20. yüzyılın başlarında başlayan Kübizm akımı, yapılan eserlerde görülen yoğun parçalanma, soyutlama ve bastırılmış renk paleti ile ayırt edildi. O yüzyıldan gelen en etkili üsluplardan biri olarak kabul edilen Kübizm, o dönemin sanatçıları üzerinde büyük bir etkiye sahipti.
Bu da birçok önemli sanat eserinin üretilmesine yol açtı. Başarısına rağmen, Kübizm nispeten kısa ömürlü bir hareketti ve daha sonra Fütürizm, Dadaizm, Konstrüktivizm ve Süprematizm’in ortaya çıkmasına neden oldu. Peki kübizm nedir, ünlü sanatçıları ve eserleri nelerdir? Sorularınızın cevapları için okumaya devam edin.
Kübizm Nedir?
Kübizm, 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkan bir sanat akımıdır. Bu akımın adı, Fransız sanatçı Georges Braque ve Pablo Picasso tarafından ortaya konulan kübist teknikten gelmektedir. Kübist sanatçılar, nesneleri küçük küpler gibi parçalara ayırarak, onları yeniden birleştirerek yeniden yapılandırırlar. Bu teknik sayesinde nesnelerin üç boyutlu görünümleri iki boyutlu bir görünüme dönüştürülür. Kübizm, dünyayı böyle bir şekilde yeniden yapılandıran bir sanat akımıdır.
Kübizm, ayrıca sanatçıların dünyayı farklı açılardan ve farklı bakış açılarından görmeyi amaçladığı bir akımdır. Bu yüzden kübist sanatçılar, nesneleri parçalara ayırarak, onları yeniden birleştirerek yeniden yapılandırırlar. Bu sayede nesnelerin görünümleri değişir ve farklı açılardan görülebilir hale gelir.
Harekete sonunda ikonik adı sanat eleştirmeni Louis Vauxcelles tarafından verildi ve Braque’nin 1908’de sergilenen eserlerini gördükten sonra, onları tüm unsurları sadece ana hatlara ve küplere indirgemek olarak nitelendirdi. Ünlü Kübizm sanatı, sanatçıların öncelikli odak noktası olan derinlik izlenimi yaratmak yerine tuvalin iki boyutlu doğasını vurguladı.
Bu, perspektif ve ton özelliklerini tamamen farklı şekillerde kullanarak ve aynı anda farklı bakış açılarını göstermek için farklı düzlemler yaratarak başarıldı.
Gerçekliği temsil etmenin devrim niteliğinde yeni bir yolu olarak görülen nesneler ve insanlar, genellikle kaleydoskopik bir görüşün elde edildiği noktaya kadar birçok farklı açıdan tasvir edildi. Bu, sanatçılar Batı’nın temel grafik temsil kavramlarına iddialı bir şekilde meydan okudukça, hareketin avangard bir hareket olarak görülmesine yol açtı.
Kübizm sanat eserleri otantik bir kültürel uyanışı başlatmaya devam ederken, yaratılan resimler, o dönemde görülen sanat tarihinin en yenilikçi bölümünün başlamasına yardımcı oldu. Özellikle Picasso ve Braque, yıpranmış sanat standartlarının kendi rotalarını çizdiğini ve tamamen yeni ve çığır açan bir harekete ihtiyaç olduğunu hissettiler. Kübizm’in sonraki etkisi, bu geometrik stilin Analitik ve Sentetik Kübizm olarak bilinen iki farklı aşamaya bölünmesiyle geniş kapsamlıydı.
Böylece, kısa bir akım olmasına rağmen, sanatçıların bu ileri sanat tarzına büyük ilgi göstermesi nedeniyle, ortaya çıkan çeşitli dallara dayanarak Kübizm son derece önemli olduğunu kanıtladı.
