Empresyonizm 19. yüzyılın en önemli dönemlerinden biridir. İzlenimcilik, resmin tarzında, tekniğinde ve özünde bir devrim gördü. Claude Monet, Mary Cassatt ve Edgar Degas gibi Empresyonist ressamlar, geleneksel resim tekniklerini bir kenara bırakarak çevrelerindeki dünyanın hamlığını yakalamaya çalıştılar.
Empresyonist akım, gevşek fırça çalışmasına, geçiş renklerinin eksikliğine ve bir süreksizlik hissine sahiptir. Öncelikle empresyonizm’in diğer adı izlenimciliktir, ilk olarak bunu öğrenerek başlamalıyız. Bu yazıda, empresyonist hareketin ayrılmaz bir parçası olan stile, sanatçılara ve kavramlara derinlemesine bir dalış yapıyoruz.
Empresyonizm Nedir?
| Başlangıç Yılı | 1860 |
| Diğer İsmi | İzlenimcilik |
| Başlangıç Ülkesi | Fransa |
| Kurucu ve Öncüleri | Paul Cézanne (1839-1906), Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903) |
| Tür | Sanat Akımı |
Empresyonizm yaklaşık 1860 yılından, 19.yüzyılın sonlarına kadar Fransa’da geliştirilen ve diğer adıyla izlenimcilik olarak bilinen bir sanat akımıdır. Empresyonist sanat akımı stilin karakterizasyonları, çıplak bir form izlenimi veren küçük, görünür fırça darbelerini, harmanlanmamış renkleri ve doğal ışığın doğru tasvirine yapılan vurguyu içerir.
Bu süre zarfında, Empresyonizm birkaç kez şekillendi ve farklı dönemler, çok farklı teknikler, konular ve tarzlarla ilişkilendirildi. Empresyonizm belki de tüm modern resimdeki en önemli akımdır.
1860’larda bir noktada, bir grup genç sanatçı gördüklerini, düşündüklerini ve hissettiklerini çok basit bir şekilde resmetmeye karar verdiler. Tarih, mitoloji veya büyük adamların hayatlarını resmetmekle ilgilenmiyorlardı ve mükemmelliği görsel görünümde aramıyorlardı.
Bunun yerine, adlarından da anlaşılacağı gibi, İzlenimciler, zamanın belirli bir anında bir manzaranın, nesnenin veya kişinin kendilerine nasıl göründüğüne dair bir izlenimlerini tuval üzerine aktarmaya çalıştılar. Makalenin bu bölümünde, 18. yüzyılın sonlarında gelişen Empresyonist hareketi keşfedeceğiz.
Devrimci Bir Hareket: Empresyonizm
Empresyonist hareket özünde devrimci bir sanat hareketiydi. İzlenimci sanatçılar, başta Romantizm olmak üzere diğer resim stillerinin birçok gelenek ve tekniğini reddetmiştir.
Gerçekçilikte Kökler
19. yüzyılın ortalarında Paris düzenine meydan okuyan ilk sanat akımı Realizm’di. Gustave Courbet, Realizm’in öncüsüydü ve resmi kurumların sanatının gerçeğe kör olduğuna inanıyordu. O zamanlar, baskıcı bir rejim Fransızları sıkıca sardı ve halkın büyük bir kısmını şiddetli bir yoksulluğa zorladı. Yaygın yoksulluğa rağmen, zamanın sanatı mitolojik ve klasik anlatılara, doğal dünyanın abartılı tasvirlerine ve idealize edilmiş çıplak figürlere odaklandı.
1855’te Courbet, çalışmalarının bir sergisini finanse etti ve düzenledi. Çalışmaları konsept olarak resmi geleneklerin karşısında yer almakla kalmadı, aynı zamanda Courbet sergiyi Paris Evrensel Fuarı’nın tam karşısında düzenledi. İzlenimcilik, Realizm’in yaşanmış gerçeklikten uzaklaştırılmış mükemmel şekilde hazırlanmış konuları reddetmesinden ilham aldı. Empresyonist konular, resmi tabloların yüceltilmiş tarihsel kahramanlarından çok uzaktır.
Doğal İlham
Natüralizm hareketi yaklaşık olarak aynı zamanlarda ortaya çıktı ve Realizm ile yakın ilişkileri vardı. İkisi birçok benzerliği paylaşsa ve genellikle karıştırılsa da, belirgin farklılıklar vardır. Gerçekçilik, dünyayı olduğu gibi, fırfırlar veya fanteziler olmadan sunmaya çalışırken, Natüralizm bir konu olarak doğal dünyayı merkeze aldı. Natüralizm, geleneksel sanatın mitolojik kahramanlığını ve tarihsel bağlamsallaştırmasını reddetti.
Açık hava ressamlığı yapmak genellikle öncelikle İzlenimcilik ile ilişkilendirilirken, Natüralizm hareketinin merkezi bir özelliğiydi. 1820’lerin başlarında, Jean-Francois Millet ve Jean-Baptiste Camille Corot gibi Natüralist sanatçılar, Barbizon ormanında açık havada kırların, ağaçların ve kırsal kesim insanlarının eskizlerini yapıyorlardı. Barbizon Okulu bu sıralarda ortaya çıktı ve bu, doğal dünyayı tüm değişmeyen görkemiyle resmetmeye yönelik artan bir uluslararası hayranlığa işaret ediyordu.
Doğal dünyayı tam biçiminde yakalama arzusu, Empresyonist hareketin temel bir parçasıdır. Bununla birlikte, Natüralizm’den farklı olarak, İzlenimci ressamlar dünyayı hiper gerçekçi ayrıntılarla yakalamaya çalışmazlar. Bunun yerine Empresyonistler, doğal dünyanın bir “izlenimini” yakalamak isterler. Bu izlenim, sanatçının öznelliğini de içerir.
Paris’te Erken Empresyonist Sergiler
Empresyonizm sanat hareketinin devrimci doğası 1863’te hız kazanmaya başladı. Yıllık resmi sanat salonu, Fransız sanat dünyasının zirvesiydi. Paul Cezanne, Édouard Manet ve Camille Pissarro gibi empresyonist sanatçıların eserlerini bu salonda sergilemelerine izin verilmedi. Dışlanmalarının bir sonucu olarak, bu sanatçılar eserlerini sergileyebilecekleri “Reddedilenler Salonu”nu yarattılar. Napolyon, sanatçıları yatıştırmak için salonu onayladı, ancak sergi kamuoyunda büyük tartışmalara neden oldu.
