Otoportre sanatı, sanat tarihi boyunca hep var oldu ve birçok sanatçı arasında temel bir gelenek haline geldi. Sanat tarihinin en bilindik sanat akımı her zaman otoportreler olmuştur.
Bu yazımızda dünyaca ünlü tüm zamanların en ünlü otoportre resimlerini ve otoportre nedir sorusunun cevabını keşfedeceksiniz.
Otoportre Nedir?
Otoportre, sanatçının kendi resmini yapmasıdır. Kısaca otoportreler, sanatçının kişisel bir ifade aracı olarak sanatçının kendine ait olan bir çalışmasıdır. Otoportreler, resim, fotoğraf ve diğer görsel sanat dallarında yapılabilir ve sanatçının fiziksel özellikleri, duyguları ve düşüncelerini yansıtır.
| Tür | Görsel Sanat |
| Dönem | M.Ö. 1365 – Günümüz |
| Öncü Sanatçılar | Jan Van Eyck, Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Rembrandt van Rijn, Artemisia Gentileschi, Diego Velazquez, Élisabeth Vigée Le Brun, Gustave Courbet, Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Frida Kahlo, Salvador Dalí |
Ayrıca bu resimler, tarih boyunca çeşitli sanatçılar tarafından yapılmıştır ve önemli sanatçılara ait birçok ünlü otoportreler vardır. En ünlü otoportreleri merak ediyorsanız, dünyaca ünlü otoportreler listesini aşağıda bulabilirsiniz.
Dünyaca Ünlü Otoportreler
Birçok ünlü sanatçının günümüze kadar gelmiş otoportresi bulunmaktadır. Bu otoportreler, genellikle sanatçının kendi portrelerini resmettikleri tablolardır. Bu tür otoportreler, çeşitli sanatçılar tarafından yaratılmıştır ve genellikle insanların kendi kimliklerini ve benliklerini ifade etmeyi amaçlamaktadır.
Otoportreler, insanların kendi yüzlerini, bedenlerini ve özel kıyafetlerini gösterir ve insanların kendi özelliklerini yansıtmayı amaçlar. İçeriğimizde günümüze kadar gelmiş ve ünlenmiş en ünlü tabloları bulacaksınız. Aşağıda tarihin en ünlü otoportre resimleri şu şekilde sıralanabilir:
Bir Adamın Portresi: (Otoportre?) – Jan Van Eyck (1390-1441)
Kuzey Rönesans sanatının en ünlü portre resimlerinden biri olan Jan van Eyck, 1433 yılında Bir Adamın Portresi: (Otoportre?)‘ni yaratmıştır. Eserdeki adamın kimliği kesin olarak bilinmemekle birlikte Van Eyck olduğu tahmin edilebilir. Bugün, bu sanat eseri Londra Ulusal Galerisi’ne aittir.
Çerçevenin üstündeki “Als Ich Can” yazan ve “I/Eyck can” anlamına gelen yazı, van Eyck’in kimliğine dair güçlü bir kanıt gibi görünüyor. Boyanın kapladığı ayna benzeri cila, van Eyck’in ince renk pigmentleri katmanlarını kullanması bu pürüzsüz sonucu yaratmaya yardımcı olduğundan, tipik bir resim markasıdır.
Bu resim türü sayesinde van Eyck’in portresi, sol gözdeki kılcal damarlar bile net bir şekilde görülebildiği için inanılmaz derecede gerçeğe yakın bir kalite kazanıyor. Van Eyck’in kendini bir başkasının portresine dahil ettiği ünlü otoportrelerinden bir diğeri de 1434’te yaptığı Arnolfini’nin Evlenmesi’dir. Bu ikili portre, aynalar nedeniyle Batı sanat tarihinin en karmaşık portrelerinden biri olmaya devam ediyor.
Ayrıca resmin ortasındaki aynaya dikkatlice bakarsanız, hem konuyu hem de onları boyamakla meşgul olan van Eyck olduğuna inanılan bir kişiyi görebilirsiniz. Aynanın üzerinde, “Jan van Eyck buradaydı” anlamına gelen Latin imzası, van Eyck’in eserde de yer aldığı fikrini desteklemeye yardımcı oluyor.
