinci’yi geçmeye çalıştı. Rembrandt, da Vinci’den çok daha canlı bir kompozisyon oluşturmayı başardı. Samson’un Düğün Ziyafeti, 1640’ların başında Rembrandt van Rijn tarafından yapılan birçok grup portresinden biriydi.
1640’tan 1642’ye kadar, Rembrandt öncelikle Amsterdam sivil milis şirketinin büyük bir grup portresini oluşturmakla meşgul görünmekte. Bu resim şimdi Rembrandt’ın en ünlü eserlerinden biri olan The Night Watch (1642). Tablo, milislerden 18 erkek ve sahneyi canlandırmak için 16 rastgele figür de dahil olmak üzere 34 figürü gösteriyor.
Gece Devriyesi (1642)
Kariyeri boyunca Rembrandt van Rijn sayısız ünlü eser üretti. Ve The Night Watch (Gece Devriyesi) en bilinenlerinden biri. Bu resmin şu anki kırpılmış hali, bu çalışmadaki en önemli sorunu da aydınlatmakta. Sorun aynı zamanda en ilginç özellik olan aydınlatma kullanımıdır. Yoğun aydınlatmaya sahip iki figür vardır ve kompozisyona hakimdirler. Birincisi teğmen. İkinci figür ortadaki kızdır. Bu figürlerin ikisi de sarı giyiyor. Bu kıyafet seçimi ışığın etkisini güçlendirir ve çift spot ışığı etkisine neden olur.
Bu etkinin bir sonucu olarak, resmin çok düşük ton değerlerine sahip olduğu görülmektedir. Bu karanlık kesinlikle tablonun isimlendirilmesine katkıda bulunmuştur. Rembrandt’ın eski bir öğrencisi olan Van Hoogstraten, kompozisyonun bütünlüğünü övmesine rağmen, bu resimdeki ışık eksikliğinden şikayet etti. Bu yorumların Night Watch’ın reddedildiği ve Rembrandt’ın düşüşü efsanesine katkıda bulunmuş olabileceğine inanılmakta. Night Watch ve daha birçok Rembrandt ve Vincent van Gogh tablosunu Rijksmuseum ve Van Gogh müzesinde bulabilirsiniz. Van Gogh’un Auvers-sur-Oise’da öldüğü yerden çok uzakta olmasına rağmen, Rembrandt’ın öldüğü Amsterdam’da müzeler birbirine çok yakın.
Üçüncü Amsterdam Dönemi: 1643 – 1658
Üretimi sonraki on yılda önemli ölçüde değişti. Muhtemelen herhangi bir komisyon almadığı veya belki de aldıklarını reddettiği için tek bir boyalı portre üretmedi. Ayrıca üretimi büyük ölçüde yavaşlattı. Resim üretimi büyük ölçüde azaldı ve yarattığı birkaç resim stil, boyut ve konu bakımından önemli ölçüde değişti. Resim üretiminin bu seyrekliği bir sır olarak kalmaya devam ediyor. Ancak Night Watch’ı çevreleyen söylentiler, gelişmekte olan bir “Rembrandt van Rijn efsanesine” katkıda bulundu.
Bu efsaneye göre, Rembrandt van Rijn 1642’deki Gece Devriyesinden sonra giderek daha fazla yanlış anlaşıldı ve görmezden gelindi. Bu dikkat eksikliğinin bir sonucu olarak, giderek daha fazla finansal olarak zorlandı ve sonunda yoksulluk içinde öldü. Bu efsanenin birçok savunucusu, sanatının bu dönemde daha da derinleştiğine inanmakta.
Rembrandt giderek kendine karşı dürüst oldu. Klasik olarak yanlış anlaşılan deha. Bu mit, formülasyonunun çoğunu Saul-Paul biyografik yazı modeline borçludur. Bu modele göre, bir dönüşüm veya kriz, öznenin hayatında ani bir kayma yaratır. Efsaneye göre, Gece Devriyesi’nin reddedilmesi ve karısının ölümü düşüşünü tetikleyen olaylardı. Bu efsane, pek çok sanat tarihçisi tarafından reddediliyor çünkü şaşırtıcı bir destek eksikliği var. Night Watch’ın ciddi bir şekilde reddedildiğini gösteren yeterli kanıt yok.
Seyrek resimlerden ve üçüncü Amsterdam döneminin üslubundaki çeşitlilikten anladığımız şey, Rembrandt’ın bir şey arıyormuş gibi görünmesidir. Bu süre zarfında geç stilini geliştirmeye başladı.
