Tarihe damgasını vurmuş soyut tablolar, gerçeklikten uzak, geometrik şekiller ve renkler kullanarak oluşturulan soyut sanat eserleridir. Bu tür tablolar, sanatçının düşüncelerini, duygularını veya dünya görüşünü ifade etmeyi amaçlar.
Soyut tablolarda gerçeklikten uzak olan şekiller ve renkler, sanatçının yaratıcılığını sergilemeyi amaçlar ve bu nedenle de soyut tablolar, düşünmeyi ve yorumlamayı gerektirir. 19. yüzyılın sonlarında ortaya çıkan soyut sanat, çeşitli türlerden oluşan inanılmaz derecede çok yönlü bir sanat dönemiydi. Türlerden bazıları Soyut Dışavurumculuk, Lirik Soyutlama, Renk Alanı Resmi, Resim Sonrası Soyutlama ve Minimalizm’i içeriyordu.
Soyut sanat, sanatçıların gerçek hayatta meydana gelen görsel referanslardan tamamen bağımsız ve bunlarla sınırlanmamış sanat eserleri yaratma arzusu nedeniyle ortaya çıktı. Böylece sanat eserleri, o dönemde toplumda, teknolojide ve bilimde meydana gelen çok sayıda değişikliği somutlaştırdı. Bu yazımızda soyut sanat nedir? Ünlü soyut tablolar hangileridir? keşfedeceğiz.
Soyut Sanat Nedir?
| Türü | Sanat Akımı/Görsel Sanat |
| Öncüleri | Kazimir Maleviç, Wassily Kandinsky |
| Diğer Adı | Nonfigüratif Sanat |
| Başlangıç Tarihi | 20. Yüzyılın Başları |
Soyut sanat, gerçeklikten uzak olan, geometrik şekiller ve renkler kullanılarak oluşturulan sanat eserleridir. Soyut sanat, gerçek dünyayı yansıtmak yerine, sanatçının düşüncelerini, duygularını veya dünya görüşünü ifade etmeyi amaçlar. Soyut sanat eserleri, gerçek dünyada görülen nesnelerin resmini yapmak yerine, sanatçının yaratıcılığını sergilemeyi amaçlar ve bu nedenle de soyut sanat, düşünmeyi ve yorumlamayı gerektirir.
Soyut Sanat Tarihi
Soyut sanat akımı, 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkmıştır ve ilk soyut sanat eserleri, Kazimir Malevich tarafından yaratılmıştır. Malevich’in “Beyaz Üstüne Beyaz” tablosu, soyut sanat akımının en ünlü eserlerinden biri olarak kabul edilir. Soyut sanat, dünya çapında çok sayıda sanatçı tarafından yaratılmış ve geliştirilmiştir ve bu tür sanat eserleri, çeşitli ülkelerde sergilenmektedir.
Temsili olmayan bir sanat hareketi olarak görülen sanatta soyutlama, birçok sanatçının bu tür içinde deneyler yapmayı seçmesiyle yıllar boyunca muazzam bir şekilde gelişti. 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında ortaya çıktığı düşünülen soyut sanat, doğal dünyada uzaktan ayırt edilebilecek hiçbir şeye benzememeyi amaçladığı için geleneksel temsil sanatına karşı çıktı.
Sanatçılar Neyi Amaçladı?
20. yüzyılın başlarında çoğu sanatçı, gerçek bir şeyden tamamen soyutlanmış olma fikrini uyandıran bir araç olarak var olan soyut sanat ile sanat üretmenin yeni yollarını aradı.
Bunun nedeni, o zamanki gerçekliğin, birçok değişikliğiyle inanılmaz derecede kısıtlayıcı olduğunun düşünülmesi ve sanatçıların sınırlamalarından kurtulma ihtiyacı hissetmesiydi.