Kırmızı Tebeşir Otoportresi – Leonardo da Vinci (1452-1519)
Bir sanatçı otoportresinin en eski tasvirlerinden biri, Leonardo da Vinci‘den başkasına ait değildir. Ancak bu portreyi bu kadar ilginç kılan şey, görselde tasvir edilen adamın da Vinci’nin kendisi olduğuna dair bir kesinliğin olmaması.
Yaklaşık 1510 yılına dayanan Kırmızı Tebeşir Otoportresi’nin, sanatçının bulunan ender otoportrelerinden biri olduğu tahmin ediliyor, ancak bu inanç her zaman evrensel olarak kabul görmemektedir. Bu ikonik parça İtalya’daki Torino Kraliyet Kütüphanesi’nde sergilenmektedir.
Da Vinci’nin otoportresi, boyanmak yerine kağıda kırmızı tebeşirle çizildiği için benzersiz olmaya devam ediyor. Bu portre Da Vinci’nin “Rönesans Adamı” olarak ikonik bir temsili olarak var olduğu için, bu portrenin çağlar boyunca sayısız reprodüksiyonu yapılmıştır.
Leonardo da Vinci’nin, otoportreyi yaklaşık 60 yaşında tamamlandığına inanılıyor.
Çizimin stili ve kalitesi diğer çalışmalarıyla tutarlı kaldığından, bu sanat eserinin da Vinci’nin gerçek bir otoportresi olduğu iddia edildi. Buna rağmen, çeşitli tarihçiler portredeki adamın kimliği konusunda fikir ayrılığına düştüler, bu da gerçeği asla bilemeyeceğimiz anlamına geliyor.
Otoportre – Albrecht Dürer (1471-1528)
Alman Rönesans sanatçısı Albrecht Dürer henüz 13 yaşında ilk otoportresini çizdi. Dürer yaşlandıkça ve sanatsal yetenekleri geliştikçe birkaç resim daha çizdi ve her bir çalışması artan özgüvenini gösterdi. Tüm resimleri arasında, Mesih benzeri Otoportresi, onun en samimi ve karmaşık otoportresi olarak kabul edilir. Bugün, bu resim Alte Pinakothek koleksiyonunun bir parçasıdır.
Bu resimde oluşturulan kompozisyon inanılmaz derecede simetriktir ve hemen dikkati, duraksamadan izleyiciye bakan Durer’in gözlerine çeker. Baş harfleri ve başının her iki yanında göz hizasına boyanmış Latince yazı, eserde var olan simetri ve dengeyi güçlendirmeye yardımcı olur.
Bu Otoportre, Dürer‘in şimdiye kadar yaptığı üç otoportrenin sonuncusu ve en ikoniğiydi. Kendisi ile kutsal kurtarıcı arasında kurduğu çarpıcı paralellik, o dönemde de seyirciyi büyüleyen ve bugün de etkilemeye devam eden tablodaki en dikkat çekici unsurdur.
Bereli ve Kıvrılmış Yakalı Otoportre – Rembrandt van Rijn (1606-1669)
1620’lerin sonlarından itibaren Rembrandt van Rijn, kariyerinin büyük bölümünü kapsayan yaklaşık 100 resmini yarattı. Bu otoportrelerde van Rijn, bir sanatçı olarak ilk günlerinden öldüğü yıla kadar kendini resmetti. Ayrıca Rembrandt’ın portreleri yaklaşık 40 otoportre, 30 gravür ve birkaç çizimden oluşuyor.
1660 yılında yaptığı Bereli ve Kıvrılmış Yakalı Otoportre adlı eseri, alamet-i farikası olan kasvetli renk paletini ve zarif fırça darbelerini sergilediği için, bir sanatçı olarak tarzının en doğru tasviri olarak görülüyor. Ek olarak, van Rijn otoportrelerinin çoğunda aynı basit arka planı kullanma eğilimindeydi ve resimde gösterildiği gibi her zaman gövdeden yukarısı resmedildi.
Çok sayıda bilinen otoportre nedeniyle, çalışmaları tipik olarak bir sanatçı olarak geçirdiği çeşitli değişiklikleri ve artan yaşını gösteriyordu. 1620’lerin sonlarına doğru yaptığı çalışmalarda van Rijn, porselen teni ve yüzünü kapatmaya meyilli kıvırcık saçlarıyla tanınmaktadır.