Rembrandt’ın Geç Stili
Rembrandt’ın geç dönem stilinin üç temel unsuru vardır. Işık kullanımı başka bir dönüşümden geçer ve daha geniş fırçalar kullanmaya başlar. Bu daha geniş fırça darbesine rağmen, geç stilinin üçüncü temel parçası, çalışmalarının artan ressam stilidir.
Rembrandt’ın daha geniş fırça darbelerini artan kullanımı, muhtemelen geç stilinin en belirgin yönüdür. Fırça darbelerindeki farklılık olağanüstü olsa da, bireysel fırça darbeleri genellikle görünür kalır. Rembrandt van Rijn fırçayı hangi ölçekte uygularsa uygulasın, şansın her zamankinden daha fazla kontrol altında olduğu görülüyordu. Bu sonraki eserler, daha önce hiç göstermediği sınırsız özgürlükle, neredeyse tesadüfi bir şekilde yaratılmış gibiydi.
Bu fırça darbesi özgürlüğüne rağmen, Rembrandt’ın son çalışması eskisinden daha az kabataslak veya daha az kusursuz görünmüyor. Buna karşılık, onun ressamca icrası ve gözlem yoğunluğu sadece artar. Fırça çalışması hayat ve hareket dolu görünse de, resimlerindeki figürler eskisinden daha fazla hareketsiz görünmekte. Daha önceki çalışmalarının karakteristik özelliği olan doğal canlılık gitmişti. Bu dinginlik, katılıkla aynı şey değil, onun yerine figürleri potansiyel bir dinamizm durumunda görünüyor.
Işığın etkileri her zaman kilit bir düşünce olmuştur ve geç döneminde bir başka geçiş daha geçirmiştir. İlk eserlerinde işlerinde bir ışık yoğunluğu hiyerarşisi oluşturmaya odaklandı, ancak bu mantık sonraki eserlerinde büyülü bir nitelik kazanıyor gibi görünüyor.
Daha sonraki çalışmalarında, güçlü spot ışığı efekti, figürden yayılan ve etraflarında oyalanan bir ışıkla değiştirilmekte. Işığın Aristotle (1653) Homer’in büstü çevresinde mantıksız bir şekilde yayıldığını görebilirsiniz. Aynı etkiyi Conspiracy of the Batavians (1661) ve Jakob’s Blessing (1656)’da da görebilirsiniz.
Rembrandt kesinlikle en ünlü Avrupa ressamlarından biridir ve eserleri en değerlilerinden biri olmaya devam etmektedir. Kişisel hayatı hakkında çok az şey bilinmesine rağmen, Rembrandt’ın biyografisini bilgilendirecek kapsamlı bilgiler var. Resimleri, inanılmaz ışık hakimiyeti, dokuları titiz ayrıntılarla işleme konusundaki eşsiz yeteneği ve figürlerine soluduğu şefkat ve hayat ile ayırt edilir.
En Ünlü 10 Rembrandt Tablosu
Ünlü Rembrandt tabloları, insan duygularının karmaşıklığını tüm nüanslarıyla birlikte olağanüstü gerçekçi tasvirleriyle beğeni toplar. Rembrandt’ın resimleri, 300’den fazla sanat eserinden oluşan bir koleksiyon oluşturuyor. Birçoğu, Rembrandt’ın imzası olan resim stiliyle takip eden sanatçıları etkiledi. Rembrandt sanatı iyi bilinir ve sizin için en ünlü tablolar konusunda bir liste bir seçki hazırladık.
Aşağıda, Rembrandt van Rijn’in en ikonik 10 tablosunun listesini bulacaksınız.
Dr. Nicolaes Tulp’un Anatomi Dersi
| Boyanma Tarihi | 1632 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 216,5 cm x 169,5 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Mauritshuis, Lahey, Hollanda |
Dr. Nicholaes Tulp’un Anatomi Dersi, Rembrandt’ın ilk başarılarından biri olarak kabul edilmekte. Rembrandt bu şaheseri çizdiğinde sadece 26 yaşındaydı ve adına sadece dört portresi vardı. Resim, Hollandalı cerrah Dr. Nicholaes Tulp’un, idam edilen bir suçlu olan Aris Kindt’in cesedi üzerinde yedi cerraha yıllık kamu anatomisi dersini verdiğini gösteriyor.
Sanat, Amsterdam Cerrahlar Birliği tarafından yönetim kurulu odaları için görevlendirildi. Bugün Mauritshuis sanat müzesinde oturuyor.