Kübizm Temel Yönleri
Parçalanma yönüne odaklanan Kübist sanatçılar, nesneleri ve figürleri yeni ve soyut biçimlerde incelediler, parçaladılar ve yeniden bir araya getirdiler. Kübist resimler, geleneksel sanatta standart olan konuyu tek bir bakış açısıyla tasvir etmek yerine, konuyu daha geniş bir bağlamda temsil etmek için çoklu bakış açılarından yararlanmıştır. Sanatçılar, aynı anda birkaç bakış açısı sergileyerek, yapıtlarında olası bir üç boyutlu doğayı ima ederken, aynı zamanda tuvalin iki boyutlu düzlüğünü de sergilediler.
Sanatçılar kendi tiplerinde koni, küp, küre ve silindir terminolojisini geliştirmeye devam ederken, resimleri daha önce resimsel alanı tanımlamak için kullanılan perspektif unsurunu terk etti. Perspektifi reddetmenin yanı sıra, Kübizm sanatçıları, nesneleri etkili bir şekilde birkaç düz düzleme bölmek için ışığı ve gölgeleri çeşitli şekillerde resmetti ve manipüle etti.
Kübist resimleri görüntülerken, sanatçılar figürlerin ve nesnelerin bulunduğu alanı keşfetmeyi tercih ettikleri için gerçekçi sahneler tasvir edilmedi.
Kübizm’in bir diğer önemli yönü de mimariye, yapıya ve forma verilen vurguydu. Bu eserlerde konuları temsil ederken çok analitik ve geometrik bir yaklaşım benimsendiğinden, bu iki unsur Kübist resimlerde çok önemliydi. Figürler ve nesneler, illüzyonist bir mekana sığdırılmak yerine, hacim ve düzlemlerden oluşan dinamik ve canlı kompozisyonlar olarak resmedildi. Bu, o zamanlar çok fütürist olarak görülen Kübizm resimlerinde arka plan ve ön planın birleşmesine izin verdi.
Kübizm, Rönesans‘ın mekan tasvirine doğrudan meydan okuduğundan, birçok sanatçı üretilen resimlerde temsilsizlik fikrini denedi. Bu, sanatçıların tablolarına kolaj ve heykel unsurlarını dahil etmelerine bile yol açtı; bu, en belirgin şekilde Pablo Picasso ve Georges Braque tarafından gösterildi. Picasso, Maquette for Guitar (1912) adlı eserinde heykelden yararlanırken, Braque’nin Compotier et verre’de (1912) ilk kağıt kolajını ürettiği yaygın olarak kabul edilir.
Kübizm Akımı Nedir?
Kübizm, 20. yüzyıl sanatının öncü akımlarından biridir. Pablo Picasso ve Georges Braque tarafından başlatılan bu akım, nesnelerin gerçekçi bir şekilde temsil edilmemesi, yerine parçalara ayrılmış ve düzlemler halinde işlenmesi ilkesini benimsemektedir.
Bu yöntem, nesnelerin üç boyutlu yapısını azaltarak, onları daha basit ve anlaşılır hale getirmek amacını taşımaktadır. Kubizm akımı, resim, heykel ve tiyatroda kullanılmıştır.
Kübist Ne Demek?
Kübist, kubizm akımının bir uygulayıcısı olarak tanımlanabilir. Kübist ressamlar, nesnelerin üç boyutlu yapısını azaltarak, onları daha basit ve anlaşılır hale getirmek için parçalara ayırırlar.
Türkiye’de Kübizm Akımı ve Türk Sanatçılar
Türkiye’de kübizm akımı, 20. yüzyılın başlarında sanatçılar tarafından benimsenmiştir. Öncü temsilcilerinden bazıları Şeref Akdik, Cevat Dereli, Eren Eyüboğlu, İbrahim Çallı ve Bedri Rahmi Eyüboğlu’dur. Bu sanatçılar, kübizm akımının ilkelerini uygulayarak, Türkiye’de kübizm sanatının gelişimine katkıda bulunmuşlardır.