Bu sergideki en tartışmalı tablolardan biri de Manet’nin aynı yıl yaptığı Le Dejeuner sur l’Herbe tablosuydu. Bu resimde piknik keyfi yapan giyinik erkekler ve çıplak kadınlar yer alıyordu. Belki de bunlar geleneksel olarak idealize edilmiş çıplak kadın figürleri olsaydı, bu tablo bu kadar tartışmaya neden olmazdı. Bununla birlikte, bunlar modern kadınlardı ve çıplaklık durumları, geleneğin izin verdiğinden çok daha fazla müstehcen faaliyetler öneriyordu.
Fransız Kafeleri: Empresyonizm ve Çeşitlilik
Empresyonist sanat akımı, resmi geleneklere kıyasla konu ve sanatçı açısından inanılmaz derecede çeşitliydi. Fransız kafeleri, Empresyonist ressamlar arasında popüler mekanlar oldukları için bu Empresyonist çeşitliliğin gelişmesinde önemli bir rol oynadılar. Claude Monet, Alfred Sisley, Pierre-Aguste Renoir, Camille Pissarro ve Paul Cezanne gibi sanatçılar, Montmartre’deki Café Guerbois’yı sık sık ziyaret ederdi. Bu sanatçılar, fotoğrafçılar, eleştirmenler ve yazarlar dahil olmak üzere benzer düşünen diğer yaratıcı kişilerle buluşacaktı.
Bu grup içinde kişilikler, siyasi görüşler ve mali durumlar açısından çeşitlilik vardı. Berthe Morisot, Degas ve Gustave Caillebotte üst sınıf ailelerden gelirken, Renoir, Monet ve Pissarro tüccar ailelerden geliyordu. Alfred Sisley İngiliz-Fransızken, Mary Cassatt hem kadın hem de Amerikalıydı.
Birçoğu, bu yaratıcı gruptaki katıksız çeşitliliğin, kolektif girişimlerinden ortaya çıkan muazzam yaratıcılığı harekete geçirdiğine inanıyor. İzlenimci hareket içinde bile stil ve teknik uygulamalardaki çeşitliliği görebiliriz.
Anonim Sanatçılar, Ressamlar, Heykeltıraşlar, Oymacılar ve Daha Fazlası Derneği
1874’ten önce, “Empresyonist” terimi bu yaratıcı koleksiyonu tanımlamıyordu. Sanat kolektifinin birleştirici bir tarzı yoktu, ancak hepsi, güzel sanatlar geleneklerinin aşırı akademik ve katı geleneklerine karşı hoşnutsuzluk duyuyordu. 1860’larda bu kolektif, yaratıcı bağımsızlık ve finansal güvenlik sağlamak için ticari bir kooperatif kurmaya karar verdi. Bu sanatçıların çoğu sınırlı mali başarı elde etti ve Paris salon sergileri eserlerini kabul etmedi
Kolektif, ilk seri sergilerini fotoğrafçı Feliz Nadar’ın stüdyosunda düzenledi, ancak 1877’deki üçüncü sergilerine kadar kendilerine Empresyonist demeye başlamadılar. İlk birkaç gösteri Daha sonraki sergileri daha geniş izleyici kitlelerinin ilgisini çekse de, sanatçıların çoğu hâlâ pek çok eser satmayı başaramadı ve bazıları çok fakir kaldı.
Empresyonist Hareket
Yaratıcı kolektifin 1874 sergisine yönelik düşmanca bir incelemede Louis Leroy, grubu yalnızca şeylerin “izlenimlerini” resmetmekle suçladı. Leroy, İzlenimcilik terimini Monet’nin 1873 tarihli İzlenim, Gün Doğumu tablosundan almıştır. Empresyonistler, bu lakabı aldıkları düşmanlığa rağmen, onu benimsemeye başladılar. Daha sonraki yıllarda İzlenimciler, Societe des Artistes Independants’ın asi fikirlerinden kaynaklanan bir isim olarak kendilerine “Bağımsızlar” adını verdiler.
Birkaç İzlenimci ressam, kendilerini sanat akademisinin geleneklerinden uzaklaştırmaya çalışırken 1884’te bu topluluğu kurdu. Empresyonist unvanı altında çalışan sanatçıların çok çeşitli stilleri ve teknikleri vardı. Bununla birlikte, geçici optik izlenimlere dayalı olarak modern dünyanın geçici anlarına odaklanarak görsel algıyı temsil etme konusunda ortak bir ilgiyi paylaştılar.
Fotoğrafçılık ve İzlenimciler
Fotoğrafik gelişme, İzlenimci felsefenin çoğunun arkasındaki temel itici güçtü. Objektif sayesinde fotoğrafçılar, iki boyutlu bir yüzey üzerinde gerçekliğin doğrudan bir izini yaratarak zamanda tek, uçup giden bir anı yakalayabilirler. Fotoğraf, İzlenimciliği iki farklı şekilde etkiledi.
İlk olarak, herhangi bir anı yakalama yeteneği, görsel rekreasyona layık olmanın ne anlama geldiğine dair anlayışı değiştirdi. Geleneksel Fransız resmi, tarihsel olarak değer verilen, mitolojik konular ve liderlerin ve kahramanların yüceltilmiş portreleri etrafında toplanmıştır. Fotoğraf, her türlü yeni ve daha önce gözden kaçan sahnelerin, manzaraların ve insanların resimsel olarak korunmasını kolaylaştırdı.
Pek çok İzlenimci ressam, gerçekliğin gözden kaçan kısımlarını temsil etme konusunda bu yeni bulunan yetenekten ilham aldı. Sanatçılar, gelişen kentsel dünyanın canlılığını ve aynı zamanda bu dünyanın en sıradan yönlerinin bile kaydedilmeye değer olduğuna dair yeni bir duyguyu yansıtan hareketli ara sokaklar, meydanlar ve kafe sahneleri çizdiler.
İzlenimciliğin fotoğrafa borçlu olmasının ikinci nedeni ise spontane kompozisyon kavramından kaynaklanmaktadır. Ayrıca fotoğraf, zamanda bir anı ve uzayda bir konumu aynı anda yakalayabilir. Empresyonizm ressamları, resimlerinde aynı duyguyu yakalamaya çalıştılar.
Fantastik bir örnek, Degas’ın Paris’teki bir halk meydanını yakalayan bir tablosu olan Place de la Concorde’dur. Bu tablo sadece bu meydanın değil, Degas’nın tam da tanık olduğu anda içinde hareket eden tüm insan ve hayvanların resmidir. Bedenler gelişigüzel hareket edecek şekilde düzenlenmiştir ve uzayda bir anı yakalama konusundaki bu kesin yetenek ancak fotoğrafçılığı anlamak ve takdir etmekten gelebilir.