Rembrandt’ın ustaca bestelediği eseri, Dr. Tulp’u öğrencilerine koldaki kasların nasıl bağlantılı olduğunu gösterirken yakalıyor. Ayrıca Rembrandt, kendisi için popüler bir tarz haline gelen ve gelecekteki sanat eserlerinde oldukça öne çıkan karanlık ve ışığı kullanarak kontrast kullanarak sahnede dinamikler yarattı. Dr. Nicholaes Tulp’un Anatomi Dersi, Rembrandt’ın ilk önemli komisyonuydu.
Görsel olarak dramatik bir sahne betimleyerek ve cesedi resmin ortasına yerleştirerek geleneği bozdu. Parçanın kompozisyonu piramit şeklindedir ve portrenin sağ tarafına Dr. Tulp komuta etmektedir. Resmin uyumu, cesedin oranları ve konumu ile son derece iyi planlanmış, gözleri resmin ortasına yönlendiriyor.
Bu parçanın renkleri, dikkatin dağılmaması için sınırlandırılmıştır, resim, cesedin kanlı kolu dışında, yalnızca karanlık ve ışığın kontrastıyla oynar.
Bu tür resim, grup portresi, Hollanda mirasının bir parçası oldu. Köklü ve benzersiz gelenek, organizasyonların veya loncaların üyelerini onurlandırdı ve belgeledi. Rembrandt bu portre için büyük beğeni topladı. Dr. Nicholaes Tulp’un Anatomi Dersi, muhtemelen Rembrandt’ın en tanınmış tablolarından biridir. Birçok kez referans alındı, kopyalandı ve intihal edildi.
Celile Denizi’nde Fırtına (1633)
| Boyanma Tarihi | 1633 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 160 cm x 128 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | 1990’dan beri bilinmiyor |
Muhteşem tablo, Celile Denizi’nde Fırtına, Rembrandt’ın tek deniz manzarası tasviri olarak yerini koruyor. Böylece sanat dünyasında bir parça gizem olarak kalıyor. Tablo daha önce Boston, ABD’de Isabella Stewart Gardner Müzesi‘nde bulunuyordu. Ancak 1990’da tablo çalındı ve bu güne kadar hala kayıp. Celile Denizi’nde Fırtına, İsa’nın Celile Denizi’ndeki fırtınayı sakinleştirdiği İncil anlatısının bir tasviridir.
Küçük tekneyi dehşete düşüren karanlık, köpüren, vahşi dalgalara dikkat ederseniz; Flaman Barok döneminin en önemli sanatçısı Peter Paul Rubens‘in etkisinde kalacaksınız.
Resmin kompozisyonu, tekne direğinin çapraz konumundan iki üçgene bölünmüştür. Soldaki üçgende, altın ışık kara bulutu ve dalgaların kenarlarını aydınlatır ve dramatik sahneyi vurgular. Kargaşanın ortasında sağdaki üçgende, doğrudan bakana bakan mavi giyinmiş bir figür var.
Mavi renkli figür, izleyiciyle doğrudan etkileşime giren tek figürdür ve sanatçının özelliklerini kendisi paylaşır. İzleyiciyi sanatının duygusal deneyimini paylaşmaya davet etti. Rembrandt, tablolara pasif bir şekilde tanık olmak yerine, izleyiciyi çalkantılı sahneye dahil olmaya çağırdı. Rembrandt’ın Celile Denizi’ndeki Fırtına tasviri muhteşem bir şekilde ayrıntılı ve tüketicidir.
Figürlerin çeşitli ifadeleri, zengin renkleri ve cilalı fırça işçiliği, önceki stilini karakterize ediyor.
Resmin popüler kültürde sayısız özelliği var.
Belşassar’ın Ziyafeti (c. 1635 – 1638)
| Boyanma Tarihi | c. 1635 – 1638 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 167,6 cm x 209,2 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Ulusal Galeri, Londra, Birleşik Krallık |
Belşassar’ın Ziyafeti’nin kesin tarihi bilinmiyor, ancak birçok kaynak 1635 ile 1638 arasında olduğunu gösteriyor. Belşassar’ın Ziyafeti, Rembrandt’ın kendisini büyük, Barok tarih tabloları çizen bir sanatçı olarak kurma çabasını temsil ediyor. Tablo, Eski Ahit’teki Belşatsar’ın hikayesini tasvir ediyor. Rembrandt, Belşatsar’ın, babası Nebukadnezar‘ın Kudüs’teki Tapınak’tan yağmaladığı kutsal kaplarda dine küfreden şarap dağıttığı ziyafeti tasvir eder.
Bu sanat eserinin Rembrandt resim stili olağanüstü ve diğer eserleriyle kıyaslanamaz. Belshazzar’s Feast’in renk paleti oldukça zengindir, azurit, vermillion, hardal ve smalt gibi yoğun pigmentleri kapsar. Rembrandt’ın ışık ve gölgeyi ustaca kullanması, figürlerin ortaya çıkıp karanlık gölgeli alanlara geri çekildiğini gösteriyor. Rembrandt’ın sahnesi aksiyon, sürpriz ve korkunun bir tasviridir.