Bu sanatçıların eserleri, Türkiye’de kübizm akımının özelliklerini yansıtmaktadır. Özellikle parçalara ayrılmış ve düzlemler halinde işlenmiş nesneler, gerçekçi temsilden kaçınılması, sade renklerin kullanılması ve geometrik şekillerin yoğun olarak kullanılması gibi kübizm özelliklerini göstermektedir.
Türkiye’de kübizm akımının türk kübizm sanatçıları ve öncüleri şu şekildedir:
- Şeref Akdik
- Cevat Dereli
- Eren Eyüboğlu
- İbrahim Çallı
- Bedri Rahmi Eyüboğlu
Kübizmin Amacı Nedir?
Kübizm akımının amacı, nesnelerin gerçekçi temsili yerine, onların parçalara ayrılmış ve düzlemler halinde işlenmesi ile daha basit ve anlaşılır hale getirmektir. Bu yöntem, nesnelerin üç boyutlu yapısını azaltarak, onları daha sade ve anlaşılır hale getirmek amacını taşımaktadır.
Kübizmin Özellikleri
Kübizmin özellikleri arasında, nesnelerin parçalara ayrılmış ve düzlemler halinde işlenmesi, gerçekçi temsilden kaçınılması, renklerin sadece temel renkler olarak kullanılması, nesnelerin üç boyutlu yapısının azaltılması ve geometrik şekillerin yoğun olarak kullanılması sayılabilir.
En Ünlü Kübist Tablolar
Sadece yedi yıl sürmesine rağmen, Kübizm, zirve sırasında üretilen resimlerde görüldüğü gibi, inanılmaz derecede etkili bir hareket olduğunu kanıtladı. Birçok sanat eseri yapılmış olsa da, bir avuç dolusu gerçekten ikonik Kübizm tabloları olarak öne çıkmayı başardı. Genellikle aynı sanatçı tarafından üretilen bu resimler, hareketin önde gelen öncüleri olarak ortaya çıkan birkaç ünlü ressamlar tarafından yapılmıştır. Aşağıda, en ünlü Kübizm sanat eserlerini inceleyebilirsiniz.
Avignonlu Kızlar – Pablo Picasso
| Sanatçı | Pablo Picasso |
| Boyanma Tarihi | 1907 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 243.9 cm x 233.7 cm (96 inç x 92 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Modern Sanat Müzesi, New York |
Pablo Picasso’nun kariyeri boyunca ürettiği tüm resimlerden Les Demoiselles d ‘Avignon ikonik bir parça olarak var. 1907’de, Kübizm hareketinin başladığı sırada boyanmış olan bu tablo, olağandışı içeriği ve biçimsel deneyleri nedeniyle halkı ve Picasso’nun yakın arkadaşlarını şok etti. Stilize edilmiş ve görünüşte soyutlanmış çıplak kadınlardan oluşan konu ile Picasso, bozulmaya olan ilgisini ve Afrika sanatının resim tekniği üzerindeki büyük etkisini gösterdi.
İzleyicileri bu resimle ilgili hayrete düşüren şey, gösterilen çıplaklık değil, Picasso’nun bu kadınları fahişeler olarak agresif cinsel pozlarda tasvir etmeyi seçmesiydi. Bu, o zamanlar yeni bir fikirdi, çünkü bu nitelikteki konular genellikle geleneksel sanat toplumunda tasvir edilmedi. Les Demoiselles d ‘Avignon’da görülen bariz duygusallık, kadınların maskeye benzeyen yüzleriyle daha da vurgulandı, bu da cinselliklerinin düşmanca olmanın yanı sıra inanılmaz derecede ilkel olduğunu ima etti.
Kübizm’in belirgin özellikleri, gövdelerin yarattığı olağandışı unsurlar ve keskin karşıtlıklar aracılığıyla görüldü ve hepsi de şok değerine eklendi.