Empresyonizm Akımı Temel Teknikleri
Empresyonist sanat akımı ve bazı önemli sanatçıların tarihsel gelişimine dalmadan önce, empresyonist dönem resimlerinin bazı tanımlayıcı özelliklerine bakmalıyız. Empresyonizm nedir ve stil, kendisinden önce gelenlerden nasıl farklıydı?
Empresyonist resim stilleri, Romantik ve Gerçekçilik dönemlerinin geleneksel fırça işleri ve kompozisyon teknikleriyle doğrudan tezat oluşturuyordu. İzlenimcilik tanımını elde etmek için, fırça çalışması ve renk, perspektif ve kompozisyon ve bilimsel ve teknolojik gelişmelerin etkisi dahil olmak üzere dikkate almamız gereken birkaç temel teknik vardır.
Fırça Çalışmasını Gevşetmek
Empresyonist sanat akımının en dikkat çekici özelliklerinden biri de fırça işçiliğidir. Romantik ve Gerçekçi resimlerdeki pürüzsüz ve zar zor görünen fırça darbelerinin aksine, İzlenimciler daha gevşek ve daha cesur fırça darbeleri kullandılar. Empresyonist ressamlar daha kısa fırça darbeleri kullandılar ve çok farklı renkteki darbeleri yan yana yerleştirdiler. Eşzamanlı kontrast kavramından yararlanılarak, renklerin daha canlı görünmesi için renkler tuval üzerinde mümkün olduğunca az karıştırıldı. Beyaz bir tuval üzerine resim yapmak, Empresyonizm sanatçılarının rengin canlılığını vurgulayabilmelerinin başka bir yoluydu.
Empresyonist ressamlar da doğal ışığın hareketini yakalamak için beyaz ve açık tonlar kullanarak önceki dönemlere göre çok daha açık renkler kullandılar. Birçok İzlenimci tablodaki griler ve daha koyu gölgeler, tamamlayıcı renklerin karışımlarıydı ve gerçek İzlenimcilik uygulayan sanatçılar tarafından siyah boyadan kaçınıldı. Bu teknik, fırça darbelerini daha da vurguladı. Empresyonist dönemin birçok eleştirmeni, bu fırça darbelerinin ve renk kullanımının, Empresyonist tabloları tamamlanmamış ve amatörce gösterdiğine inanıyor.
Kompozisyon ve Perspektif
Empresyonizm’de tanım, bir resmin en önemli unsuru değildi. Daha gevşek ve daha belirgin fırça darbeleri, Gerçekçi ve Romantik resimlerin ana kısımlarını daha küçük unsurlardan ayırmaya yardımcı olan formun netliğini ortadan kaldırdı. İzlenimci ressamlar da üç boyutlu perspektifi ve önceki dönemlerin mükemmellik ve simetri tasvirini terk ettiler.
İzlenimci ressamlar için sanatçının rolü, dünyayı doğrudan tuvalde göründüğü şekliyle tercüme etmekti. Bu bakış açısı, güzelliği çevremizdeki dünyadaki kusurlarda ve anlık değişimlerde buldu.
Yeni bir resim alıştırması, dünyayı daha yakından yakalamayı özleyen empresyonist ressamlar arasında da yaygın bir uygulama haline geldi. Açık havada veya olay yerinde dışarıda resim yapmak, Empresyonist dönemde popülaritesini artırdı. Monet gibi sanatçılar, kompozisyon ortamında resim yapmanın, kusurlu tek bir anı yakalamada onlara daha fazla doğruluk sağladığını keşfetti.
Bilimsel Gelişimin Etkisi
Kameranın gelişimi, Empresyonist bakış açısı üzerinde büyük ölçüde etkili oldu. Kamera, çerçeve içinde zamanın bölünmüş bir anını yakalayabilir. Birçok İzlenimci sanatçı bu etkiyi taklit etmeye çalıştı ve ışığın optik etkilerini yakalamaya çalıştılar. İzlenimci ünlü ressamlar ayrıca, hava durumu değişiklikleri gibi dünyanın diğer ortam özelliklerindeki küçük değişimleri de yakalamayı amaçladılar. Açık renkler ve cesur fırça kullanımıyla birleşen bu amaç, İzlenimcilerin varoluşun geçici doğasını yakalamasına olanak sağladı.
İzlenimci ressamlar, açık havada boyamalarını kolaylaştıran önceden karıştırılmış boya tüpleri gibi diğer teknolojik gelişmelerden de yararlandılar. Empresyonist dönemde sentetik pigmentler de giderek daha popüler hale geldi ve yaygın olarak bulundu. İzlenimci resim teknikleri, viridian, lacivert, gök mavisi, kobalt mavisi ve kadmiyum sarısı gibi bu yeni pigmentlerden yoğun bir şekilde yararlandı.
Teknolojik gelişmenin artan hızı, birçok Empresyonist tablonun konusunu da etkiledi. İzlenimci manzaralar en iyi bilinen temalar arasında olsa da, Empresyonist ressamlar aynı zamanda kabare ve kafelerde, opera binalarında ve at yarışlarında samimi sahneleri yakalamayı severdi.
Empresyonist hareketin tabloları, 19. yüzyılın ortalarında Paris’in artan sanayileşmesini belgeliyor ve kentsel Empresyonist kompozisyonlar, büyüyen bir metropolde bir yabancılaşma duygusunu yakalıyor.
En Ünlü Empresyonist Tablolar
Empresyonizm dönemini incelerken, dönemin sanatçılarının kullandıkları yeni ve deneysel teknikler nedeniyle pek çok resim göze çarpmaktadır. Bununla birlikte, bazı Empresyonist sanat eserleri, hareketin özünü diğerlerinden daha iyi yakaladı ve bu nedenle var olan en dikkate değer Empresyonist resimler olarak kabul ediliyor.