Toplum depresyon, yiyecek kıtlığı ve savaş yaşamaya başladığında, soyutlama sanat dünyasında büyük bir güç olarak sağlam bir şekilde kuruldu. Sanatçılar, toplumda görülen bu kavramları gerçekçi olmayan ve sembolik sanat eserleri aracılığıyla tasvir etmeye başladılar. Bu, geleneksel ve temsili sanatsal yaratımdan büyük bir sapma gösterdi. Soyut sanat’ın gelişimi, sanatçılara teorik kompozisyonlarını bir araya getirmek ve onları “sanat” olarak etiketlemek için sonsuz sınırlar yaratmak için gereken özerkliği verdi.
Sanatta bu özgürlük, izleyicilerden yoğun duygusal tepkilere yol açan alışılmadık bir estetik elde etmek için birleştirilen renklerin, şekillerin, formların ve mimik işaretlerinin sınırsız kullanımıyla karakterize edildi. Bu sanat eserlerinin sonucu, sanat eserini yaratırken sanatçının düşüncelerini ve duygularını temsil ettiği söylenen bu stil ile büyük ölçüde soyutlanmalarıydı.
Bu nedenle, Soyut sanatın, tasvir edilen görüntüler aracılığıyla izleyicilerde güçlü duygular ve bağlantılar uyandırdığına inanılıyordu. Yaratılan soyut tablolar, Batı Avrupa dünyasının teknolojik, bilimsel ve felsefi alanlarında meydana gelen temel değişikliklere misillemede bulunuyordu ve soyut sanat, sanat toplumunda ana dönüm noktası olarak var oldu.
Öncü Sanatçı Wassily Kandinsky
Tüm zamanların en ikonik soyut sanatçılarından biri, şimdiye kadar yapılmış ilk ve en ikonik soyut sanat eserini yaptığı söylenen Wassily Kandinsky idi. Kandinsky’nin yapıtlarının yaratılmasından bu yana, soyut sanat hareketi, o zamandan beri günümüzdeki diğer sanat hareketlerinin ortaya çıkışını etkileyen yeni stil ve tekniklerin araştırılmasını ve geliştirilmesini teşvik eden son derece çok yönlü bir alan olduğunu kanıtladı.
En Ünlü Soyut Tablolar
20. yüzyılın başlarında, birçok ünlü tablolar ile sanat yaratıldı ve bu sanat eserlerinin çoğu bugün hala konuşuluyor. Bu soyut sanat örnekleri göz önüne alındığında, bazı sanat eserleri öne çıkmayı başarmış ve zaman geçtikçe artan bir popülerlik kazanmıştır. Sizin için tüm zamanların en ünlü soyut tabloları konsuna dahil edilebilecek daha birçok sanat eseri olsa da, aşağıda bahsetmek için en iyi soyut tabloları seçtik. İşte en ünlü soyut tablolar:
- İsimsiz (İlk Soyut Suluboya) (1910)
- Tablo I (1921)
- Senecio (1922)
- Tablo (Mavi Yıldız) (1927)
- Çıplak, Yeşil Yapraklar ve Büst (Nude, Green Leaves and Bust) (1932)
- 1934 (kabartma) (1934)
- Yakınsama (1952)
- Dağlar ve Deniz (1952)
Wassily Kandinsky: İsimsiz (İlk Soyut Suluboya) (1910)
Soyut sanatın öncüsü olduğu düşünülen Rus sanatçı Wassily Kandinsky, soyut hareketin en ikonik üyesi olarak tanındı. “Soyut sanatın babası” lakaplı Kandinsky, soyut sanat döneminin ilk gerçek sanat eseri olduğu söylenenler de dahil olmak üzere, türdeki en eski eserlerden bazılarını çizdi. 1910’da yaptığı söz konusu resim, İsimsiz (İlk Soyut Suluboya) eseriydi.