Picasso, kadın bedenlerini oluşturan geometrik parçalara bölünmüş, büyük ölçüde düzleştirilmiş bir resim sunduğu için bu resimdeki derinlik kavramını terk etti. Picasso, geleneksel sanatı yöneten tüm kabul görmüş formları terk ederek, insan formunu tasvir etmek için alışılmadık geometrik şekiller kullanmaya öncülük etti ve Les Demoiselles d ‘Avignon’u Kübizm’in en ünlü tablolar örneği haline getirdi.
L’Estaque’daki Evler – Georges Braque
| Sanatçı | Georges Braque |
| Boyanma Tarihi | 1908 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 40,5 cm x 32,5 cm (15,9 inç x 12,7 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Güzel Sanatlar Müzesi, Bern |
Kübizm’in kuruluşunda önemli bir eser, Georges Braque tarafından 1908’de boyanmış olan I ‘Estaque’deki Evler’dir. Braque’nin 1908 ve 1912 yılları arasında ürettiği sanat eserleri Picasso’nunkine o kadar benzer ki, onların Kübizm resimleri çoğu zaman ayırt edilemezdi. Sanat eleştirmeni Louis Vauxcelles, Braque’nin bu resimdeki her öğeyi daha sonra Kübizm olarak bilinecek olan “küplere” indirgediğini söylediği gibi, I ‘Estaque’deki evler hareketin adına ilham verdi.
Bu resimde, Braque, Picasso’dan, formu aşırı derecede indirgemesi ve nesneleri tanımlamak için geometrik şekillerin kullanımı yoluyla gözle görülür bir etki gösterdi.
Braque, evlerin dışını ve çevredeki manzarayı basitçe boyayarak, nesneyi ve arka planı, her iki yönün de tuvalin tüm ön planını tamamen işgal ettiği noktaya kadar örtüştürdü. Düz ve düz aralık nedeniyle, I ‘Estaque’deki Evler’de ufuk çizgisi veya ufuk noktası görülememiş, bu da işin iki boyutluluğunu daha da arttırmıştır.
Ek olarak, Braque tarafından kullanılan gölgeleme, nesnelere herhangi bir derinlik ve perspektif katmak için hiçbir çaba göstermediğinden son derece geleneksel değildi. Bu ünlü Kübizm sanat eseri düşünüldüğünde, Braque’nin görüntüleri parçalara ayırma kararı, çalışmasındaki farklı unsurları daha da ayıran ince ve dünyevi renk paleti ile daha net hale geldi. I’Estaque’deki Evlerin ilk Kübist manzara olarak görülüp görülemeyeceği konusunda tartışmalar olsa da, bu resimdeki unsurlar Kübist üslubun temelini oluşturmaya devam etti.
Çay Saati – Jean Metzinger
| Sanatçı | Jean Metzinger |
| Boyanma Tarihi | 1911 |
| Tür | karton üzerine yağ |
| Boyutlar | 75,9 cm x 70,2 cm (29,8 inç x 27,6 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Philadelphia Sanat Müzesi, Philadelphia |
Jean Metzinger, üslubun daha çok avangard tarafına uzanan resimleriyle, hareketin zamanında Kübizm’i halkın dikkatine getirmesiyle biliniyordu. Tea Time adlı 1911 tablosu, daha sonra “Kübizmin Mona Lisa‘sı” olarak bilineceği için hareketin en tanınmış eserlerinden biriydi. Fincanı ve ağzı arasında asılı bir çay kaşığı tutan oturan bir kadını canlandıran Metzinger, bir figürün tamamen parçalanmış bir temsilini oluşturmak için çeşitli Kübist tekniklerden yararlandı.
Tea Time’ı daha ilginç Kübist tablolardan biri yapan şey, diğer sanatçılar figürlerin kaydileştirilmesi için çalışırken, Metzinger’in bu resimde bir tür kesinlik ve belirginlik elde etme taahhüdü göstermesidir. Bir kadını tasvir etmek için düzensiz kırıklar ve düzlemler kullanılmasına rağmen, Tea Time’daki konu , geometrik ortamına rağmen ilk bakışta hemen tanınabilir.