Her figürün kompozisyonel konumu, dramatik ifadeleri ve geri tepme pozları, izleyiciyi sahneye dahil eder.
Başlangıçta, Belşassar’ın Ziyafeti bir zafer olarak görülmedi. İngiltere’den Derby Kontu, 1736’dan kalma tabloya sahipti ve İngiltere dışında pek bilinmiyordu. 1857’de Manchester’daki Sanat Hazineleri Sergisinde sunulduğunda eleştirmenler tarafından pek iyi karşılanmadı.
Bu hayranlık eksikliği, 20. yüzyılın sonlarında Rembrandt’ın tarihi resimlerinin yeniden değerlendirilmesiyle değişti.
Ulusal Galeri, tabloyu 1964’te satın aldığında, kısa sürede çok popüler oldu. Ayrıca illüstrasyon olarak kullanıldığında albüm kapakları gibi ticari ürünlerin favorisi haline geldi. Daha sonra 2014 yılında, Belşassar’ın Ziyafeti’nin resmi Ulusal Galeri koleksiyonunda en çok lisanslanan üçüncü resim oldu.
Danae (1636)
| Boyanma Tarihi | 1636 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 185 cm x 203 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Ermitaj Müzesi, St. Petersburg, Rusya |
Danaë, Rembrandt’ın koleksiyonundaki en iyi çıplak resimlerden biri olarak kabul edilmekte. Resim, Yunan mitolojisinde bir kahraman olan Perseus’un annesi prenses Danaë‘nin bir tasviridir. Tasvir pratikte gerçek boyuttadır. Bu nedenle, Danaë’nin kendisini hamile bırakan Zeus’u altın ışık şeklinde göründüğü gibi karşıladığını gösterir. Danaë ilk olarak 1636’da boyandı, ancak Rembrandt onu 1640’larda önemli ölçüde elden geçirdi.
Eser, 1770’lerde Rusya Kralı II. Catherine tarafından satın alındı ve Saint Petersburg’daki Hermitage Müzesi’nde oturmaya devam ediyor.
Danaë yatağında çıplak yatıyor. Rembrandt, figürünü idealleştirmek yerine, sevgilisini karşılama tutkusunu yakalamaya çalıştı. Figür, Rembrandt’ın karısı Saskia’dan esinlenerek modellenmiştir. Ancak daha sonra, metresi Geertje Dricx’ten sonra figürün yüzünü değiştirmiştir. Rembrandt’ın kapsamlı yeniden çalışması sayesinde, diğer şeylerin yanı sıra figürün başının ve uzanmış bacaklarının ve kolların yerleşimini değiştirdi.
1985’te tablo tahrip edildi, iki kez bıçakla kesildi ve sülfürik asitle ıslatıldı, ancak 1997’de tamamen restore edildi.
Altın ışık soldan içeri girer ve Danaë’nin vücuduna yağan bu göksel aydınlığı yaratır. Rembrandt, resmiyle duygusallık ve yumuşaklık elde eder ve bu çalışmanın konusu Danaë olsa da, altın ışık alanı etkili bir şekilde kaplar. Ayrıca hikayenin merkezinde yer alır. Resim, Rembrandt’ın en muhteşem portrelerinden biri olarak kabul edilmekte. Rembrandt’ın koleksiyonunda çok fazla mitolojik sahne yok ama bu bir öne çıkıyor. Bu nü tasvirinin hassasiyeti ve ustaca ışık tasviri, Danaë’yi muhteşem bir sanat eseri olarak öne çıkarıyor.
Gece Devriyesi (1642)
| Boyanma Tarihi | 1642 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 363 cm x 437 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Rijksmuseum, Amsterdam, Hollanda |
Gece Devriyesi, Hollanda Altın Çağı’nın en dikkate değer tablolarından biri ve Rembrandt’ın en ünlü tablosu olarak kabul edilmekte. Rembrandt’ın resmi tam anlamıyla bir gösteri; büyüklüğü onu dört metreye yaklaştırıyor. Frans Banning Cocq ve Willem van Ruytenburch’un Atıcılık Şirketi de dahil olmak üzere, önemli ölçüde daha uzun olan birkaç resmi isim daha var. Uygun adı The Night Watch’ın takılıp resmi olmayan unvanı haline gelmesi şaşırtıcı değil.