Van Rijn’in otoportreleri, bir sanatçı olarak kaydettiği büyük ilerlemeyi, belgeleyebildiği söylenebilir. Aralarından seçim yapabileceği pek çok eseri olmasına rağmen, bu tarz, onun kendini temsil etme yeteneğini ve bu tür için sergilediği yeteneği mükemmel bir şekilde yakalamıştır. Bu yağlı boya tablo artık Metropolitan Sanat Müzesi’nde bulunan kalıcı bir koleksiyonun parçasıdır.
Resmin Alegorisi Olarak Otoportresi – Artemisia Gentileschi (1593-1653)
Floransa Tasarım Akademisi’ne kabul edilen ilk kadınlardan biri olan Artemisia Gentileschi, 17. yüzyılda sanat alanında kadınlar için önemli bir figür olarak varlığını sürdürdü. Bu süre zarfında, kadın ressamların resimleri neredeyse yoktu, bu da Gentileschi’nin Resmin Alegorisi Olarak Otoportresini (1638-1639) çok önemli kılıyordu.
Resim Alegorisi, Gentileschi’nin kendisi tasvir ediyor, çünkü o esasen resmin kadın kişileştirmesiydi ve kendini güçlendirilmiş bir kadın olarak tasvir ediyor. Bununla birlikte, sanat tarihinin bu döneminde, sanat dünyasına hala erkeklerin hakim olduğu için, bir resimde görülebilen feminizmin alt tonları inanılmaz derecede cesur bir hareketti.
Nedimeler – Diego Velazquez (1599-1660)
Batı sanat tarihinde en çok analiz edilen otoportre resimlerinden birini yapmış olan Diego Velazquez‘in ikonik otoportresinin sadece kendisini öne çıkarmadığını belirtmek ilginçtir. 1656’da yapılan ve Las Meninas (“Nedimeler”) adını taşıyan bu tablo, bakılması gereken pek çok detay içeriyor.
Madrid’in kraliyet sarayının bir tasviri olarak var olan beş yaşındaki Margarita Theresa’nın, Velazquez’in resmetmekle meşgul olduğu portre olduğu için resmin odak noktası olduğu söyleniyor. Nedimeler, izleyici ve figürler arasında belirsiz bir ilişki yaratılırken, gerçeklik ve yanılsama hakkında sorular soruyor.
Velazquez bu eserde kendisini sol köşeye dahil etti. Paletini ve fırçalarını tutarken şövalesinin önünde dururken onu görebilirsiniz. Geleneksel olarak bu tarz tablo yapanlara karşı çıkan bu portre, bunun yerine kendilerini beklenmedik kompozisyonlara dahil etmeyi seçen sanatçıların iyi bilinen bir örneğidir.
Bunu yaparken Velazquez, diğer konunun kaosu içinde ve arasında ustaca bir otoportre yaratıyor. Günümüzde Nedimeler, Museo Nacional del Prado’nun kalıcı koleksiyonunun bir parçasıdır.
Self-Portrait in a Straw Hat – Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842)
Devrim sırasında Fransa’nın en şık ressamı olduğu düşünülen Louse Elisabeth Vigee Le Brun, konusunu olumlu ve zarif bir tarzda tasvir etmesiyle tanınan önde gelen bir otoportreciydi. Le Brun, zamanının en moda portre ressamlarından biri olarak kabul edildi ve Marie Antionette’in favori sanatçısıydı.
Elisabeth Vigee Le Brun için ilk otoportresinin 1782 civarında yapıldığı söyleniyor ve bu eser Self-portrait in a Straw Hat adını taşıyordu. Bu sanat eseri, Le Brun’un kullanılan renkler, kumaşlar ve ten tonları ile örneklendiği gibi, Rokoko hareketinden daha basit, daha doğal bir görünüme geçişini göstermektedir.
Tabloda Le Brun açık havada duruyor, izleyicilere bakıyor ve onlarla etkileşim kuruyor ve elinde boyama araçlarını tutuyor. Tasvir edilen güneş ışığı boynunu ve göğsünü aydınlatmaya yardımcı olurken, hasır şapkası yüzüne hafif bir gölge düşürüyor.