Aşağıdaki listemizde, çok kapsamlı olmasa da, tüm empresyonizm hareketinin ünlü tablolarından 13’ünü bulacaksınız. Aşağıda en ünlü empresyonist tablolar şu şekilde sıralanmaktadır;
- Kırda Öğle Yemeği – Édouard Manet (1863)
- Olympia – Edouard Manet (1863)
- Bazille’in Stüdyosu – Frédéric Bazille (1870)
- İzlenim, Gün Doğumu – Claude Monet (1872)
- Dans Sınıfı – Edgar Degas (1874)
- Sis, Komşular – Alfred Sisley (1874)
- Beşik – Berthe Morisot (1872)
- Bal du moulin de la Galette – Pierre-Auguste Renoir (1876)
- Paris Caddesi; Yağmurlu Gün – Gustave Caillebotte (1877)
- Locada – Mary Cassatt (1878)
- Öğleden Sonra Çayı – Marie Bracquemond (1880)
- Tekne Gezisinde Öğle Yemeği – Pierre-Auguste Renoir (1881)
- Folies-Bergère’de Bir Bar – Édouard Manet (1882)
Kırda Öğle Yemeği – Édouard Manet (1863)
| Sanatçı | Edouard Manet (1832 – 1883) |
| Tarih | 1863 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 208 cm x 264,5 cm (81,9 inç x 104,1 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Orsay Müzesi, Paris |
Fransız ressam Édouard Manet tarafından 1863 yılında yapılan Kırda Öğle Yemeği (Le Déjeuner sur l’herbe), önemli bir Impression eseri olarak görülmesinin yanı sıra, tüm zamanların en önemli tablolarından biri olarak varlığını sürdürmektedir. Manet’nin tablosu, bir ormanda bir yerde tamamen giyinik iki adamla piknik yapıyormuş gibi görünen, yarı giyinik bir kadın yıkanıcıyı tasvir ediyor.
Gösterilen çıplaklık nedeniyle halkın öfkesine yol açan bu sanat eserine rağmen, bu eseri görüntülerken hissedilen atmosfer inanılmaz derecede sakin ve sorunsuz.
19. yüzyılın en tartışmalı tablosu olarak kabul edilen Manet, Kırda Öğle Yemeği’ni her yıl düzenlenen Salon des Beaux-Art’ta sergilenmek üzere sunmuş, ancak tablo jüri tarafından reddedilmiştir. Bunun nedeni, tamamen giyinik iki erkeğin yanında gelişigüzel bir şekilde gösterilen çıplak bir kadın görüntüsünün, zamanın kabul edilen davranış ve ahlakına bir hakaret olarak görülmesiydi.
Sergiye girmesine izin verilmeyen Manet’nin, “reddedilenlerin sergisi” olarak bilinen Salon des Refuses’de resmini sergilemeye karar vermesi burjuva Fransız toplumunu büyük ölçüde şok etti. Empresyonist tablo, Salon’a katılan sayısız kişi tarafından ziyaret edilmeye devam etti, ancak bu, toplum Manet’nin resminde belirgin olan potansiyeli tamamen göz ardı ettiği için, eserle tamamen alay etmek ve alay etmek için yapıldı.
Manet’nin Etkileyici eseri, halktan düşmanca tepkiler almasına rağmen hem izleyenleri hem de eleştirmenleri şaşırttı. Rönesans döneminden etkilenen Manet, kadın çıplaklığını bu resmin merkezine yerleştirmiş, ancak izleyiciyi en çok şaşırtan şey, kadının çıplak olmasına rağmen tamamen idealleştirilmemiş kalmasıdır. Doğrudan tablonun dışına bakan bakışları, izleyicileri neredeyse şehvetli bir şekilde karşı karşıya getiriyor ve bu da onları tabloya hayran kalmaya davet ediyor. Ayrıca Kırda Öğle Yemeği tablosu dünyaca ünlü tablolar denilince ilk akla gelenlerdendir.
Olympia – Edouard Manet (1863)
| Sanatçı | Edouard Manet (1832 – 1883) |
| Tarih | 1863 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 130,5 cm x 190 cm (51,4 inç x 74,8 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Orsay Müzesi, Paris |
Édouard Manet’nin etkili Empresyonist resimlerinden bir diğeri de 1863’te yaptığı Olympia adlı eseridir. Ancak Kırda Öğle Yemeği’ni (1863) Salon des Refuses’de sergilemesinden aldığı tepkiden sonra Manet, yeni resminin de aynı derecede tartışmalı olacağını biliyordu. Daha fazla itirazdan kaçınmak için, resmini 1865 Salonunda sergilemeye karar vermeden önce yaklaşık 18 ay boyunca stüdyosunda sakladı.
Olympia’da Manet, yatakta yatan çıplak bir kadını, hizmetkarı olduğu varsayılan siyahi bir kadın ona çiçekler getirirken tasvir eder. Resmin başlığına göre, “Olympia” adı o zamanlar seks endüstrisiyle ilişkilendirildiğinden ve çiçeklerin memnun bir müşteri tarafından kendisine gönderilen bir hediye olduğu düşünüldüğünden, kadının bir fahişe olduğu varsayılıyor. Çıplaklığına rağmen, figürün eli, kasıtlı olarak şehvetli ve tatmin edici bir his verirken mütevazı bir şekilde kendini örtmeye çalışıyor.
Figürün taktığı inci küpeler, siyah kurdele ve orkidelerin o dönemde çok kışkırtıcı nesneler olduğu söylendiğinden, bu resimde hissedilen atmosfer duyusal göndermelerle doludur. Ek olarak, kara kedinin kuyruğunu kaldırarak kompozisyona dahil edilmesinin, bu Empresyonist sanat eseri döneminde seks endüstrisinin bir başka kabulü olduğu söylendi.
Manet’nin resmi, alt sınıf bir fahişeyi temsil ederek, Fransa’daki fahişeliğin gizli ama yine de çok iyi bilinen gerçeğiyle burjuva seyirciyi şok etmeyi amaçlıyordu.
Bazille’in Stüdyosu – Frédéric Bazille (1870)
| Sanatçı | Frédéric Bazille (1841 – 1870) |
| Tarih | 1870 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 48 cm x 65 cm (19 inç x 26 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Orsay Müzesi, Paris |
Fransız ressam Frédéric Bazille, sanat akımı sırasında ürettiği resim türleri nedeniyle önemli bir İzlenimcilik sanatçısı olarak kabul edilir. 1870 tarihli Bazille’s Studio (L’atelier de Bazille) adlı tablosu, dönemin en ünlü eserlerinden biri olarak hatırlanıyor. Ne yazık ki genç yaşta öldüğü için Bazille çok fazla sanat eseri üretmedi, bu nedenle Bazille’s Studio onun başyapıtı olarak kabul ediliyor.