Şaşırtıcı bir şekilde, The Night Watch, uzun süredir inanılanın aksine, aslında bir gece sahnesinin tasviri değildir. 1940’ların ortalarında, tablo temizlendiğinde, sahnenin aslında gün ışığında geçtiği ortaya çıktı. 18. yüzyılda Night Watch’ın yeri değiştirildiğinde, tablo budanmıştı.
Bu, bazı figürlerin kaybedilmesiyle kompozisyonda bir değişikliğe yol açtı, isimleri resmin orijinal başlığını oluşturan iki erkeğin yanı sıra kadın da merkezi figürler oldu.
Dramatik aydınlatma kullanımı belirgindir. Işık ve gölge arasındaki karşıtlığı belirginleştirir. Ve grup portresindeki ustaca hareket algısı, o sırada popüler olan tipik statik askeri portreden farklıdır. Grubu resmi, görkemli bir pozla sunmak yerine, kalabalık bir sahnede figür kalabalığını sunmayı ve orduyu hareket halinde yakalamayı seçti.
Rakamların büyüklüğü onları gerçek boyutta gösteriyor. 34 karakter izleyiciye doğru ilerliyor gibi görünüyor.
Resmin yoğunluğu, Rembrandt’ın ustaca ışık ve gölge kullanımından geliyor. Gerçekçi ve dinamik tasvir, resmin büyüklüğü ve figürleri, sanki alanı izleyiciyle paylaşıyormuş gibi, daha da etkili hale getiriyor. Rembrandt van Rijn, The Night Watch’ı yarattığında kariyerinin zirvesindeydi. Bu iddialı başarı başka bir başarı olduğunu kanıtladı. Bu nedenle grup portrelerinin en ünlü tablolarından biri olarak kabul edilmekte.
Banyosunda Betşeba (1654)
| Boyanma Tarihi | 1654 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 142 cm x 142 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Louvre, Paris, Fransa |
Gerçek boyutlu bir başka tuval, Rembrandt’ın İncil figürü Bathsheba’yı tasvirini sergiliyor. Resim 1654’te tamamlandı ve Eski Ahit’ten bir sahneyi tasvir ediyor. Burada Kral David Bathsheba banyosunu görüyor ve onu baştan çıkarmaya devam ediyor. Ve bu da hamile kalmasına yol açıyor. Bathsheba at Her Bath’da nü, özellikle idealize edilmemiş bir beden sunulduğunda, o zamanlar hala nispeten olağandışı olan resmin konusunun bir parçasıydı.
Ancak Rembrandt’ın gündelik hayat ile sanat arasında katı bir sınırı yoktu.
Bu özel sahne daha önce boyanmış olsa da, Rembrandt’ın versiyonu, sıkı resimsel odağı ve erotik canlılığı tasviri ile farklı bir bakış açısı getiriyor. Bu, canlı ve zengin renklendirme ve kalın fırça darbeleri kullanılarak elde edildi. Bathsheba figürü sığ, belirsiz bir boşluktadır, figürü aydınlatılırken arka planı belirsiz karanlıkta bırakır. Vücudu hassas bir şekilde gölgelendi ve güzel mücevherler ve güzel kumaşlarla süslendi.
Rembrandt van Rijn, elinde bir mektup tutarken Bathsheba’nın dalgın düşüncelerini yakalar. Kral David, onun huzuruna çıkmasını istemişti. Ve ifadesi, ilgilenmesine rağmen, Kral David’e gitmenin kocasına ihanet etmek anlamına geleceğinden endişe duyduğunu ortaya koyuyor. Renklerin krem, bakır ve altın tonlarıyla uyumu aydınlık bir ortam sağlıyor.
Işık ve gölge arasındaki yumuşak kontrast ve parçanın psikolojik karmaşıklığı, resmin son derece popüler olmasına yardımcı oldu ve baştan çıkarıcılık ve masumiyet üzerine bir çalışma haline geldi.
Rembrandt’ın tasviri, Batı resminin muazzam bir başarısı olarak tanımlanan Bathsheba’nın karşı karşıya olduğu ahlaki ikilem hakkında bir fikir veriyor. Banyosunda Betşeba, 19. ve 20. yüzyıl sanatçılarının birçok sanat eserine ilham vermeye devam etti.
Savurgan Oğul’un Dönüşü (c. 1661 – 1669)
| Boyanma Tarihi | c. 1661 – 1669 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 262 cm x 205 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Ermitaj Müzesi, St. Petersburg, Rusya |
Rembrandt’ın resimlerinin sonuncusu, Savurgan Oğul’un Dönüşü’dür. Resmin 1669’daki ölümünden kısa bir süre önce bitirildiği söylenir. Gerçek boyutlu sanat eseri, savurgan oğlun babasına geri döndüğü ve geçmiş günahlarından pişmanlık duyduğu için af dilediği İncil hikayesinin bir tasviridir. Resim, insan sempatisini ve dini ruh halini uyandırma yeteneğiyle diğer Barok sanatçılarının eserlerini geride bırakıyor.