Saçı ve kıyafeti basit görünse de, Le Brun’un kıyafeti 18. yüzyılın sonlarındaki Fransız yüksek modasıyla uyumluydu. Ayrıca yüzünün sadeliğiyle yan yana duran kıyafetleri, Hasır Şapkalı Otoportre’nin o dönemde var olan çeşitli sosyal imalara hitap ettiğini gösteriyor.
Çaresiz Adam – Gustave Courbet (1819-1877)
Gustave Courbet, tüm sanat eserleri arasında en çok 1845 tarihli Le Désespéré (“Çaresiz Adam”) adlı otoportresiyle tanınır. Ayrıca bu sanat eseri, tüm zamanların en ünlü otoportrelerinden biri olarak da görülüyor. Sürrealizm hareketinin öncüsü olan Courbet, ikonik otoportresinde hem Romantizm hem de Gerçekçilik öğelerini birleştirdi. Bugün, bu sanat eseri özel bir koleksiyonun parçasıdır.
Courbet, otoportresinde kendisini sefalet içindeki genç bir adam olarak tasvir ediyor. Tablodaki odak noktası, kendilerini izleyiciye kaptırmış gibi görünen genişlemiş gözleridir. Vahşi gözleri, dağınık saçlarını kavrayan elleri ve dalgalanan beyaz gömleği ve önlüğü ile Courbet, tanınmak için çaresiz olan tipik bir Romantik sanatçı gibi görünüyor.
Hâlâ itibarını kazanma sürecinde olan genç bir adamı betimleyen bu sanat eserinde görülen endişeyle, kendi tasviri, işkence görmüş bir dahinin tasvirini üstleniyor. Bu nedenle, otoportresindeki duygular, o dönemde yaşadığı deneyimin gerçek bir tasviri olarak görülebilir.
Le Désespéré’de sergilenen katı gerçekçilik, Courbet’nin gelişmekte olan hayatın ve tüm sınıfları yansıtmaya çalışan yeni sanatın bir destekçisi olmasına yardımcı oldu. Gösterilen gerçekçiliğe ek olarak, bu otoportreyi bu kadar ilginç kılan bir diğer unsur da manzara yönelimi kullanılarak boyanmış olmasıdır. O zamanlar portreler geleneksel olarak dikeydi ve Gustave Courbet’in eserleri geleneklere aykırıydı.
Bereli Otoportre – Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet‘in birkaç otoportresinden biri olan Bereli Otoportre, sanatçının en ünlü portre resimlerinden biri olarak varlığını sürdürmektedir. 1886’da Monet 46 yaşındayken yaptığı otoportresi, onun karakteristik puslu fırça darbelerini, boyasız tuval kullanımını ve aydınlık ile karanlığın mükemmel temsilini gösteriyor. Bu yağlı boya tablo bugün özel bir koleksiyonun parçasıdır.
Otoportrede, Claude Monet kendisini beyaz bir gömlek üzerine gri bir ceket ve siyah bir bere ile mavi bir arka planda dururken tasvir ediyor. Paltosu ve sakalı, bulanık fırça darbelerinin mükemmel bir gösterimi olarak mevcut olan dokularını tasvir etmek için diğer renkler ve daha küçük darbelerle boyanmıştır.
Yüzü merkezden biraz uzağa açılı olduğundan ve yüzünün sol tarafına ışık düştüğü için bakışları izleyicinin gözüyle tam olarak buluşmuyor. Bu, Monet’in ışığın nereye düşeceğini daha koyu gölgelerle kontrast oluşturmak için dikkatli bir şekilde betimlediğinden, aydınlık ve karanlığı yorumlamasını gösterir.
Otoportre – Paul Cezanne (1839-1906)
Paul Cézanne daha çok natürmortları ve manzaraları ile tanınırken, sanat hayatında sıklıkla portrelerde çizdi. Kendine özgü tekrarlayan ve deneysel fırça darbelerinin yanı sıra, yaygın olarak bilinen otoportresinde görülebilen alışılmadık renk paletiyle tanınır. Bu sanat eseri 1878’den 1880’e kadar boyanmıştır ve Washington, DC’deki Phillips Koleksiyonunda görülebilir.