Bu resmin en çok tartışılan yönü, Metzinger’in çay fincanını ve kadının yüzünü tasvir etmek için kullandığı bölünmüş odaktır.
Rönesans döneminde popüler olan tek bakış açısını terk eden çay fincanı, Kübizm’in yeni tekniklerini göstermek için profilden ve doğrudan yukarıdan görüldü. Bu farklı bakış açılarına rağmen, Metzinger, anormal şekiller ve açılardan oluşmasına rağmen, kullanılan daha yumuşak renklerle, çay yudumlayan çıplak kadın figürüne daha fazla vurgu yapılmasına rağmen şaşırtıcı bir gerçekçilik düzeyine ulaştı.
Gitarlı Adam – Georges Braque
| Sanatçı | Georges Braque |
| Boyanma Tarihi | 1911 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 116,2 cm x 80,9 cm (45,7 inç x 31,9 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Modern Sanat Müzesi, New York |
Braque’nin bir diğer önemli Kübist tablosu, 1911’de yaptığı Gitarlı Adam’dır. Braque’in yapıtında illüzyonist mekan kavramına meydan okuduğu için, Braque’nin en etkili eseri olarak kabul edilen Analitik Kübizm döneminin bir parçasını oluşturdu. Bu resmi yaratmak için Braque, gitar çalmakla meşgul bir adamın ana hatlarını tasvir etmek için bir tuval üzerine çiviler ve ipler işledi. Bununla birlikte, Braque’nin tekniğinin sonucu, bir adamın neredeyse anlaşılmaz bir tasviriydi, çünkü işin odak noktası pürüzlü ve kesişen küpler üzerineydi.
Eleştirmenlerin ve izleyicilerin çoğu tarafından zar zor tanındığı belirtilen Gitarlı Adam, bunun yerine görülebilen uzamsal unsurlar için takdir ediliyor. Bu nedenle, resim, bir müzisyenin bir gitarı tıngırdatması gibi insan zihninde oynama yeteneğine sahip bir başyapıt olarak kabul edilir. Bu çalışmada Braque, sanatın belirli şekillere ve biçimlere bağlı kalması gerektiğine dair uzun süredir devam eden görüşe karşı çıktı ve Man with a Guitar, izleyicileri belli belirsiz tasvir edilen açıları, gölgeleri ve küçük ayrıntıları anlamlandırmaya kasıtlı olarak zorladı.
Bu çalışmayı incelerken, birçok kişi onun sürekli hareket ediyor gibi göründüğünü belirtti.
Yoğun bir tablo olduğu için, eserin anlamının daha net ortaya çıkabilmesi için her yönün düzgün bir şekilde incelenmesi önemli miktarda dikkat gerektiriyordu. Braque, perspektifin geleneksel kullanımını göz ardı ederek, izleyicileri en temel geometrik unsurlarına bölünmüş bir resmi denemeye ve anlamaya zorlamayı başardı.
Ma Jolie – Pablo Picasso
| Sanatçı | Pablo Picasso |
| Boyanma Tarihi | 1911 – 1912 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 100 cm x 64,5 cm (39,4 inç x 25,4 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Modern Sanat Müzesi, New York |
Picasso’nun 1911 ve 1912 yılları arasında yarattığı diğer popüler Kübist resimlerinden biri de Ma Jolie idi. Aynı isimli bir müzikal performansı izledikten sonra ilham alan Picasso, sevgilisi Marcelle Humbert, Ma Jolie lakabını taktı ve onu bu resimde resmetmeye devam etti. Analitik Kübizm tarafından ünlü hale getirilen imzalı değişen uçakları kullanarak bu sanat eserinde figürünü belli belirsiz inşa eden Picasso, insana hiç benzemeyen bir portre yarattı.