| Sanatçı | Vasily Kandinsky (1866 – 1944) |
| Boyanma Tarihi | 1910 |
| Tür | Kağıt üzerine suluboya ve Hint mürekkebi ve kurşun kalem |
| Boyutlar | 49,6 cm x 64,8 cm (19,5 inç x 25,5 inç) |
| Nerede | Centre Georges Pompidou, Paris |
Kandinsky, gelişmekte olan yeni soyut sanat türüne özgü İsimsiz tablosu öğeleri ve teknikleri ile konuyu sanat eserlerine dahil etmenin kısıtlamalarından kurtulma arzusunu dile getirdi. Canlı renkler ve jestsel lekelerle karakterize edilen Kandinsky, resminde gerçekliğin doğru bir tasvirinden çok yoğun duyguların ifadesine öncelik verdi. Suluboya ile çalışan Kandinsky, bu tabloyu sadece üç günde tamamlamayı başardı.
Ancak Kandinsky, acele etmesine rağmen, son kompozisyona başlamadan önce bu sanat eseri için çeşitli çalışmalar yaptı. İsimsiz’de yorumlanabilecek hıza eklenen şey, renk seçimiydi, çünkü Kandinsky o sırada duygularını sadakatle temsil edeceğini bildiği renkleri ustaca seçti. Çizilen çizgiler ve şekiller de bu tabloya bakarken yaşanan kaosa ve aciliyete katkıda bulunuyor ve vurguluyor.
Soyutlama da, o dönemde sanatçı kalabalığından büyük ilgi uyandıran, tasvir edilen gevşek ve belirsiz çizgiler aracılığıyla bu sanat eserinde açıkça gösterilmiştir. İsimsiz, soyut sanat hareketinin önemli bir kışkırtıcısı olarak varlığını sürdürüyor, çünkü ilk kez uzaktan bağımsız ve sınırsız olan herhangi bir şey, o dönemde sanat eserlerinde uygun bir konu olarak kabul edildi.
İsimsiz, geleneksel sanat eserlerinden daha soyut ve sınır tanımayan sanat eserlerine doğru bir hareket olarak Avrupa sanatında belirleyici bir noktayı işaret ediyordu. 1910 ile 1914 arasındaki dönem, Kandinsky’nin kariyerinin zirvesi ve en büyük sanatsal başarılarının zirvesi olarak kabul edildi. Böylece, İsimsiz, tanınabilir biçimlere yapılan tüm göndermeleri bariz bir şekilde reddeden ve Batı Avrupa resminin temsili geleneklerinin getirdiği kısıtlamalardan çıkan ilk sanat eserlerinden biri olarak var oldu.
Bu tam özgürlük kavramı, Kandinsky’nin bu dönemde yarattığı eserlerin çoğunda belirgin bir şekilde yer almaya devam etti.
Piet Mondrian: Tablo I (1921)
İkonik Hollandalı sanatçı Piet Mondrian, türdeki en ikonik ünlü soyut sanat eserlerinden bazılarını yarattığı için soyut sanat akımı içindeki bir başka önemli figürdü. Hem Soyut hem de De Stijl hareketlerine dahil olmasıyla tanınan Mondrian’ın sanat tarzı, sonunda temel ve karmaşık olmayan geometrik öğelere yoğunlaşana kadar önemli ölçüde gelişti. Tablo I adlı 1921 tablosu, Mondrian’ın tarzını iyi bir şekilde gösterir ve onun en ünlü soyut resimlerinden biri olarak varlığını sürdürür.
| Sanatçı | Piet Mondrian (1872 – 1944) |
| Boyanma Tarihi | 1921 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 103 cm x 100 cm (40,5 inç x 39,3 inç) |
| Nerede | Kunstmuseum Den Haag, Hollanda |
Mondrian, düz siyah çizgiler kullanarak boya panellerini ayıran bir tablo yaratarak, iyi bilinen stilini soyut sanat içinde sağlamlaştırmayı başardı. Kompozisyonlara uygulanan matematiksel hassasiyetin yarattığı bu cilalı ve uyumlu denge, tanınabilir figürlerin yerini almak için sağlam ve geometrik şekillere güvendiği için, Mondrian’ın bu dönemdeki sanat eserlerinin çoğunu karakterize etti.