Cézanne’ın fırça darbeleri son derece karakteristik olarak görülüyor ve sanat eserlerinde hemen tanımlanabiliyor. Tipik olarak, yaratmaya çalıştığı çeşitli karmaşık alanları oluşturmaya yardımcı olmak için oluşturulmuş küçük fırça darbeleri kullanma eğilimindeydi.
Halo ve Yılanlı Otoportre – Paul Gauguin (1848-1903)
40’tan fazla otoportre yaratan Paul Gauguin‘in Halo ve Yılanlı Otoportresi, onun en tanınmış avangart sanat eseri olmaya devam ediyor. 1889’da boyanmış olan bu sanat eseri, Gauguin’in tipik canlı renk paletini ve ayrıca sanat eserinin absürd doğasına eklenen ince dini temaları gösteriyor. Günümüzde, Halo ve Yılanlı Otoportresi Washington, DC’deki Ulusal Sanat Galerisi’nde bulunuyor.
Gauguin, yanında elmalar asılı ve başının üzerinde bir hale bulunan kırmızı bir arka planın önünde bir yılan tutarken tasvir edilmiştir. Resmin ön planındaki bitkiler veya çiçekler gibi görünen şeyler tarafından kısmen engelleniyor ve yapılandırılmamış kırmızı ve sarı bölgeler arasında yüzüyormuş gibi görünen kafası, eliyle bağlantısı kesilmiş görünüyor.
Tasvir edilen yüz hatları, eseri görüntülerken belirsizlik hissini artıran Gauguin’in kaba bir karikatürüne benzetildi. Gauguin‘in hem İsa’yı hem de Şeytan’ı temsil edebileceği tahmin edildiğinden, bu sanat eserinde ima edilen dini imgeler belirsizliğini koruyor.
Hem elmaların hem de yılanların dahil edilmesi, İncil’deki Adem ve Havva hikayesine atıfta bulunur, ancak Gauguin’in kendisinden Mesih olarak bahsetmediği tahmin edilmektedir. Aksine, sahip olduğu yeteneğin farkına vardığı ve meslektaşlarına meydan okumanın bir yolu olarak bu eseri yarattığı söylenebilir.
Kulağı Bandajlı Otoportre – Vincent van Gogh (1853-1890)
19. yüzyılın en ünlü otoportre sanatçılarından biri olarak bilinen Vincent Van Gogh, dört yılda yaklaşık 30 otoportreden oluşan etkileyici bir koleksiyon oluşturdu. Pek çok ünlü otoportresine rağmen, en ikonik eseri 1889’da yaptığı Kulağı Bandajlı Otoportre’dir.
Kulağı Bandajlı Otoportre tablosunu yaptıktan sonra, Van Gogh yarasını tasvir eden yalnızca iki eser daha yaptı ve 1889’dan sonra yeni otoportreleri yapmayı tamamen bıraktı. Daha iyi bilinen otoportrelerinden önce, Van Gogh çoğunlukla manzaralar ve iç mekanlar çizdi.
1886’ya doğru, otoportre sanatçılarının çalışmalarına daha fazla eğilmeye başladı ve becerilerini bu tür içinde geliştirme arzusunu dile getirdi. Bununla birlikte, van Gogh o zamanlar mücadele eden bir sanatçıydı, bu yüzden onun yerine oturması için model tutmayı göze alamazdı.
Otoportre – Pablo Picasso (1881-1973)
Pablo Picasso’nun çok sayıdaki otoportresi karşılaştırıldığında, sürekli değişen tarzı en iyi bu sanat eserlerinde görülebilir. 1907’de yaptığı Otoportresi, Primitivizm’den Kübizm’e sanatsal geçişini ünlü bir şekilde gösterdi; bu, onun en tanınmış çalışma dönemi olarak var oldu. Bu portrede, Picasso’nun yüz hatları köşeli ve geometrik bir görünüm kazanır ve bu, daha sonraki çalışmalarını da etkiler. Otoportre şu anda Prag’daki Narodni Galerisi’nde sergilenmektedir.