İzleyici, bu resmin bütününe ve temsil ettiği şeye, eve dönüşün sembolüne, şefkatle aydınlanan insan deneyiminin kasvetine ve Tanrı’nın rahmetine sığınan insanoğlunun günahlı ve yorgun eylemlerine tanık olabilmekte.
Tablo akıl almaz derecede güzel. İzleyiciyle yakın bağlarını paylaşan baba ve oğul arasındaki ilişkinin hassasiyetini betimleyen sessiz ve hareketli kalitesiyle eleştirmenler tarafından beğeniliyor.
Birçoğu, babanın ifadesinin aşk, merhamet ve keder dahil olmak üzere aynı anda birden fazla duygu gösterdiğine inanıyor. Bu resimde baba figürünün yüz ifadelerindeki duygu derinliği ve karmaşıklık göze çarpmaktadır. Savurgan Oğul’un Dönüşü, Rembrandt’ın hikayenin bağışlama mesajını uyandırmak için etkileyici renklendirme ve ışıklandırma kullandığındaki muazzam yeteneğini gösteriyor.
Savurgan Oğul’un Dönüşü, Hermitage Müzesi’nin duyumlarından biri olarak kalır. Ünlü Rembrandt van Rijn tabloları arasında bu, baba ve oğul arasındaki güçlü bağı yakalama yeteneğinden dolayı en hareketli parçalarından biri olarak kabul edilir.
Eleştirmenler, bu inanılmaz sanat eserini Barok sanatta muazzam bir başarı olarak görüyorlar.
Drapers Loncası Sendikaları (1662)
| Boyanma Tarihi | 1662 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 191.5 cm x 279 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Rijksmuseum, Amsterdam, Hollanda |
Drapers Loncası Sendikaları, Rembrandt’ın son şaşırtıcı toplu portresi olarak tanımlandı. Bu grup portresi, lonca üyelerine sunulan dokumacıların kumaşlarının kalitesini değerlendiren bir hizmetçi olan arka planda şapkasız adam dışında Amsterdam Drapers Guild sendikalarını tasvir ediyor. Amsterdam Drapers Guild, tabloyu 1770’lere kadar barındıran lonca salonları için görevlendirdi. Şimdi resim Amsterdam’daki Rijksmuseum’da bulunabilmekte.
Rembrandt van Rijn, portredeki figürlerin çeşitli yüz ifadelerini yakalamak için inanılmaz ayrıntılar kullandı ve her bireye kendi kişiliğini verdi.
Portreye güçlü bir birliktelik hissi vermek için kompozisyon araçları kullandı. Rembrandt’ın hünerlerini gösteren resimde beş görevlinin her birine eşit önem verilmiş. Arka planda hizmetçileri resmin merkezine düşüyor. Ancak parçanın tamamı biçimsel ve psikolojik yollarla birlik içinde kalmayı başarıyor.
Kompozisyonun inceliği, grubu parlak bir şekilde birleştiren yatayları ustaca kullanmasıyla elde edilir.
Erkek üniformalarında keskin beyaz ve siyahtan kontrast kullanımı vardır. Ve masadaki halının altın kahverengileri ve zengin kırmızısından parlak renkler, tüm tablo boyunca uyumun yaratılmasına yardımcı oluyor. Rembrandt, grup portre resimlerinde ustaydı ve Drapers’ Guild Sendikaları da bir istisna değil. Bu türdeki en ünlü Rembrandt tablolarından biri olarak kabul edilir .
İki Daireli Otoportre (c. 1665 – 1669)
| Boyanma Tarihi | c. 1665 – 1669 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 114,3 cm x 94 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Kenwood House, Londra, Birleşik Krallık |
Rembrandt portreleri, çalışmalarının geniş bir seçimini oluşturuyor. Aslında, 40’tan fazla otoportresi vardı. İki Çemberli Otoportre, onun en iyi otoportrelerinden biri olarak kabul edilir. Ve daha sonraki çalışmaları arasında kendine ait bir yer tutar. Resim onu iş yerinde, elinde maulstick, paleti ve fırçalarını tutarken gösteriyor. Arka planda iki gizemli yarım daire var.
Yıllar geçtikçe, eleştirmenler, çemberlerin anlamı hakkında, bir dünya haritası olmaktan, çeşitli sembolik anlamlara kadar uzanan çeşitli teoriler ortaya attılar. Ancak bunların gerçek anlamı bilinmemektedir.