Buna ek olarak Mondrian, sanat eserlerinde hiçbir şeye belirgin bir gönderme yapılmadığını vurgulamak için düz renk ve çizgi bloklarından yararlandı. Tablo I’de çizgilerin ve rengin kullanımı, Mondrian’ın bu soyut sanat eserine bakarken izleyiciler ve zihinleri arasında yaratmaya çalıştığı katı bölümlendirmeye yardımcı oldu.
Bu, bazı parçaların basit renk, çizgi ve biçim blokları olarak anlaşılabileceği ve kabul edilebileceği için, mantıksal algının her zaman sanat eserlerine eşlik etmediği fikrini vurgulamak için yapıldı.
Tablo I’de ve bu dönemdeki diğer sanat eserlerinde görüldüğü gibi, Mondrian yalnızca ana renkleri kullanmıştır. Basitleştirilmiş renk paleti, evrenin yalnızca geometrik şekiller ve çizgilerle kolayca birleştirilebilen nesnelerin ve maddelerin organik ve dengeli bir koleksiyonu olduğu şeklindeki ütopik teorisini sergilemeye devam etti.
Mondrian, yalnızca ana renkleri kullanarak, tüm renklerin yapı taşlarına atıfta bulundu ve Tablo I’de gösterildiği gibi, soyut çalışmalarında sorunsuz bir şekilde bir kompozisyon uyumu duygusu yaratmayı başardı. Mondrian, Tablo içinde mükemmele yakın bir renk dengesi elde etti. Bu soyut sanat eseri ile pop art ve çağdaş sanatta bir dizi başka sanatçıyı, mimarı ve moda tasarımcısını etkilemeye devam ediyor.
Paul Klee: Senecio (1922)
Soyut sanat döneminin bir diğer önemli sanatçısı, resimleri tarih boyunca en iyi soyut sanat örneklerinden bazılarını oluşturan Alman sanatçı Paul Klee’dir. Klee aynı zamanda Dışavurumculuk, Kübizm ve Sürrealizm‘e dahil olmasıyla da tanınıyordu, zira sanat eserlerinin çoğunda renk teorisine dair büyük keşfi göze çarpıyordu. 1922’de yaptığı en ünlü soyut sanat eserinin adı Senecio‘dur.
| Sanatçı | Paul Klee (1879 – 1940) |
| Boyanma Tarihi | 1922 |
| Tür | Panel üzerine monte edilmiş tuval üzerine yağlı boya |
| Boyutlar | 40,5 cm x 38 cm (15,9 inç x 15 inç) |
| Nerede | Kunstmuseum Basel, İsviçre |
Bunaklaşan bir adamın başı olarak da bilinen Senecio’da Klee, turuncu, sarı, kırmızı ve beyazdan oluşan çeşitli dikdörtgenlere bölünmüş bir insan kafası gibi görünen şeyi tasvir ediyor. Farklı renk karelerinin, bir alacalı tarafından geleneksel olarak giyilen bir tür maskeye veya yamalara benzediği söyleniyor. Bu da sanat eserinin başlığında sanatçı-icracı Senecio’ya atıfta bulunularak ima ediliyor.
Farklı karelerin yarattığı soyutlama nedeniyle, Senecio ilk başta bir yüzü tasvir ediyor gibi görünmüyor. Bununla birlikte, her iki gözün üzerinde görülen üçgen ve eğri çizgiye bakıldığında, kaşların kalktığı izlenimi veriyor ve izleyiciler blokların içinde bir yüz seçebiliyor. Bu çalışmadaki geometrik hassasiyet, hem Kübizm hem de soyut sanatın bir parçası olduğu düşünülen bu sanat eseri ile oldukça ağır bir Kübist etki göstermektedir.