Sanat eserinde Bazille, Claude Monet, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Emile Zola ve Edmond Maître dahil olmak üzere stüdyosunda dolaşan birçok ikonik Empresyonist figürü tasvir etti. Bazille, diğer üç sanat stüdyosundan benzer sahneler çizerken, bu Impression resmi, teknik açıdan Empresyonist olmaktan çok Gerçekçi görünmesine rağmen üçlünün en iyisi olarak kabul ediliyor. Bu tabloyu benzersiz kılan, Bazille’in eserinde Manet’nin yaptığı bir portreye yer vermiş olmasıdır.
Kendisini şövale doğru eğilmiş merkez figür olarak tasvir eden Bazille’in kendisi de bu resmin ana odak noktası haline gelir. Elinde, kendisini sanatçı stüdyosunun sahibi olarak tanımlayan bir ressamın paletini tutarken, Manet olduğundan şüphelenilen bir figürle devam eden resim hakkında konuşurken gösterilir. Zaman geçtikçe, Bazille’in resmindeki diğer figürlerin sanatçı arkadaşlarını tasvir ettikleri söylendiği için doğru bir şekilde tanımlandığı konusunda pek çok tartışma ortaya çıktı. Ancak gerçek kimliklerini hiçbir zaman öğrenemeyeceğiz.
Bazille figürünün üzerinde Monet’nin bir natürmort tablosu tasvir edilmiştir. Bunun, zengin bir aileden geldiği ve sergiler resimlerini geri çevirdiğinde destek sunabildiği için Bazille’in çağdaşlarına sunduğu mali yardımı temsil ettiği söylendi. Duvardaki diğer resimler de Salon tarafından 1870’te reddedilen eserlerden oluşuyor ve buraya dahil edilmelerinin inanılmaz derecede tutarsız buldukları akademinin zar zor gizlenmiş bir eleştirisi olduğu söyleniyor.
İzlenim, Gün Doğumu – Claude Monet (1872)
| Sanatçı | Claude Monet (1840 – 1926) |
| Tarih | 1872 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 48 cm x 63 cm (18,9 inç x 24,8 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Marmottan Monet Müzesi, Paris |
Empresyonist akıma adını veren tablo olduğu kabul edilen ve bu nedenle dönemin en önemli tablosu olarak görülen Claude Monet’nin 1872 tarihli İzlenim, Gün Doğumu tablosudur. Nokta, Monet’nin resminin hareketi gerçekten doğurduğu ve ilerlemesine yardımcı olduğu söylendi.
Sanat eleştirmeni Louis Leroy, bu tabloyu bitmiş bir eskizden ziyade bir “izlenim” olarak etiketlerken, bu aşağılayıcı yorumu Monet ve diğerlerinin 1874’te gerçekleştirilen İlk İzlenimci Sergi’yi inceledikten sonra ürettikleri eserle alay etmek için kullandı. İzlenimci akımın doğuşuna, bu yeni ressam grubunun aldıkları eleştirilere karşı koymaya karar vermesiyle, bu aşağılayıcı tabiri gurur ve isyanla benimsemeye devam ettiler.
Le Havre ziyaretinden sonra yapılan Monet, denizi, karayı ve gökyüzünü tasvir etmek için kullanılan renkler arasında çarpıcı ama uyumlu bir denge kurmuştur. Gün doğumunu tasvir etmek için ana renkler olarak kullanılan yumuşak portakallar, maviler ve yeşiller ile tüm kompozisyon, sabahın erken saatlerinde gün doğumuyla ilişkili sisliliği artıran pastel bir ışıkla yıkanmış gibi görünüyor.
Başlık gün doğumuna odaklanırken, izleyiciler sonunda limanda gerçekleşen eylemin aksine çevredeki sıcaklık ve güneş ışığının rengine vurgu yapıldığını fark ederler.
Şimdiye kadar var olan en çok aranan ve en ünlü Empresyonist tablolardan biri olarak var olan Impression, Sunrise, o dönemde sanatçıların yöneldiği yeni yönü doğru bir şekilde temsil ediyordu. Harekete bir isim verdiği için, Monet’nin resmi, ortaya çıkmakta olan yeni sanatsal tarzı mükemmel bir şekilde simgelediği için, şimdi Empresyonizmin özlü sembolü olarak kabul ediliyor. İzlenim, Gün Doğumu tablosunu yüksek çözünürlüklü görmek için tıklayınız.
Dans Sınıfı – Edgar Degas (1874)
| Sanatçı | Edgar Degas (1834 – 1917) |
| Tarih | 1874 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 83,5 cm x 77,2 cm (32,9 inç x 30,4 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Metropolitan Sanat Müzesi, New York |
İzlenimci hareketin ilerlemesine yardımcı olan bir diğer önemli Fransız sanatçı Edgar Degas idi. 1874 tarihli The Dance Class adlı eseri, dansa ve harekete olan hayranlığını gösterdi ve diğer dans temalı çalışmaları arasında tamamladığı en karmaşık resimler olarak var. En iddialı tablosu olduğu düşünülen Dans Sınıfı, bale ile ilişkilendirilen zarafet ve incelik fikrini araştırıyor.
Degas’ın yirmiden fazla figürü bu kompozisyona dahil etmesi, pek çok farklı alanın izleyicilerin dikkatini çekmesini sağladığından, bu sanat eseri o kadar karmaşık kabul ediliyor.
Ancak en sağda resmedilen dans şefinin, gerçekleşen ana eylemin hemen dışına yerleştirilerek öne çıkmayı başardığı için resmin ana odak noktası olarak görüldüğü tespit edilmiştir. Orkestra şefi ünlü bale ustası Jules Perrot idi ve Degas bu kompozisyonu Paris Operası’ndaki bir prova odasındaki bir sahneye dayanarak yarattı.
Klasik bir Empresyonist sanat eseri olarak görülen Dans Sınıfı, Degas’ın zamanın diğer Empresyonistleri gibi en plein air tekniğini benimsemeyi reddetmesi nedeniyle, açık havada boyanmayan önemli bir sanat eseriydi. Bu nedenle, bale uygulamalarını tasvir etmek, opera binasının rahatlığında resim yapmasına izin verdiği için onun için ideal olduğunu kanıtladı. Ek olarak, Degas’ın tasvir etmeyi seçtiği konu, o zamanlar bale dansçılarının resimleri iyi satıldığı ve aile işini yürütmek için paraya ihtiyacı olduğu için mali ihtiyaçtan kaynaklanıyordu.