Bu çalışmada Picasso, kompozisyonun ortasında bulunan bir gitar tellerinin gevşek hatlarıyla, bir kişinin son derece parçalı bir temsilini oluşturmak için örtüşen ve geometrik şekiller üzerine inşa etti. Soyutlama yönünde hareket eden Picasso, renk paletini, küplerin açık ve koyu tonlarıyla daha da vurgulanan alçak kabartma bir heykel izlenimi yaratmak için Ma Jolie’de sınırladı.
Köşeli şekiller ve kasvetli renkleri daha derin bir anlamı ifade ediyor gibi görünüyor, çünkü merkezi figür neredeyse işin derinliklerinde kayboluyor.
Picasso, önceki Kübist resimlerini temel alarak, görünüşte iddialı şekillerle yan yana gelen sessiz renkler aracılığıyla parçalanma ve soyutlamaya doğru daha bariz bir hareket sergiledi. Bu nedenle, bir portre olarak tasarlanmasına rağmen, Ma Jolie, Picasso’nun daha temsili olmayan bir bağlama geçişini temsil ediyor, çünkü küpler ve açısal çizgiler ağı aracılığıyla ayırt edilebilir bir görüntü oluşturulamıyor.
Hazeranlı Natürmort (Still life with the caned chair) – Pablo Picasso
| Sanatçı | Pablo Picasso |
| Boyanma Tarihi | 1912 |
| Tür | İp ile kenarlı tuval üzerine muşamba üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 29 cm x 37 cm (11,4 inç x 14,6 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Picasso Müzesi, Paris |
Pablo Picasso’nun listemizdeki son tablosu, 1912 yılında ürettiği Hazeranlı Natürmort (Still life with the caned chair)’tur. Kübizm akımının en kolay tanınan parçalarından biri olduğu düşünülen bu eser, modern sanatın ilk eseri olarak görülmesiyle kutlanmaktadır. Bu sanat eserinde Picasso, sanatına rengi yeniden katmak için çalıştı ve çoklu bakış açılarıyla deneyler yapmaya devam etti. Picasso, tuvaline birkaç nesne ekleyerek, bir sandalyeyi andıracak şekilde yapıldığı için bu sanat eserine eğlenceli ama net bir niyet kattı.
Sandalye Caning ile Natürmort’a bakıldığında, bir kafe masa üstü görüntüsü akla geliyor. Picasso’nun hem boya hem de kolaj yoluyla resmettiği eserin sağ üst köşesinde meyve parçaları, kadehler, bıçaklar gibi objeler çeşitli açılardan görülebiliyor. Altta görülen sandalye kamışı, gerçek bir kamışı değil, bir parça baskılı muşambadan yapılmışken, tuvali çevreleyen ip gerçekti.
Amacı, bulunan bir nesneyi kullanarak, izleyicilere bir kafe masasının oymalı bordürünü önermekti.
Natürmort ile Sandalye Caning’de basılı tek kelime olan “JOU”, sanat eserinde bir odak noktası görevi görür. Picasso’nun genellikle Paris kafelerinde yapılan okuma eylemine atıfta bulunmaya çalıştığı için, dahil edilmesinin Fransızca gazete kelimesinin ilk üç harfini hecelediği düşünülüyordu. Kolaj öğelerini bir yüksek sanat eserine dahil eden ilk sanat eseri olarak var olan Sandalye Caning ile Natürmort, o dönemde Avrupa’daki değişken ve istikrarsız siyasi duruma ve Picasso’nun kendi devrimci eğilimlerine atıfta bulundu.
Fresnaye Gökyüzünün Fethi – Roger de La Fresnaye
| Sanatçı | Roger de La Fresnaye |
| Boyanma Tarihi | 1913 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 235,9 cm x 195.6 cm (92,8 inç x 77 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Modern Sanat Müzesi, New York |
Diğer tanınmış Kübizm sanatçılarından biri, 1913’te ikonik Fresnaye Gökyüzünün Fethi tablosunu çizen Roger de La Fresnaye idi. Var olan en unutulmaz Kübist tablolarından biri olarak kabul edilen bu eser, Fransız sanatçılar arasında inanılmaz derecede popüler olduğunu kanıtladı.