Klee, basit renkler ve belirsiz şekiller kullanarak grafik öğeleri, izleyicilerin gözünde bir şekilde tanınabilir bir şekle dönüşebilecekleri noktaya kadar manipüle edebildi. Senecio, yüzün maske benzeri bir niteliği olduğu için Klee’nin mizah anlayışını ve Afrika kültürüne olan ilgisini de ortaya koyuyor.
Senecio’daki renklerin, şekillerin ve illüzyonun kombinasyonu, o zamanlar sanat dünyasında var olan değişen ilişkiyi gösteriyor, çünkü Klee’nin tasvir ettiği yüz, izleyiciler onu farklı anlarsa kolayca başka bir forma geçme yeteneğine sahipti. Bu teorik fikre ek olarak, Senecio, çocuk sanat eserlerinde olduğu gibi belirsiz şekillerin ve minimal yüz detaylarının kullanımı, Klee’nin amaçladığı figürü aktarmayı başardığından, çocuklar tarafından yapılan resimlerle alay ediyor.
Joan Miró: Tablo (Mavi Yıldız) (1927)
Esas olarak Dada, deneysel ve sürrealist hareketler içinde çalışan İspanyol sanatçı Joan Miró, kariyeri boyunca birçok ünlü soyut resim de üretti. Sürrealizm ile daha yakından bağlantılı olmasına rağmen Miró, soyut sanat’ın gelişiminin habercisi olduğu düşünülen birkaç önemli sanat eseri çizdi. 1927’de yaptığı bu sanat eserlerinden biri de Tablo (Mavi Yıldız) idi.
| Sanatçı | Joan Miró (1893 – 1983) |
| Boyanma Tarihi | 1927 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 115,5 cm x 89 cm (45 5/8 inç x 35 inç) |
| Nerede | Özel Koleksiyon |
Bu sanat eserini bu kadar ilginç kılan, Miró’nun figüratif ve soyut sanat arasındaki geçişini belgelemiş olmasıdır. Bu resimde ilk başta asıl konunun ne olduğunu anlamak zor. Ancak, birkaç dakika izledikten sonra çoğu izleyici, Miró’nun neyi temsil etmeye çalıştığını hala tam olarak anlayamayabileceklerini söyleyecektir.
Kavurucu mavi bir arka planla boyanmış, karalama gibi görünen ince siyah çizgiler ve ayrıca parlak mavi ve kırmızı iki nokta daha net hale geliyor. Resmin ortasında, dolambaçlı siyah çizgiler arasında pembe bir sıçrama gösteriliyor. Çizgilerin ve renk lekelerinin bu kesişimine rağmen, bu sanat eserinde var olan gerçek soyutlamayı gösteren somut görüntüler veya temsil edilebilir figürler oluşamıyor.
Miró, rüya gibi bir duyguya bürünen bu sanat eseriyle olağanüstü bir görsel potansiyel imajı yaratmayı başardı. Miró, bu tablodaki mavinin yoğunluğunu “dünyanın rengi” olarak adlandırdı.
Miró, resim yaptığında sadece kafasında gördüğü resimleri çizdiğini iddia etti.
Bu açıklama, resmettiği konunun kendi zihninden alınması nedeniyle görsel olarak tanınan referansların resimlerinde her zaman bulunamayacağını vurguladı. Sürrealist bir sanatçı olarak Miró, genellikle halüsinasyon görürken ve uyuşturucu etkisi altındayken resim yaptı. Miró’nun Tablo (Mavi Yıldız) tablosu, 2012’de 23,5 milyon sterline satılarak, onun şimdiye kadar satılan en pahalı tablosu oldu.