“Empresyonist” olarak anılma fikrini reddeden Degas, The Dance Class’ı elinden geldiğince gerçekçi bir şekilde resmetti. Gördüklerinin gerçeğe yakın bir yorumunu sağlamasına rağmen, bu resim, o dönemde sanat eserlerini Empresyonist olarak tanımlayan tüm kutuları işaretliyor gibi göründüğü için, dikkate değer bir sanat eseri olarak kabul ediliyor. Kompozisyon, Degas’ın yakalamaya çalıştığı hareket hissine katkıda bulunan parlak renklerin kullanıldığı modern bir sahneyi tasvir ediyordu.
En ünlü eseri olarak görülen Degas’ın bu resmi, Empresyonist hareketi anlamanın ayrılmaz bir parçasıdır.
Sis, Komşular – Alfred Sisley (1874)
| Sanatçı | Alfred Sisley (1839 – 1899) |
| Tarih | 1874 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 650 cm x 500 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Orsay Müzesi, Paris |
Fransız sanatçı Alfred Sisley, İzlenimci harekete önemli katkılarda bulunan bir başka isimdi ve kariyeri boyunca bazı önemli sanat eserleri üretti. Tanınmış Empresyonizm sanat eserlerinden birinin 1874’te yaptığı Sis, Voisins olduğu söyleniyordu. Bir sanatçı olarak Sisley, Empresyonist tekniğe tamamen bağlıydı ve sürekli olarak açık havada boyadı, bu da birçok manzara kompozisyonunda görülebiliyor. oluşturuldu.
Sisley, Voisins’de bir köye yerleştikten sonra, çökmekte olan yoğun bir sisi betimleyen bu güzel pastoral sahneyi resmetmeye devam etti. resmin arka planında ağaç. Puslu görünmesine rağmen, ana konunun çömelmiş, bahçesiyle ilgilenen veya çiçek toplayan kadın olduğu söyleniyor.
Kadını tasvir etmek için kullanılan mavimsi gri ton, Sisley’nin yakalamaya çalıştığı sisten daha koyu göründüğü için onu sahnenin geri kalanından ayırmaya yardımcı oluyor.
Ek olarak, bu renklerin kombinasyonu, kadının çevresinde gümüşi bir ışıltı yaratır ve bu, kadının izolasyonunun yarattığı hafif gizemli atmosfere katkıda bulunur. Sisley tarafından kullanılan nazik renk paleti, manzaranın rahatlatıcı kalitesini vurgulayan hem etkileyici hem de tamamen sakin bir sahneyi aktarıyor.
Kullanılan baskın renk gri olduğu için, Sisley çok gölgeli bir sahne yaratmayı başardı, burada yalnız kadın bir tür hayalet figür gibi sisin içinden çıkıyormuş gibi görünüyor. Sisley, Sis, Voisins’inde bir manzara tasvir etmesine rağmen, tüm sahneyi bir oturuşta yakalaması pek olası değildi. Sisin hızla değişen nitelikleri nedeniyle, Sisley bu resmi belirli bir süre içinde üstleneceği bazı ön eskizlerden yapmak zorunda kalacaktı. Bu nedenle, Sis, Voisins, o dönemde diğer Empresyonist tabloları karakterize eden kısa ve gevşek fırça darbelerinden oluşmaz.
Bununla birlikte, Sisley seçtiği renkler aracılığıyla ışığın ve gölgenin geçici kalitesini denediği için, bu resim doğası gereği hala açık bir şekilde Empresyonisttir.
Beşik – Berthe Morisot (1872)
| Sanatçı | Berthe Morisot (1841 – 1895) |
| Tarih | 1872 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 56 cm x 46 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Orsay Müzesi, Paris |
İzlenimci hareket içinde önemli bir kadın sanatçı, o dönemde inanılmaz derecede dikkate değer eserler üreten Berthe Morisot’du. 1872 tarihli Beşik adlı tablosu, sergilediği İzlenimci teknikler nedeniyle en bilinen eseri olarak varlığını sürdürmektedir.
Bu resimde Morisot, kız kardeşi Edma’yı şeffaf bir örtü ile kısmen gizlenmiş bir beşikte uyuyan küçük kızına bakarken tasvir etti. Morisot, kariyerindeki erken dönem çalışmalarından biri olarak, bu tabloya bakıldığında hissedilen karmaşık annelik temasını olgun bir bakış açısıyla yakalamayı başardı.
Morisot, o dönemde kadınların sosyal sınırlamalarıyla ilgili sorunları derinlemesine araştırırken, annelik birçok resminde tekrar eden bir konu olmaya devam edecekti.
The Cradle, 1874’te ilk kez sergilendiğinde eleştirmenler tarafından genel olarak beğenilse de satılmadı. Morisot’un kız kardeşini resmetmek için kullandığı teknikler, kadınların sosyal duruşunu araştıran çekişmeli konu ile birleştiğinde, bu sanat eserini o zamanlar inanılmaz derecede tartışmalı bir tablo haline getirdi.
Özünde, The Cradle, Morisot’un bir annenin sevgisinin başkalarını zarar görmekten koruyabileceğini ima etmesiyle, yakınlık ve korumayla dolu bir sahneyi tasvir ediyor.
Bal du moulin de la Galette – Pierre-Auguste Renoir (1876)
| Sanatçı | Pierre-Auguste Renoir (1841 – 1919) |
| Tarih | 1876 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 131 cm x 175 cm (52 inç x 69 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Orsay Müzesi, Paris |
Fransız sanatçı Pierre-Auguste Renoir, hareket sırasında sayısız ikonik tablo yaratmaya devam eden İzlenimcilik içinde önemli bir figürdü. 1876’da yarattığı tanınmış tablolarından biri, Renoir’in 1877’de sergilediği ilk tablolardan biri olan Le Moulin de la Galette’de Dans adlı eseridir.
Tipik Paris yaşamını tasvir ettiği görülen bu tablo, İzlenimci tarzın en önemli örneği olarak var. Renoir’ın “19. yüzyılın en güzel tablosu” olarak tanımlanan eseri, popüler Fransız mahallesi Montmartre’deki sıradan yaşamdan bir kesiti tasvir ediyordu. Bu süre zarfında, bugün hala faaliyette olan Moulin de la Galette’nin avlusu, işçi sınıfının uzun bir çalışma gününden sonra içmek, yemek yemek ve dans etmek için buluşma noktasıydı.
Renoir’ın birçok arkadaşının ve diğer önemli sanatçıların tablonun içinde yer aldığı söylenirken, sanat eserinin odak noktası Montmartre’deki bu bahçede hissedilen neşeli atmosfere düşüyor. Bu tablodaki çok sayıda insan olmasına rağmen, Renoir bu inanılmaz derecede yoğun sahnede hala büyük miktarda ayrıntı yakalayabildi.