Resimde, boyanın hızlı fırça darbeleriyle yoğun bir şekilde uygulandığı şapka ve yüz gibi bitmemiş gibi görünen alanlar var. Tarih ve imzanın hariç tutulması ayrıca çalışmanın eksik olabileceğini gösterir. Eser tamamlanmamış olsa da, takip eden sanatçıları hala etkiledi. Rembrandt’ın hızlı fırça darbesi, canlı, aceleci ve huzursuz eli ile tekniği, 19. yüzyılda Édouard Manet tarafından kopyalandı.
Ayrıca şu içeriğimiz ilginizi çekebilir: Dünyaca Ünlü Ressamlar Eserleri ve Hikayeleri.
Rembrandt bir eli kalçasında meydan okurcasına duruyor ve işinde usta olduğu izlenimini veriyor ve dehasını ortaya koyuyor. Rembrandt van Rijn, izleyiciyle doğrudan onlara bakarak etkileşim kurar. Yüzünü gerçekçilik ve kırılganlıkla tasvir ederken, zeki zihninin aktif olarak meraklı ve anlayışlı olduğunu göstermek için yüzünü yumuşak bir şekilde gölgeledi. Rembrandt, o zamanlar akranlarından daha fazla otoportre yaptı. Onları sayıca ve muhtemelen beceri bakımından da geride bıraktı.
Dikkatini düzenli olarak kendi yüzünü çok detaylı bir şekilde incelemeye çevirecek, kariyerinin ilk yıllarından sonraki yıllarına kadar yaşlanmasını etkili bir şekilde belgeleyen gravürler, çizimler ve resimler biçimindeki karmaşık detaylı otoportrelerin mirasını geride bırakacaktı. .
Yahudi Gelini (c. 1665 – 1669)
| Boyanma Tarihi | c. 1665 – 1669 |
| Orta | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 121,5 cm x 166,5 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Rijksmuseum, Amsterdam, Hollanda |
Rembrandt’ın Yahudi Gelin’i 1665 ile 1669 yılları arasında bir yerde boyanmıştı. Resim, adını 19. yüzyılın başlarında bir Amsterdam sanat koleksiyoncusundan aldı. Resmin, evlendiği gün kızına bir kolye hediye eden yahudi bir babanın portresi olduğunu öne sürdü. Başka bir yorum, resmin Rembrandt’ın oğlu Titus ve karısı veya İncil’deki İshak ve Rebekah figürleri olduğuna atıfta bulundu. Kabul edilen anlayış, portrenin bir çift olduğudur.
Figürlerin kimliklerinin ardındaki belirsizlik ve spekülasyon, resimdeki bağlam eksikliğinden kaynaklanmaktadır. Manzara olmadığı için çiftlerin anındaki samimiyeti odakta bırakıyor.
Resmin evrensel temasını, şefkat ve sevgide. Yahudi Gelini, erdemlerini, sadakatlerini ve dindarlıklarını vurgulamak için patronları mitolojik veya İncil figürleri olarak tasvir eden portreleri tanımlayan portre tarihçiliğine bir örnektir. Bu portre yöntemi, Hollanda Altın Çağı’nın 17. yüzyılında popülerdi.
Yahudi Gelini’nde, resimdeki figürler kadar kompozisyonda boya da aynı önemi taşır. Rembrandt, boyayı kaba bir fırça işi olarak bıraktı. Figürlerin yüzleri pürüzsüz ve kremsi olsa da, giysiler için palet bıçağını kullanarak pigmentlerini katlayarak karmaşık dantellerin, gösterişli brokarların, narin kıvrımların ve ışıltılı mücevherlerin görünümünü taklit eden dokulu bir görünüm elde etti. Rembrandt, pigmentlerin farklı kuruma hızlarını takip ederek çeşitli efektler denedi.
Sevginin en istisnai ifadelerinden biri olarak kabul edilir. Rembrandt van Rijn, işindeki ham duyguyu yakaladı. Bu psikolojik olarak dışavurumcu sanat eseri, Amsterdam’ın Rijksmuseum’undaki kalıcı koleksiyonun bir parçasını oluşturur.
Özellikle sanata katkıları anıtsal olduğunda, bir sanatçının hayatındaki çalışmalarını kısa bir favoriler listesine sıkıştırmanın kolay bir yolu yoktur. Yine de, Rembrandt’ın en ünlü tablolarından oluşan seçkimizi okumaktan keyif aldığınızı umarız, bu kesinlikle ayrıntılı değildir. Ancak bugün hala ağırlığını koruyan en dikkate değer ve seçkin eserlerini seçtik. Bu makaleyi okumaktan zevk aldıysanız, web sitemizi keşfetmeye devam etmenizi öneririz. Aralarından seçim yapabileceğiniz çok fazla sanat konusu var!