Pablo Picasso: Çıplak, Yeşil Yapraklar ve Büst (Nude, Green Leaves and Bust) (1932)
Genel olarak sanat tarihinin en ikonik ressamlarından biri İspanyol sanatçı Pablo Picasso‘dur. Picasso, uzun kariyeri boyunca ağırlıklı olarak Kübist ve Sürrealist hareketler içinde deneyler yaptı. Bunun yanı sıra soyut sanat döneminin bir parçası olarak kabul edilen bazı sanat eserleri de yarattı. Yarattığı tüm eserler arasında en iyi soyut sanat tablolarından birinin 1932’de yaptığı Çıplak, Yeşil Yapraklar ve Büst (Nude, Green Leaves and Bust) olduğu düşünülüyordu.
| Sanatçı | Pablo Picasso (1881 – 1973) |
| Boyanma Tarihi | 1932 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 162 cm x 130 cm (64 inç x 51 inç) |
| Nerede | Tate Modern, İngiltere |
Çıplak, Yeşil Yapraklar ve Büst (Nude, Green Leaves and Bust) içinde Picasso, o zamanki metresi Marie-Thérèse Walter’ı resmetti. Picasso, Walter’ı ilham perisi olarak düşündü, bu portre ona adandı ve onun üzerinde bıraktığı büyük etki. Bir metreden uzun duran bu soyut sanat eseri, Walters’ın canlı mavi bir perdenin önünde yatan biraz basitleştirilmiş ve soyutlanmış bir figür olarak temsilini içerir.
Bir bitki, bir kaidenin üzerinde oturan bir büst ve biraz meyve gibi görünüşte rastgele nesnelerle çevrili görünüyor. Bu çarpıcı başyapıt, Picasso’nun Walters ile olan duygusal ilişkisini temsil ediyordu. Tablodaki soyutlanmış figürün ima ettiği bu gizemli ve mahremiyet havası ve bir perdenin dahil edilmesiyle, ilişkilerini yıllarca karısından bir sır olarak sakladı. Walters’ı bu şekilde resmeden Picasso, başlangıçta izleyicilerin mantıklı bir anlam çıkarması için kafa karıştırıcı olan bir form yaratmanın yanı sıra kimliğini daha da korumayı başardı.
Çıplak, Yeşil Yapraklar ve Büst (Nude, Green Leaves and Bust), Picasso’nun kullandığı teknikler ve unsurlar onun gerçeklikten biraz uzaklaştığını gösterdiğinden, soyut sanat’ın dikkate değer bir örneği olarak var. Bu, gösterilen nesneleri çevreleyen kafa karışıklığının yanı sıra figürün yüzünün gizlenmesiyle vurgulanır.
Arka planda kullanılan ana renkler, sanatçı arkadaşı Piet Mondrian tarafından ünlenen tekniğe atıfta bulunarak, bu renklerin kullanımıyla oluşturulan kompozisyon uyumunu gösteriyor.
Böylece, Çıplak, Yeşil Yapraklar ve Büst (Nude, Green Leaves and Bust), soyut sanat içinde önemli bir sanat eseri olarak var olur, çünkü Picasso, diğer stillerden öğeleri bu eşsiz tabloya sorunsuz bir şekilde dahil etmeyi başarmıştır. Aynı zamanda, 2010 yılında 106,5 milyon dolarla müzayedeye çıkarılarak, o zamana kadar satılan en pahalı tablo olarak dünya rekorunu da kırdı.
Ben Nicholson: 1934 (kabartma) (1934)
Soyut sanat döneminin bir diğer önemli sanatçısı da İngiliz sanatçı Ben Nicholson’dur. Yalnızca Soyut kompozisyonlar, manzaralar ve natürmortlarda çalışan Nicholson’ın sanat eserlerinin bazı önemli soyut sanat örnekleri oluşturduğu söylendi. Nicholson’ın 1934’te yarattığı sanat eserlerinden biri, onun 1934 (kabartma) eseridir.
| Sanatçı | Ben Nicholson (1894 – 1982) |
| Boyanma Tarihi | 1934 |
| Tür | Maun üzerine yağlı boya |
| Boyutlar | 71,8 cm x 96,5 cm |
| Nerede | Tate Modern, İngiltere |
Post-Empresyonist ve Kübist hareketlerden büyük ölçüde ilham alan Nicholson, resimlerin potansiyel olarak mekanı nasıl temsil edebileceği konusunda ilgisini çekmişti. Soyut kabartmalar olduğuna inandığı şeyleri denemeye ve üretmeye başlamak için geleneksel figüratif tarzından uzaklaşmaya başladı. Bu soyut ve geometrik olarak yontulmuş sanat eserlerinde, Nicholson her parçayı beyaza boyamadan önce elle yaptı.