Bunun nedeni, La Fresnaye’nin canlı ve iyimser resimlerinin, İkinci Dünya Savaşı başlamadan önce Kübist portrelerin ve resimlerin popülerleşmesine yardımcı olmasıydı.
Havanın Fethi’nde, La Fresnaye kendini kardeşi Henri ile dışarıda bir masada otururken tasvir etti. Sol üst köşedeki uzak arka planda sarı bir sıcak hava balonu görülebilir. Bunun, o zamanlar dünyanın en eski balon yarışı olan Gordon Bennet kupasına atıfta bulunduğu düşünülüyordu. 1912’de, bir Fransız yetiştiricisi yarışı kazandı, bu da tuvalin sağ tarafında hafif parçalanmış ancak kutlama amaçlı Fransız bayrağının dahil edilmesini açıklıyor. Bayrağı oluşturmak için parçalanmış bloklar kullanan La Fresnaye, bayrak rüzgarda hafifçe esiyormuş gibi göründüğü için malzemeye hareket unsurunu ekledi.
Sanatçı arkadaşı Robert Delaunay tarafından geliştirilen hem geleneksel Kübizm hem de Orfizm’den etkiler gösteren La Fresnaye, eserlerindeki figürleri parlak ve renkli geometrik şekiller kullanarak tasvir etti. Tuvalin ortasına, Orphism’in özelliklerine güzel bir şekilde katkıda bulunan şekillerin yerleştirilmesiyle dairesel bir his görülebilir.
Bu resim, her doğal unsurun belirsiz geometrik mükemmelliğe bağlı olduğu inancıyla oynadı, çünkü bu resimdeki her yön keskin ve üçgen niteliklerle tasvir edildi.
Elektrik Prizmaları – Sonia Delaunay
| Sanatçı | Sonia Delaunay |
| Boyanma Tarihi | 1914 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 250 cm x 250 cm (98,4 inç x 98,4 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Centre Pompidou, Paris |
Sonia Delaunay tarafından 1914 yılında boyanmış olan Elektrik Prizmalar, son derece renkli bir ünlü Kübizm sanat eseriydi. Delaunay’ın canlı renklerle yenilikçi keşifleri, imzasını ve renkli stilini Kübizm idealleriyle nasıl birleştirebildiğinin titiz bir örneği olarak var olduğu için Electric Prisms’de tam olarak gerçekleşti.
Büyük bir renk kutlaması olarak kabul edilen Elektrik Prizmalarının odak noktası iki büyük ve örtüşen daire etrafındadır. Bunlar esasen yan yana yerleştirilmiş birincil ve ikincil renklerin eğrileri tarafından yaratılırken, tuvalin geri kalanı çeşitli başka renk ve şekillerde kaplandı. Dikdörtgenler, yaylar ve ovaller gibi soyut formlar bir araya getirilerek bir ton karışımı oluşturulur, çünkü parçalanmış her bir şekil, tıpkı bir duvar halısı gibi birbirine dikilmiş olma çağrışımı taşır.
Elektrik Prizmalarında Delaunay, geometrik formlara ve düzleştirilmiş perspektife olan hayranlığını gösterdi. Bununla birlikte, bu Kübist sanat eseri, parlak boya blokları, olası bir dördüncü boyutun işe ne kadar uzun süre bakılırsa o kadar görünür olduğunu önermeye devam ettiğinden, renk ve konsepte olan soyut ilgisini de sergiledi.
Elektriğin dinamik hareketinin temsilcisi olduğu söylenen Delaunay, Paris’teki Saint-Michel bulvarı boyunca yeni elektrikli turları gördükten sonra çarpıcı ışık parıltısını yakalamak için ilham aldı.