Sıkça Sorulan Sorular
Rembrandt Neden Bu Kadar Çok Otoportre Yaptı?
Gravürler çoğunlukla gündelik, genellikle abartılı yüz hareketleri veya süslü elbiseye varan portreler üzerine komik çalışmalardı. Bazılarındaki giysiler bir asır ya da daha eski tarihlidir. Diğerlerinde ise kendi kendisiyle dalga geçiyor. Yağlıboya tabloları, belirsiz bir genç adamdan 1630’ların zarif ve son derece başarılı ressamına, yaşlılığının kasvetli ama inanılmaz derecede ilginç görüntülerine geçişini gösteriyor. Adamın, görünüşünün ve karakterinin, güzel yıpranmış yüzünün içinden görüldüğü gibi, olağanüstü derecede doğru bir tasvirini tasvir ediyorlar.
Rembrandt Müzesi Nerede?
Rembrandt Müzesi, Amsterdam, Hollanda’da bulunan bir sanat müzesi ve tarihsel olarak önemli bir konuttur. 1639 ve 1656 yılları arasında Rembrandt evde yaşadı ve çalıştı. 17. yüzyılın iç kısmı restore edilmiştir. Koleksiyon, Rembrandt’ın resimlerinin yanı sıra çağdaşlarının resimlerini de içeriyor. 2014 yılında müzenin 237.383 ziyaretçisi vardı.
Ev, Amsterdam’ın Jodenbreestraat semtinde, Rembrandt’ın uzun yıllar ikamet ettiği ve resim yaptığı belediye binasından çok uzakta değil. Sanatçı, mülkü 1639’da satın aldı. Ve iflasını ilan ettiği ve tüm eşyalarının satıldığı 1656 yılına kadar orada yaşadı ve çalıştı. Müzayede listesi, şu anda evde sergilenen tüm eşyalarını yeniden birleştirmeyi mümkün kıldı. Daha sonra, evinde hiçbir eşyası bulunamadı.
Rembrandt van Rijn Kimdir?
Rembrandt’ın hayatı ve sanatı, insanların, nesnelerin ve çevrelerinin derinlemesine bir psikolojik analizinin yanı sıra gerçek dini bağlılıkla beslendi. Genç yaşta olağanüstü bir sanatçıydı, portre, tarihi, dini ve mitolojik durumların yanı sıra basit, çekici ama dramatik panoramaların ustası oldu. Mesajını bir dizi materyal ve metodoloji kullanarak büyük bir hassasiyet ve dolaysızlıkla oluşturdu.
Biçime, renge ve gölgelere yaklaşımları her zaman değişiyordu ve insan varlığının en hareketli ama en doğal kısımlarında doruğa ulaşıyordu. Duygusal aralığı tasvir etmek için inanılmaz ışık ve doku kullanımı, tüm eserlerinde kendini gösteriyor ve onu sanatın en iyi ve en yaratıcı sanatçılarından biri olarak sağlam bir şekilde sağlamlaştırıyor.
Rembrandt Neden Ünlü?
Rembrandt, otoportreleri de dahil olmak üzere portreleri ve İncil ve tarihi anlatıları tasvir etmesiyle ünlüydü. Hollanda Altın Çağı boyunca 300’den fazla sanat eseri yarattı. Rembrandt van Rijn, Hollanda’nın en çok yönlü ve yetenekli sanatçılarından biri olarak kabul edilir. Avrupa tarihinin en önemli ressamlarından biri olarak kabul edilmektedir.
Rembrandt’ın En Çok Beğenilen Tablosu Hangisi?
Rembrandt’ın çok beğenilen tablosu, 1642 tarihli Gece Nöbeti’dir. Hollanda Altın Çağı’ndan çıkan en ünlü tablolardan biri olarak kabul edilir. Figürlerin büyüklüğü onları gerçek boyutta gösteriyordu. Bu cesur çalışmada Rembrandt, kalabalık bir sahnede figür kalabalığını sunmayı ve ustaca kontrast kullanımı ve hareket algısı için yeni bir çığır açan orduyu hareket halinde yakalamayı seçti.
Rembrandt’ın Sanat Tarzı Nedir?
Rembrandt sanatı, Hollanda Altın Çağı dönemine girer. 17. yüzyılda ürettiği yapıtları çok çeşitli konu ve üslupları tasvir etse de, çalışmaları büyük ölçüde Barok üslup altında kategorize edilmiştir.