1934’te (rahatlama), Nicholson, onunla tanıştıktan sonra Piet Mondrian’ın yanı sıra diğer ünlü ressamlar Joan Miró ve Alexander Calder’ın sanat eserlerinden büyük ölçüde etkilendi. Bu soyut sanat eserinde Nicholson, saf beyazı boyamayı seçerken renkten kaçındığını gösterdi. İkinci Dünya Savaşı’nın patlak vermesinden önceki yıllarda yaratılan 1934 (rölyef), her iki savaş arasında yaşanan çalkantılı dönemin engin soyutlama ve kullanılan renk yokluğu aracılığıyla incelikli bir keşfi olarak vardı.
Nicholson, ahşap bir tahtadan bir daire ve bir kare oyarak, o dönemde toplumda “eksiklik” fikrini gösterdi. 1934’te (rölyef), geometrik formlar, boyutsal katmanlama ve kullanılan tek renkli renk paletinin dahil edilmesiyle tüm duygu ortadan kaldırılır.
Bu sanat eseri, Nicholson’ı bu benzersiz tarzda bir dizi soyut beyaz heykel kabartması yaratmaya devam ederken, o zamanlar İngiliz Soyutlama içinde en önemli figürlerden biri haline getirdi.
Jackson Pollock: Yakınsama (1952)
Öncelikle soyut dışavurumcu hareketle ilişkilendirilen bir sanatçı, Amerikalı ressam Jackson Pollock‘du. Bu hareket içinde önemli bir figür olarak görülen Pollock, hayattayken etkileyici 363 tablo ürettiği söylendiği için kariyeri boyunca birçok ünlü soyut sanat eseri yarattı. 1952’de yarattığı en iyi Soyut resimlerinden biri Yakınsama eseridir.
| Sanatçı | Jackson Pollock (1912 – 1956) |
| Boyanma Tarihi | 1952 |
| Tür | Tuval üzerine yağlıboya |
| Boyutlar | 237 cm x 390 cm (93,5 inç x 155 inç) |
| Nerede | Albright-Knox Sanat Galerisi, New York |
Convergence, en eski soyut sanat eserlerinden biri olmasının yanı sıra, Pollock’un şimdiye kadar yapılmış en beğenilen ve cesur eseri olarak kabul ediliyor. Kötü şöhretli damla boyama tekniğiyle tanınan Pollock, ustaca becerikli şekiller ve çizgiler oluşturuyor gibi görünen sıçrayan renklerden oluşan bir kolajı tasvir ettiği için, Convergence içinde bu stili sergiledi. Bu öğeler, Convergence’ın muazzam boyutu algılanacak çok şey olduğundan, aynı anda göze saldırırken izleyicilerde oldukça yoğun duygular uyandırabilir.
Convergence içinde, Pollock’un çalışmalarının yüzeyinde küçük yaşam parçaları görülebilir. Çivi ve madeni para gibi nesnelerin yanı sıra resmin ortasında görülebilen küçük bir kibriti de dahil etti. Bu tabloyu başlangıçta tek renkli bir renk paletiyle yaratan Pollock, sonuçtan memnun değildi ve soyut resmi kurtarmak için renk parçaları eklemeye karar verdi. Eleştirmenler, başlangıçta renk eklemesinin sanat eserini kurtarmayı başardığını tartışmış olsa da, Yakınsama bugün Pollock’un en tanınmış eserlerinden biri olarak varlığını sürdürüyor.