İzleyicilerin dikkate alması için çeşitli bakış açıları ve açılar sağlanmış olup, bu da bu resimde birçok olası odak öğesinin var olduğunu göstermiştir.
Bu sanat eseri bugün kutlansa da, başlangıçta o dönemde sanat eleştirmenleri ve izleyicilerden olumsuz eleştiriler aldı. Bu resimde Renoir, portre, natürmort ve manzara unsurlarını zahmetsizce Le Moulin de la Galette’de Dans’ta birleştirerek resme olan gerçek yeteneğini gösterebildi.
Renoir’den önce hiçbir sanatçı bu büyüklükte bir tabloyu denemediğinden, sanat eserinin devasa boyutu nedeniyle, bu Impression sanat eseri o zamanlar iddialı bir meydan okuma olduğunu kanıtladı.
Paris Caddesi; Yağmurlu Gün – Gustave Caillebotte (1877)
| Sanatçı | Gustave Caillebotte (1848 – 1894) |
| Tarih | 1877 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 212,2 cm x 276,2 cm (83,5 inç x 108,7 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Chicago Sanat Enstitüsü |
İzlenimcilik hareketi içindeki bir diğer önemli etki Fransız sanatçı Gustave Caillebotte idi. Daha gerçekçi bir şekilde resim yapmasına rağmen, Caillebotte’nin dönemin zirvesinde hala ikonik Empresyonizm tabloları sağladığı düşünülüyor. 1877 tarihli Paris Caddesi; Yağmurlu Gün adlı tablosu en tanınmış sanat eserlerinden biridir.
Yağmurlu bir günü gerçek yağmuru göstermeden tasvir ettiği için oldukça sıra dışı bir tablo olarak görülen Caillebotte’nin tablosu büyük başarı elde etti. Resme ilk bakıldığında ıslak gibi görünen şemsiyeler ve parlak parke taşlarının dahil edilmesine rağmen, bu unsurlar, izleyiciler tarafından görülmeden yağmur olasılığını ima ediyor. Caillebotte’un ışık ve gölgeleri ustaca manipüle etmesi, sokakta su izlenimi yaratmaya yardımcı oluyor ve izleyicilerin eserin başlığıyla ilişki kurmasını kolaylaştırıyor.
Paris Caddesi, Yağmurlu Gün, Paris’in 8. bölgesi olan Place de Dublin olduğu sanılan bir bölgede birbirinden kopuk bir havayla geçen bir dizi insanı canlandırıyor. Caillebotte’nin bu resimde gösterdiği hassasiyet esere neredeyse fotoğrafik bir görünüm kazandırdığından, 19. yüzyılda şehir yaşamını yakalayan harika bir resim olarak kabul edilir. Yapıtın özellikleri bakımından İzlenimciden çok Gerçekçi olduğunun düşünülmesinin temel nedenlerinden biri de bu aslında.
Caillebotte, “odak dışı” görünen figürleri tasvir etmek gibi, bu tabloya fotoğrafçılıkla ilgili unsurları dahil etti. Bu, geniş eleştirilere yol açtı, çünkü insanın görünüşte izole edilmiş bir kompozisyon içinde böylesine modern bir tasviri o zamanlar tamamen alışılmadıktı.
Caillebotte’un bu sanat eserini boyadığı kesinlik, onun tipik Empresyonizm sanat eserlerinin gevşek ve geniş fırça darbelerinden ziyade gerçekçiliğe ve çizgiye bağlı olduğunu gösteriyor.
Locada – Mary Cassatt (1878)
| Sanatçı | Mary Cassat (1844 – 1926) |
| Tarih | 1878 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 81 cm x 66 cm (32 inç x 26 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Güzel Sanatlar Müzesi, Boston |
İzlenimci grupla sergilenen tek Amerikalı sanatçı olan Mary Cassatt, harekete değerli bir katkı oldu. 1878 tarihli Locada adlı resmi, pastel yerine yağlı boya ile yaptığı ve eserlerinde sıklıkla kullanmayı tercih ettiği, ünlü bir Impression eseridir.
Cassatt bu tablodaki hareketle ilgili çeşitli teknikleri gösterdiği için, bu yağlı boya tablonun önemli bir Empresyonist eser olduğu kanıtlandı.
In the Loge’da Cassatt, 19. yüzyıl Paris’inde daha zengin bireylerin popüler bir geçmişini tasvir etti, çünkü o zamanlar operaya gitmek yaygın bir olay olarak görülüyordu. Opera görmek ve görülmek için bir yerdi, bu da bireylerin genellikle abartılı giyinmesi anlamına geliyordu. Özellikle kadınlar çok fazla mücevher takar ve toplum içinde yalnızca uygun miktarda ten gösterirken, erkekler görülmeden opera kutularının içinde sorunsuz bir şekilde kaybolmak için siyah takım elbise giyerlerdi.
Bu kompozisyonda Cassatt, o zamanlar Paris’te ikonik bir tiyatro olan Comedie-Francaise’deki gündüz performansına katılan zarif giyimli bir kadını tasvir ediyor. İzleyiciler, sahnede gerçekleşen eyleme tamamen dalmış gibi göründüğü için kadının yalnızca profilini görebilirler. Figüre daha aktif bir rol veren Cassatt, kadını opera gözlüklerinden izleyiciler tarafından görülemeyen bir şeye bakarken tasvir ederken, arka plandaki bir adamın dikkatini özellikle ona yöneltmiş gibi görünüyor.
Bu aynı zamanda Cassatt’ın o sırada üst sınıf toplum hakkında yapmaya çalıştığı yorumu da temsil ediyor, çünkü belirli alanlara erişim kadınlara yasaklandı. Bu nedenle Opera, kadın sanatçılar için bu kadar tekrar eden bir konu olduğunu kanıtladı, çünkü diğer kamusal alanların aksine bu alana isteksizce erişim izni verildi.
Cassatt, Empresyonist gruba katılan yalnızca üç kadından biri ve aynı zamanda tek Amerikalı olmaya devam ederken, In the Loge, Empresyonizm hareketine önemli bir katkı olduğunu kanıtladı.
Öğleden Sonra Çayı – Marie Bracquemond (1880)
| Sanatçı | Marie Bracquemond (1840 – 1916) |
| Tarih | 1880 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 81,5 cm x 61,5 cm |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Paris Şehri Güzel Sanatlar Müzesi |
İzlenimci hareket içindeki bir diğer önemli kadın sanatçı, çağdaşlarına kıyasla genellikle gözden kaçan Marie Bracquemond’du. Resimleri diğerleri kadar tanınmasa da bazı eserleri öne çıkıyor. 1880’de yaptığı önemli bir tablosu Öğleden Sonra Çayı’dır.