Picasso, özellikle otoportrelerinde olmak üzere tüm sanat eserlerinde görülebilen büyük deneyleri ve yeniden icatlarıyla tanınır. 15 yaşındayken portresi daha romantik bir tarza büründü ve 90 yaşına geldiğinde daha parçalı bir tarza dönüştü. 1901’de, Mavi Dönemi’nin başlangıcında, Picasso’nun yaratıcılığı, tarzı değiştikçe gerçekten gelişti.
Bununla birlikte, 1972’de mum boya ve kurşun kalemle çizilmiş birkaç resmi dışında, 1907’den sonra çok az otoportresi var. 1972’deki tüm bu çizimler arasında, Self-Portrait Facing Death en ikonik olanıdır. Picasso, ölümlülüğüyle yüzleştiği söylenen iri gözleri ile kendini bitkin ve açıkta tasvir ediyor. Ölümüne bir yıldan az bir süre kala tamamlanan bu otoportre, hem korkak hem de cesur bir adamı tasvir ediyor.
Diken Kolye ve Sinek Kuşu ile Otoportre – Frida Kahlo (1907-1954)
Belki de en tanınmış kadın otoportre sanatçılarından biri Frida Kahlo‘dur. Kahlo’nun belirgin siyah tek kaşı, hafif bıyığı ve parlak dudakları ve yanakları gibi imza yüz özellikleri, tüm otoportrelerinde tasvir edilmiş ve yüzünü etkin bir şekilde kültürel farkındalık için bir sembole dönüştürmüştür. Ayrıca Frida kariyeri boyunca 50’den fazla otoportre yarattı.
Kahlo sık sık kendi ülkesine özgü olan ve Meksika’nın yerli kültürlerinin bir savunucusu olarak var olan hayvanlar ve tropik bitkiler arasında resim yaptı. Ve tüm otoportrelerinde kendini cesur ama mutsuz bir sanatçı olarak sundu.
Sanatçının en değerli eseri 1940 yılında yaptığı, Diken Kolye ve Sinek Kuşu ile Otoportre olarak kabul edilmektedir. Bu yağlı boya tablosunda Kahlo, acı çekme kavramının tasviriyle karışmış vahşi yaşam ve bitki örtüsü resimlerini içeriyor. Bu çalışma Texas Üniversitesi’nde, Nickolas Muray Koleksiyonunun bir parçasıdır.
Ayrıca Meksikalı sanatçı, 18 yaşındayken neredeyse ölümcül bir otobüs kazası sonucu yaşadığı kronik acıyı anlatmak için otoportrelerinde sık sık acı ve ıstırap kavramlarını tasvir etti.
Kızarmış Jambonlu Yumuşak Öz-Portre – Salvador Dalí (1904-1989)
Otoportre söz konusu olduğunda, Sürrealist sanatçı Salvador Dalí, eserlerinde kendini tasvir ederken eksantrik bir yaklaşım benimsemiştir. Belki de daha az geleneksel portrelerinden biri olan, 1941’de yaptığı Kızarmış Jambonlu Yumuşak Öz-Portre, sanatçının bir karikatürünü sergiliyor.
Bu parçadaki yüz, bir kaide üzerine oturan bir büstle temsil ediliyor ve bir kupa fikrini somutlaştırıyor gibi görünüyor. Taban, maskenin yanında yatan tek parça kızarmış domuz pastırması ile işin başlığını taşıyor. Ayrıca Dalí’nin otoportresi Katalonya’daki Dalí Tiyatrosu ve Müzesi‘nde sergileniyor.
İlk bakışta, bir insan yüzünün bu organik ve muğlak temsili, herhangi bir gerçeküstü sanatçıyı kolayca anımsatabilir. Bununla birlikte, daha yakından incelediğinizde, Dalí’nin ikonik kalkık bıyığını fark edeceksiniz ve bu, bu yapısal olmayan şeklin gerçekten de sanatçının otoportresi gibi göründüğünü doğrulamaktadır. Maske benzeri yüzün bazı bölümleri koltuk değnekleriyle desteklenmiştir ve Dalí, görünüşte eriyen ve kaideden aşağı kayan maske ile çalışmasında ustalıkla likidite yanılsaması yaratmayı başarır.