İfade özgürlüğünün yanı sıra ifade özgürlüğünün bir kişileştirmesi olarak var olan Convergence’ın cüretkarlığı, izleyicileri mesajına biraz katılmamaya neredeyse cüret ediyor. Convergence, kullandığı özgün üslupla Komünizm tehdidi ve Rusya’nın soğuk savaşı hakkındaki görüşlerini ifade etmeyi başardı.
Bu nedenle, Pollock’un sanat eserine ekli mesaj Amerika’nın o dönemde temsil ettiği her şeyi anlattığı için, tarih içinde önemli ve yenilikçi bir resim olarak kabul edilir.
Helen Frankenthaler: Dağlar ve Deniz (1952)
Soyut sanat akımı içindeki önemli bir kadın sanatçı, tüm Soyut ressamların birkaç neslini kapsayan tek sanatçılardan biri olan Amerikalı ressam Helen Frankenthaler’di. Soyut sanat resimleri, dönem içinde gelişen stilini gösteren sürekli değişiyordu. 1952’de henüz 23 yaşındayken yaptığı en ünlü soyut sanat eserlerinden biri Dağlar ve Deniz’di.
| Sanatçı | Helen Frankenthaler (1928 – 2011) |
| Boyanma Tarihi | 1952 |
| Tür | Tuval üzerine yağ ve kömür |
| Boyutlar | 220 cm x 297,8 cm (87 inç x 117,2 inç) |
| Nerede | Ulusal Sanat Galerisi, Washington DC |
Bu sanat eserinde Frankenthaler, yağlı boyalarını astarsız tuvali boyamak için kullanmadan önce terebentin veya kerosen ile incelttiği benzersiz ıslatma-lekeleme tekniğiyle ünlendi. Bu, boyanın hazırlıksız tuval tarafından emilmesine yol açtı ve bu da eserlerine sürekli hareket hissi verdi. 1951’de Jackson Pollock’un tek renkli damlama çalışmalarından bazılarını gördükten sonra Frankenthaler, ürettiği sanat eserlerinde kendi ayırt edici tekniğini yaratmak için ilham aldı ve bu da ıslatarak boyamanın gelişmesine yol açtı.
Nova Scotia’ya yaptığı bir geziden sonra Frankenthaler, yeni tekniğini ilk kez denemek için gördüğü manzaradan ilham aldı. Dağlar ve Deniz, dağları temsil ettiği düşünülen soyutlanmış formların neredeyse yarı saydam bir tasvirini sergiledi ve bu da sanat eserine anlaşılması zor bir aura verdi. Frankenthaler’ın resmi, ıslatma-lekeleme tekniğini kullanarak, işinin göksel ve geçici doğasına katkıda bulunan açık ve pastel renk paletiyle, büyük bir sükunete işaret eden organik konfigürasyonlar aldı.
Frankenthaler’ın tekniğinin sonucuna göre, soyut dışavurumculuk içinde var olan ilk başarılı renk alanı tablolarından biri olarak kabul edilen Dağlar ve Deniz, bugün hareketin en çekici görüntülerinden biri olmaya devam ediyor. Frankenthaler’ın ünlü soyut sanat eserleri, hafif ve akıcı tekniği, o dönemde resme hakim olan popüler impasto tekniğinden pürüzsüz bir şekilde ayrılmasını sağladığından, bu tür içinde deney yapan çok sayıda sanatçıyı etkilemeye devam etti.
Dağlar ve Deniz, Frankenthaler’ın kariyerinin profesyonelce sergilenen ilk soyut eseriydi. Buna ek olarak, eseri aynı zamanda şimdiye kadar yapılmış en büyük tablolarından biridir. Muazzam boyutuna rağmen, Dağlar ve Deniz, Frankenthaler’in Nova Scotia’dayken yaşadığı sessiz bir samimiyeti, betimlediği sulu figürlerin ve şekillerin parlak ama şeffaf kalitesine katkıda bulunan pembe, mavi ve yeşil gibi yumuşak renk seçenekleriyle yakalamayı başardı.