Açık Pencere Önünde Natürmort, Rue Ravignan – Juan Gris
| Sanatçı | John Gray |
| Boyanma Tarihi | 1915 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 115,9 cm x 88,9 cm (45,6 inç x 35 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Philadelphia Sanat Müzesi, Philadelphia |
Kübist resimlerinin genellikle Picasso ve Braque’nin resimlerine en yakın olduğu düşünülen bir sanatçı, 1915’te ünlü Açık Pencere Önünde Natürmort, Rue Ravignan’ı çizen Juan Gris’ti. Zıt kombinasyonlarda canlı ve uyumlu renklerle resim yapmak, bu sanat eseri, Gris’in ilgisini aynı tuval üzerinde iç ve dış mekan görünümleriyle birleştirdi. Rue Ravignan, İç ve dış sahneleri harmanlayarak, Açık Pencere Önünde Natürmort, kullanılan tekniklerle Kübizm sanat eserlerine harika bir örnek olarak karşımıza çıkıyor.
Eserin başlığına göre, bir kase meyve, bir şişe ve bardak gibi natürmortla ilişkili bazı geleneksel nesnelerin yanı sıra bir kitap ve gazete içeriyordu. Tuvalin en renkli bölümüyle temsil edilen bu objeler, bir balkon penceresindeki masanın üzerine özenle dizilmiş şekilde gösterildi. Ek olarak, resmin bu parçası, dışarıdan gelen ay ışığıyla aydınlanmış gibi görünüyordu, bu da bir dış sahneyi betimleyen mavimsi karelerden ima ediliyordu.
Açık Pencere Önünde Natürmort’taki konu, Rue Ravignan yaygın ve şaşırtıcı olmasa da, soyut düzenlemesi inanılmaz derecede yenilikçiydi. Gris, üst üste binen düzlemlerden oluşan yapılandırılmış ızgarası, tuvalin farklı alanları arasında hassas bir denge ve denge oluşturduğundan, o sırada diğer Kübist sanatçılardan daha ustaydı.
Açık ve koyu, pozitif ve negatif, monokrom ve renk arasında zahmetsizce geçiş yapan Gris’in tüm çalışması bir tür klasik hassasiyetle değerlendirildi.
Üç Kadın – Fernand Leger
| Sanatçı | Fernand Leger |
| Boyanma Tarihi | 1921 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 251,5 cm x 183,5 cm (99 inç x 72,2 inç) |
| Şu Anda Bulunduğu Yer | Modern Sanat Müzesi, New York |
Listemizdeki son ünlü Kübizm sanat resmi ise Fernand Léger tarafından 1921 yılında yapılan Üç Kadın’dır. Kübizm akımının sona ermesinden bir süre sonra üretilen bu eser, bir dönemin daha güncel bir görüntüsünü sunuyordu. Bu resimde hem Kübizm hem de Fütürizm‘den etkiler gösteren Üç Kadın, çıplak forma eşlik edecek modern bir kelime hazinesi sağladı.
Léger, Kübist yönlerden hareketle, çok modern bir apartman dairesinde çay veya kahve içen ve üç figürü katı geometrik formlar kullanarak tasvir etti. Ancak şekillerde kullanılan kusursuz renkler, ön planda örtüşmedikleri ve bir tür üç boyutluluğun yaratılmasına yardımcı oldukları için Analitik Kübizm’e katkıda bulundular. Bu sayede kadınların bedenleri, oturdukları mobilyalar ve aralarındaki boşluklar inanılmaz derecede iyi tanımlanmış ve kolayca ayırt edilebiliyordu.
Nü, sanat tarihinin çoğunda ortak bir konu olmasına rağmen, Léger’in figürleri, diğer Kübist portrelerde görülen figürlerden daha parlak ve rafineydi. Bu görünüşte zarif figürler, İkinci Dünya Savaşı’nın kargaşasından sonra Fransız sanatında yaygın bir tema olan düzene ve normalliğe dönüşü gösteriyordu. Léger, makineye benzeyen bir hassasiyet kullanarak, o dönem modern dünyanın simgesi olan, yuvarlak ve gerçeklikten tamamen kopmuş sadeleştirilmiş kadınları sundu.