Bu resimde Bracquemond, bahçede kitap okurken gösterilen kız kardeşi Louise’i tasvir etti. Son derece tuhaf bir şekilde resim yapan Bracquemond, Öğleden Sonra Çayında sakinleştirici ve rahatlatıcı bir atmosfer yaratmak için sessiz ve pastel renkleri kullanmıştır. Ana rengi beyaz olan Louise, izleyicilerden uzağa yönlendirilen bakışlarıyla daha da vurgulanan çok ağırbaşlı bir şekilde boyanmıştır. Yüz ifadesine bakıldığında izleyiciler, Louise’in bir şeyden memnun olmadığı hissine kapılıyor.
Bracquemond, bir kitap ekleyerek, kız kardeşine kompozisyonda yapacak bir şey sağlıyor, ancak o tamamen başka bir şeyden büyülenmiş gibi görünüyor. Eleştirmenler, gözlerinin elindeki kitaptan çevrilmesine rağmen, okuduğu şeye tamamen dalmış gibi göründüğünü, bunun da odaklanma eksikliğini açıklayabileceğini belirtti.
Öğleden Sonra Çayı, İzlenimci bir sanat eserinin iyi bir örneği olarak var, çünkü Bracquemond hareketle ilgili birçok özelliği kullandı. Bu resimde bir ferahlık atmosferi yaratmak için denenmiş ışıkla aşılanmış bir renk paletinin yanı sıra gevşek fırça darbeleri görülebilir.
Bracquemond, kız kardeşini ışıkla yıkanmış bir yüzeyde tasvir ederek, onun bilindiği stili oluşturmaya başladı.
Tekne Gezisinde Öğle Yemeği – Pierre-Auguste Renoir (1881)
| Sanatçı | Pierre-Auguste Renoir (1841 – 1919) |
| Tarih | 1881 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 129,9 cm x 172,7 cm (51 inç x 68 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Phillips Koleksiyonu, Washington DC |
Pierre-Auguste Renoir’ın bir başka ikonik tablosu, 1881 tarihli, Tekne Gezisinde Öğle Yemeği adlı eseridir. Yedinci Empresyonizm sergisinde yer alan bu resim, hareket içindeki önemini gösteren, aksi takdirde inanılmaz derecede agresif olan bir dizi eleştirmenden şakacı iltifatlar aldı.
Klasik bir Renoir tablosu olarak görülen konu, doğası gereği çağdaştır. Renoir, Seine nehrine bakan bir restoranın öğle yemeği sahnesini tasvir ederek, bireylerin konuşurken, gülerken ve yiyecek ve şarap paylaşırken gösterildiği bir Pazar öğleden sonra gerçekleşen tam bir sevinç atmosferini yakalamayı başardı. Renoir’in hafta sonu dinlenmenin ve başkalarıyla eğlenmenin önemini vurgulamak istediği için bu kompozisyona hem kendisini hem de bazı arkadaşlarını dahil ettiği söylendi.
Bırakma ve gevşeme yeteneği diğerleri kadar önemli bir mesaj olduğundan, bu tabloya altta yatan hiçbir ahlaki mesajın eşlik etmediğini vurguladı.
Folies-Bergère’de Bir Bar – Édouard Manet (1882)
| Sanatçı | Edouard Manet (1832 – 1883) |
| Tarih | 1882 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 96 cm x 130 cm (37,8 inç x 51,2 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Courtauld Galerisi, Londra |
Édouard Manet’nin yaptığı bir diğer önemli eser, 1882’de yarattığı Folies-Bergère’de Bir Bar’dır. “Empresyonist” olarak etiketlenmek konusunda isteksiz olmasına rağmen, bu sanat eseri, yarattığı en ikonik Empresyonizm tablolarından biri olarak varlığını sürdürür ve bu onu sağlam bir şekilde pekiştirir. hareket içinde. Bu aynı zamanda Manet tarafından üretilen ve statüsüne eklenen son büyük sanat eseriydi.
Karmaşık detaylarıyla dikkat çeken Folies-Bergère’deki Bir Bar, Folies-Bergère gece kulübünde çalışan sıradan bir barmeni tasvir ediyordu. Konusu basit gibi görünse de, Manet bu tuvali bakılması ve üzerinde düşünülmesi gereken pek çok ayrıntıyla doldurdu, bu da onu izlemesi çok yoğun bir kompozisyon haline getirdi. Sanat eserinin odak noktası, yüzünde çok mesafeli ve mesafeli bir ifade bulunan merkezdeki kadına düşüyor.
Vücudunun tezgaha dönük olmasından yola çıkarak bir müşteriye hizmet verdiği düşünülen barmen, çevresinde olup bitenleri dikkatle dinliyor gibi görünmektedir. Ancak dalgın bakışı vücut diliyle uyuşmadığı için yüz ifadesi onu ele veriyor. Bu resimde Manet, bir kadının bu dönemdeki deneyiminin iki yüzünü gösteriyor. Sağ üst köşedeki ayna yansımasında, bir müşteriye titizlikle hizmet ettiği gösterilirken, izleyiciler onun gerçekte nasıl hissettiğini dürüstçe ifade etmesiyle karşılanıyor.
Manet’nin sunduğu zengin ayrıntılar, izleyicilerin bu tablonun genel atmosferini bir araya getirmesine yardımcı oluyor ve bu ayrıntılar, dönemin sosyal sınıfına ve ambiyansına dair ipuçları olarak var oluyor.
Sıkça Sorulan Sorular
Empresyonizm Başlangıç Yılı Nedir?
Empresyonizm sanat akımı 1860 yılında başlamış ve günümüze kadar aktif olarak kullanılan bir sanat akımı olmuştur.
Empresyonizmin Diğer Adı Nedir?
Empresyonizmin diğer ismi izlenimciliktir.
Empresyonizmin Kurucuları ve Öncüleri Kimlerdir?
Empresyonist akımın kurucusu Paul Cézanne (1839-1906)’dir. Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903) gibi ünlü sanatçılar bu akıma öncülük etmişlerdir.
Empresyonizmin Özellikleri Nelerdir?
Empresyonist sanat akımı stilin karakterizasyonları, çıplak bir form izlenimi veren küçük, görünür fırça darbelerini, harmanlanmamış renkleri ve doğal ışığın doğru tasvirine yapılan vurguyu içerir.
